Música del disco Macata grabado en el estudio T.N.T. (BsAs) por Marcelo Jeremías (piano), Daniel Harari (saxo tenor) y Lorena Edelstein (percusión) en el año 2000
más un solo de piano editado en el estudio La Nata 28/12/2011 en homenaje al amigo Toto Moscovich que dejó recientemente el mundo (Toto fue un excelente percusionista que en su momento supo formar parte de la orquesta del catalán Xavier Cugat) y con quien tuve la fortuna de compartir algunas grabaciones en el estudio T.N.T. en el año 2005 e incluso conciertos en Buenos Aires (teatro AMIA) y algunos otros espacios.
Camino de arena: http://youtu.be/GBqAjClozlY (picar enlace)
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
El relato de la luz de una tarde
y la canción de los campos de trigo
desatan formas tristes en las hojas
y la ilusión en las voces de olvido
El relato de las cosas perdidas
se escucha en el agua y el vino
cuando el tiempo oscurece las manos
de los testigos ciegos del siglo
Un camino de tierra y mojado
que predice el color de un sonido
vuelve a la lluvia en la luna del llanto
por la vereda escondida de un signo
Una letra enredada en un arbol
una palabra caída de un libro
una voz que sale del viento
para aprender de otra voz un camino
M.J.:http://www.marcelojeremias.com/
Colores de una tarde pampeana:http://youtu.be/xRop2mTh9U0 (picar enlaces)
Colores ... (1ra variación piano solo):http://youtu.be/Xz0Fz6muyWA
Colores ... (2da variación piano solo):http://youtu.be/sOh9B3UCIf8
(Foto de un instante del taller de teatro de La Plata a fines de la década del 80 tomada por José Gallastegui)
En los pasos de la tarde de ayer
el agua a lo lejos dibuja unas manos
tras el vidrio mojado de un tren
volviendo a un anden lluvioso y cansado
por las horas de un cuadro y café
un color azulado emerge al costado
de un arbol, la esquina del barrio
y un banco olvidado que espera también
En otra esquina la luz de otro barrio
en otro barrio la sombra y el llanto
como la risa paseando en el tren
como las frases escritas sin ver
como si fuera verdad el ayer
como esperando lo que nunca fue
otro camino, otro paso, otro tren
camino del viento que me ha acompañado ...
Un recuerdo a los amigos que pasaron por taller de teatro de La Plata y que ya en el año 86 con el Federico Vive (homenaje a García Lorca) caminaron expresiones que (de diferentes maneras) siguen recorriendo ...
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
Abajo las músicas (picar los enlaces):
El camino del viento: http://youtu.be/DQESXwt0G70
Baguala del sol: http://youtu.be/okut3Evo9rA
Chacarera del iluso:http://youtu.be/PwE4aGYSDBY
El viento del desierto mueve arenas
que se apagan con las luces de la noche
El viento del desierto mueve piedras
y de las piedras los caminos olvidados
Las luces de la noche son estrellas
y la escena eterna mira el cambio
Las voces de la noche son el viento
que recorre las pisadas de los años
Las voces del olvido ven la hierba
que espera desde siempre agua y barro
con manos del desierto en el silencio
cantando melodías del pasado
Melodías que vuelven con el viento
melodías que viajan con los barcos
melodías perdidas en ciudades
alejadas del desierto imaginario
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Sáhara: (picar aquí)
http://youtu.be/lBnpfCVg7B0
Música del disco Macata grabado por Marcelo Jeremías (violín) y Lorena Edelstein (udu) en el estudio T.N.T. (BsAs) en el año 2000.
Clip realizado con imágenes del desierto del Sáhara y grabación de solo de violin en el estudio La Nata 11/12/2011
El astrolabio fue un instrumento en la navegación del mundo antiguo (aquí dos imágenes)
En el año 94 tuve la fortuna de participar del festival Mar del jazz que se realizó en el teatro San Martín acompañando con el piano a Sergio Paolucci (saxo alto) junto con Guillermo Delgado (bajo eléctrico) y Claudio Risso (batería) ... la buena impresión que dejó este cuarteto considerado por W. Thiers como uno de los mejores proyectos de free jazz nacional (en primera instancia) abrió algunas puertas para realizar más cosas y así al año siguiente pude presentar otro trabajo en que F. Sicilia y C. Marcos me acompañaron en lo que fue un concepto de sonido exclusivamente acústico que al día de hoy uno sigue desarrollando.
En aquel tiempo volvían de su exitosa gira por Inglaterra Ruben Ferrero, Mono Hurtado, Daniel Harari y Horacio Straijer junto con George Haslam siendo los referentes de lo que se dió en llamar (término utilizado por Sergio Paolucci en una conferencia en el Sindicato argentino de músicos) "the new thing", la cosa nueva o el nuevo sonido urbano que tiene su raiz en las propias experiencias sonoras de John Coltrane, Steve Lacy, Mal Waldron, Pharoah Sanders, Ornett Coleman, Cecil Taylor y algunos otros notables artistas precursores y Paolucci (en lo que es su especial vocación por la sonoridad urbana contemporánea se presentó en el año siguiente acompañado por el piano de Santiago Giacobe (el tío), artista de extraordinaria calidad y experiencia que supo conjugar maravillosamente sus armonías con el sonido "revolucionario" de nuestro querido saxofonista.
Digo estas cosas porque uno se acuerda muy bien (a la hora de mirar para donde ir) de donde viene y quienes son nuestros colegas y amigos.
En la grabación siguiente Ruben Ferrero aporta como organista en lo que es uno de los mayores instrumentos (3.600 tubos) más cuatro manuales o teclados y pedalera de la ciudad de Buenos Aires, instrumento ciertamente un poco oculto (en lo que sería su verdadero potencial sonoro) ya que unas paredes mal diseñadas en la fachada impiden el acceso directo del sonido a lo que es el salón de actos del Colegio Nacional de Buenos Aires ... donde realizamos la grabación.
Mi conocimiento de ciertos lugares especiales de la ciudad de Buenos Aires obedece a haber trabajado en la restauración de algunos instrumentos musicales en aquella ciudad y hace unos días uno consideró recordar a uno de los alumnos egresados de aquel colegio (si mal no recuerdo en el año 51) que se llamó Jorge Enea Spilimbergo quien además (para dejar claro de qué clase de persona se trataba) después de recibirse de abogado consideró que no era necesario ir a retirar su título siendo a su vez uno de los fundadores de lo que es el socialismo nacional y dejando muchos textos valiosos que aportan (como Jauretche y algunos otros ensayistas) al pensamiento político nacional de raiz popular y social.
Los músicos de jazz inevitablemente desarrollan un pensamiento crítico y en lo que es el free esto se potencia hacia conceptos sociales muy puntuales que no se corresponden con otras formas desde donde relacionarse con el público y la consecuencia de esto se materializa en la puesta en escena ... y en la pedagogía sobre lo que és la cultura popular urbana en la que el folclore y las raíces son fundamentales.
No es necesario hablar de la trascendencia del trabajo artístico y social de Ruben Ferrero y ni siquiera de la buena sorpresa que aportó Guillermo Delgado algunos años después desde el Quinteto Urbano, y si de buenas sorpresas se trata muchos de estos nombres hicieron (y hacen) las mejores páginas de la historia de la música argentina. Otros tal vez se quedaron en el camino o confundieron un poco las cosas pero lo importante es que la vitalidad de la música nacional es cada vez más elocuente en el mundo y que sus artífices son personas que caminan como gente normal que lucha por sus cosas con una filosofía de vida coincidente.
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Un lugar de este tiempo (en el colegio nacional de Buenos Aires):
http://youtu.be/atb9JWR68VI (picar enlace)
Música grabada en el Colegio Nacional de Buenos Aires en el año 1995 por Marcelo Jeremías (quena) Ruben Ferrero (órgano tubular), Francisco Sicilia (piano) y Carlos Marcos (percusión)
El motivo musical de la segunda parte es un arreglo compuesto por F. Sicilia que en su momento denominó "El grito" ... y formó parte de Lago en la tierra y Río despierto ... y compilado en Astrolabio.
Grabación de la flauta traversa al final y edición de imágenes en el estudio La Nata 07/12/2011
Documento del gobierno de La India agradeciendo la realización de un trabajo musical (Astrolabio)
y documentando que esta música está guardada en el museo Rabindra-Bhavana (con los nombres de todos los artistas y técnicos que formaron parte del mismo).
La ciudad espera a la tormenta
pero el viento cambia la mirada
entonces el río crece por la noche
hasta inundar las calles y las casas ...
La ciudad espera adormecida
en la borrachera ilusa de una plaza
a la sombra del tiempo en su partida
cuando el cielo se oculta y fracasa
en otra ciudad que no escucha al destino
porque el río triste llora y baila
y la ciudad ahora es el olvido
una ciudad sin melodía extraña
tan extraña como la noche oscura
de las voces sin zapatos y sin caras
que caminan perdidas por la calle
cuando los perros aturdidos ladran ...
M.J. :http://www.marcelojeremias.com/
Ciudad dormida en el lamento de un río: (picar enlace)
http://www.youtube.com/watch?v=-EW0I3rYfCs&feature=colike
Música del disco Astrolabio:
1ro: Ciudad dormida: Solo de flauta de bambú y solo de piano Erard francés ... grabado en el estudio T.N.T. (BsAs) en 1996
2do: Melodía del lamento del río ... (flauta de bambú y piano) grabado, masterizado y edición de imágenes en el estudio La Nata 03/12/2011
Ecos del templo interno: grabado con guitarra y junto con Pablo Mezzelani (kaval) en 1996 en el estudio T.N.T. (BsAs), el técnico fue Julio Costa. La masterización y edición de imágenes en el estudio La Nata (01/12/2011).
Aquí el enlace: http://youtu.be/okjqZmB0FMU
Los pueblos olvidados: Solo de guitarra (suite pampeana)
enlace: http://youtu.be/A5yWqe5mWQo
El vuelo del barrilete: Música compuesta en el contexto de un homenaje a R. Tagore. El tabla lo toca Rasikananda Das:
http://youtu.be/DvoUCRuo_i0
Juan Pablo Greco y su guitarra
website:http://www.juanpablogreco.com.ar/
1ro: El corazón del sonido: http://youtu.be/HkijeTOA1P0
Música del disco Paisaje cósmico ... grabado con Juan Pablo Greco en guitarra, más el aporte de Luis Perez Korsaike en percusión y Lorena Edelstein en algunas sesiones en el estudio T.N.T. (BsAs) con Julio Costa como técnico en el año 1999.
Masterización y edición en estudio La Nata (noviembre de 2011) con imágenes de músicos itinerantes de Botswana y (en el comienzo) un fragmento de Ronnie y su guitarra cuyo enlace de su video completo es:http://youtu.be/Tx4cRw6TIIg
2do: Domselaar y el parque de Gobelin:
http://youtu.be/iwqPxZ7AHWI (piano y guitarra)
Clip construído con paisajes del pueblo de Domselaar, el parque Pereyra Iraola y lugares cercanos.
La foto final pertenece a un puente del antiguo tren provincial (de Buenos Aires) situado en la ruta 210 a la altura de Guernica y que dejó de funcionar en la década del 80.
3ro: Candombe en bicicleta (trío): http://youtu.be/Oed8jboxCmU
Con imágenes de un barrio de Buenos Aires
4to: Voces de la Patagonia (trío): http://youtu.be/Zb4q5WIagnE
Luis Perez Korsaike http://www.myspace.com/lirioproducciones
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
Trabajo realizado en 2001 en el estudio T.N.T. (BsAs) con el estimado Sergio Paolucci alternando saxo alto con tenor y quien escribe en piano.
El afecto hacia la música instrumental que Sergio como maestro supo transmitir es algo que algunos tendremos la fortuna de llevar toda la vida, y así las mejores cosas no tienen precio.
Abajo los títulos y enlaces de algunos temas:
Historia de trenes y estaciones: http://youtu.be/kejwOObGjgE
Voces del puerto: http://youtu.be/mC1-ufFu7IE
Imaginaria Buenos Aires: http://youtu.be/8zjt1F1qds8
El tango de Metrópolis: http://youtu.be/u8Dq8__WsSk
Numen de una ciudad perdida: http://youtu.be/RaPRwGiK33s
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
Aquí algunos enlaces con los clips de música realizada junto a Toto Moscovich ( percusión y kalimba) en el estudio T.N.T (BsAs) en 2005.
El técnico de grabación fue Julio Costa.
Aquí algunos títulos:
Sueño de guitarra:
http://youtu.be/Sdvj7e7Y2kQ
Clarinete y kalimba: Música para una escena de Limelight (1952) con C. Chaplin y Buster Keaton:
http://youtu.be/UTwkfyE4U6o
El viaje a la luna de George Méliès (1902):
http://youtu.be/xPW2mH7Nw38
Surrealista Buenos Aires (con The Vanishing Lady de George Méliés, 1896 y The firsth movie ...):
http://youtu.be/b7LjCr3oJ0Y
Una mirada al modernismo catalán (con imágenes de la Sagrada Familia diseñada por el arquitecto Gaudí y editado en el estudio La Nata en V. de los Castillejos en septiembre del 2011):
http://youtu.be/oenROSE1TNE
La historia de los movimientos sociales no tiene todas las páginas escritas y afortunadamente hoy se están dando fenómenos que refieren a un espíritu de lucidez colectiva y uno de estos fenómenos comenzó hace muy poco el pasado 15 de mayo.
Así con todo el (sano) despliegue del 15 M desde la Puerta del Solen España reaparece en el debate social la diferencia entre la idea de capital de trabajo y capital financiero ...
Antes de la segunda guerra mundial Hitler llegó al poder poniendo en evidencia las consecuencias catastróficas del tratado de Versalles para Alemania (que venía de perder la primera guerra mundial ...) desde un criterio semejante.
Así para los simplistas y simplificadores de los fenómenos sociales el 15 M es una estilización (no democrática) del nazismo ... pero no todo es blanco o negro en la historia y cuando ésta se repite lo que muestra no es mucho más que la decadencia de una civilización como en su momento lo fue Roma y muchos imperios así como hoy lo es cierta idea de "Occidente"...
En el caso de quien le robó los bigotes a Charles Chaplin vale recordar que llega al poder a través de elecciones democráticas (lo que no significa que haya sido buena persona ni tampoco que todos los demócratas lo sean ...) aunque por supuesto que las instituciones democráticas se terminaron con su ascenso.
La gran diferencia es que el movimiento 15 M expresa su madurez a través de las mejores consignas como lo es el tratarse de un movimiento pacífico que manifiesta las incongruencias del actual sistema político-financiero para mejorarlo y ésto hace a que los simplistas y simplificadores estén equivocados al catalogar a la gente que participa en las asambleas que lo componen despectivamente.
Al día de hoy semejante a la década del 30 (aunque en una dimensión mucho mayor) la economía mundial (el sistema financiero) tiene demasiados ceros a la derecha lo que significa que se trata de una economía ficticia a la que cada día le cuesta más aportar una consecuencia social positiva al significado de esos números y esa es la burbuja primordial (la gran burbuja de la civilización) y luego sí se da la especulación inmobiliaria, sobre los alimentos, sobre los combustibles y todo lo demás
pero la primer gran burbuja es en todo el sentido de la palabra la cualidad intrínseca del sistema financiero (y por eso se habla de que la crisis actual es sistémica ...)
¿Cómo es que ocurre esto?
Por la sencilla constatación de que las fuentes energéticas básicas que utilizamos (combustibles fósiles y demás) no son renovables ...
y consecuentemente tampoco son renovables los commodities ... de cobre y otros minerales. Incluso los cereales ya que la explotación y producción extensiva de alimentos requiere (necesariamente) recursos naturales y una base energética que (como dijimos) no tiene (por lo menos) un retorno facil lo cual es lo que realmente conspira contra el aspecto positivo de lo que
podría ser un proyecto de globalización mundial ... (con consecuencias sociales que sobrepasen al movimiento de mercaderías e incluyan la libre circulación de cualquier persona por el planeta) y al no poder suscribirse semejante proyecto a la posibilidad de semejanza en los derechos de las distintas sociedades inevitablemente se llega a los conflictos, luego
¿de que forma la civilización discute sobre este nivel de conflicto?
Al constatar que el problema no es sólo ideológico (polarizado en
totaritarismos o democracias, izquierdas o derechas) lo que queda es la discusión tecnológica ... y la apoteosis de la discusión tecnológica es (por lo menos como respuesta recurrente en la historia moderna) "la guerra", luego en la pretensión de espiritualizar a la crueldad sí se desarrollan los criterios ideológicos (como base de justificación de la destrucción) pero
nadie desde una pretensión ideológica inventó la radio ni el teléfono ni tampoco pavimentó un camino porque esas cosas están mas allá del problema de los enfoques o interpretaciones de la historia humana.
Entonces lo que podemos constatar es que nuestra civilización se acerca a peligros (cuello de botella) coyunturales en el cual dar con un nuevo sistema que supere positivamente al denominado neoliberalismo que hoy muestra todas sus incongruencias no se va a dar necesariamente desde la aventura de la discusión "simplemente" ideológica sobre la izquierda o la derecha sino que requiere el salto tecnológico necesario que nos lleve a un estado de realidad diferente.
Recapitulando el texto es interesante constatar que el 15 M nada tiene que ver con el desarrollo de los totalitarismos aunque ambos señalan en su punto de partida cierta coincidencia en el criterio de
que el capital financiero sin ningún control y disociado del bien común o sea el resguardado hoy en los paraísos fiscales es algo que puede perjudicar a la cohesión social y es también origen de buena parte de la locura empresarial humana ...
Luego hoy todos estamos a la espera de las soluciones tecnológicas y su necesaria aplicación ante la nueva consciencia que estamos adquiriendo a partir del mejor conocimiento del medio ambiente, la naturaleza y de nosotros mismos y alcanza con pensar que apenas nos diferenciamos del
antiguo imperio romano en el hecho de que a las ruedas de un carro le sumamos un motor de combustión fósil ... es decir que somos muy diferentes en lo trivial pero en lo importante tal vez todavía no superamos la prueba.
Y si es así una pregunta clave podría ser ¿existe un debate válido sobre tecnologías o en eso estamos a la buena de "las ganas de lucrar como sea por parte de unos pocos" inventando las necesidades de la gente sin medir las consecuencias?
¿Podremos atravesar con lucidez esa instancia de crisis necesaria para equilibrar nuestra forma de vida hacia una idea nueva o seguiremos usando los medios contra nosotros mismos?
¿Somos los artistas pilotos de prueba de los nuevos paisajes y entornos de comunicación en una eterna condición de extemporáneos de la historia?
Si es así en la idea de "borrar la historia personal ..." que viene de la contracultura antropológica de narradores como Carlos Castaneda bien puede ser una pauta estética como una forma de expresar transformando los sucesos personales (y los recuerdos) en mitos que adquieren el espacio y el código de una canción o un verso anónimo que atraviesa las capas del tiempo para dar con un espectador ya en otro silencio a manera de una máquina del tiempo ... y (como dice el tango) :
Primero hay que saber sufrir,
después amar, después partiry, al fin, andar sin pensamientos.Perfume de naranjo en flor,promesas vanas de un amorque se escaparon con el viento.Después, ¿qué importa del después?Toda mi vida es el ayerque me detiene en el pasado.¡Eterna y vieja juventud,que me ha dejado acobardadocomo un pájaro sin luz!
(Naranjo en flor)
Aquí un enlace a otra canción:http://youtu.be/_zaWFvZcMLA
Las calles de Vilanova i La Geltrú conservan un aire antiguo en las paredes y las plazas.
Abajo un enlace con música en homenaje a esta ciudad:
http://youtu.be/wbQx8uyhfQQ
Unes paraules per als meus amics catalans
En aquesta ciutat del mar
vaig trobar el so del vent
i en les senderes laments
que són músiques de pa
i que parlen amb la nit
en els passos del record
i que dibuixen la tarda
entre la sorra i la sal.
En aquesta ciutat del mar
la veu de la pluja escolta
des dels bassals la lluna
que va deixar a l'oblit passar
per una rambla amagada
des d'un saxofon adormit
el retorn fet cas
en un camí de calç.
En esta ciudad del mar
encontré el sonido del viento
y en las veredas lamentos
que son músicas de pan
y que hablan con la noche
en los pasos del recuerdo
y que dibujan la tarde
entre la arena y la sal.
En esta ciudad del mar
la voz de la lluvia escucha
desde los charcos la luna
que dejó al olvido pasar
por una rambla escondida
desde un saxofon dormido
el retorno desoído
en un camino de cal.
Música realizada para los filmes Brighton beach 1896, The first film ever exiting the factory 1895, New York city 1896, London life 1930, foto en blanco y negro de la rambla de Barcelona a fines del 1800 y algunas otras imágenes.
La palabra "modal" para los músicos adquirió distintos componentes de significados que se relacionan con las llamadas antiguas escalas griegas o posteriormente los modos eclesiásticos. En el jazz moderno se suelen combinar modos y de esta forma dar movimiento al eje tonal en varios
"sub" ejes ya modales con sus procesos cadenciales característicos.
Los términos con que los músicos definimos ciertos procedimientos cambian entonces a través del tiempo pero en líneas generales podemos establecer cierta oposición conceptual a lo que sería la música "cromática"
en la que podríamos incluir desarrollos seriales o dodecafónicos puntuales y recursos más cercanos en la historia aunque no necesariamente en el oído del público que a veces puede sentirse desorientado ante un panorama sonoro complejo.
Los antiguos modos (por otra parte) reflejan memorias (también) muy antiguas y eso es lo que atrae de estos sonidos. Por otra parte la música "cromática" posee la "crisis" característica de las voces urbanas y en la intimidad perdida de las grandes ciudades refleja el eco de sus notas y de ahí el peso de su sentido de realidad (dando significado a cierto realismo estético).
Aquí un enlace de "Música para imágenes de cine mudo" en el contexto de una intención modal dentro de lo que me dio en llamar "jazz modal galeico"
(en referencia a lo mencionado y pautas geométricas determinadas relacionadas con los cambios de modos):
http://youtu.be/yr1qOWcm910 (picar aquí)
(proyector de cine mudo)
http://www.marcelojeremias.com/
Este film fue realizado por Thomas A. Edison el 31 de octubre de 1896 a través de la Edison Film Manufacturing Company..
Aquí un fragmento de la película más algunas otras imágenes de contexto y el acompañamiento musical grabado y editado en el estudio La Nata (V. de los Castillejos) el 09/10/2011.
La técnica de composición musical consistió en relacionar melodías muy sencillas con algunos sonidos más alejados de la región tonal en un procedimiento contrapuntístico vinculado a cierta corriente estética que se llamó minimalismo.
La pauta más simple de aproximación a la música minimalista a modo de criterio muy general consiste en ir generando pequeños cambios a cierta estructura sonora que se repite cíclicamente y en el caso de esta obra esto se da en el arpegio que acelera su velocidad y culmina con la sonrisa de la "madre" del filme ...
Otros instantes se corresponden más con diferentes intenciones estéticas relacionadas con el jazz y la música antigua y consecuentemente el desarrollo melódico se vuelve más extensivo y lineal.
Aquí el enlace: http://youtu.be/Vpkt8dwmf0w
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La historia de Charles Chaplin está teñida de ciertas ideas e intuiciones que este artista sostuvo a lo largo de su vida y esto hizo a su muy especial poética con un claro contenido social. Desgranar instantes de sus escenas nos ayuda a comprender su técnica narrativa lo que implica en este caso acercarnos a su concepción de clown, dramaturgo, músico, cineasta y varios
otros roles y oficios subsecuentes relacionados (porque Chaplin era todas esas cosas).
Aquí un enlace con un fragmento de una escena de la película "El
Circo" (de 1928) donde Charlot trata el tema de la "trampa" en la "comedia" siendo el riesgo físico un aspecto imprescindible del espacio circense.
El acompañamiento (a la distancia) está grabado en el estudio La Nata V. de los Castillejos. (07/10/2011)
Un camino perdido en el pueblo de los olivos
contaba del tiempo una historia
y cantaba en el viento un sonido.
Un camino perdido en el huerto de los destinos
miraba de un arbol la sombra
pintada en las voces del vino.
Un sendero olvidado en el viaje de los mendigos
latía debajo del pasto
que crece sobre el camino
una melodía antigua
en la canción de un pueblo
y en el reflejo de un río ...
M.J.
Melodía de un camino en el pueblo de los olivos (Enlace original) http://youtu.be/EJpgqh8v8m8
http://www.marcelojeremias.com/
Misty fue grabada por Erroll Garner en el año 1954 e interpretada por Ella Fiztgerald, Sinatra y muchos otros artistas.
Aquí una versión teñida de paisajes (y personajes) andevaleños:
http://youtu.be/38ELlsRVRCI
http://www.marcelojeremias.com/
Antonio Carlos Jobim fue una personalidad destacada dentro del movimiento musical del tropicalismo que empieza por la década del 50 en Brasil.
Aquí un enlace sobre una versión libre basada en Triste (canción que aparece en el album Wave en 1967):
http://www.youtube.com/watch?v=XwtUxyAq55Q
http://www.marcelojeremias.com/
El golpe (título original The Sting) es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. (fuente Wikipedia)
Aquí una versión libre grabada en el estudio La Nata (V. de los Castillejos)
Abajo el enlace:
http://youtu.be/CzR06EdwNbc
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
El tema del posible contacto con civilizaciones extraterrestres está relacionado inevitablemente con el asunto del origen de la vida y como sobre esta cuestión pesan al día de hoy aspectos políticos y religiosos que no necesariamente son puramente cognitivos sino que se involucran en mecanismos sociales que hacen al funcionamiento y valoración de un consenso de percepción que caracteriza a la civilización industrial y la sociedad de consumo en la que vivimos, los prejuicios muchas veces le ganan la partida a las evidencias y de ahí el plausible ocultamiento de determinados fenómenos. Entonces esta es una razón que hace a la dificultad para valorar el estado actual de situación ante la pregunta de si estamos solos en el universo (multiverso) o si sólo sentimos eso como consecuencia del bajo nivel de nuestra civilización y nuestro (también muy bajo) estado de consciencia en relación a otros mundos y civilizaciones y en mi caso personal la ausencia de formación académica en relación al asunto reduce la elaboración de esta nota a simples reflexiones sobre artículos que salieron en los diarios y en relación a los cuales uno especula distintas consecuencias.
La pregunta básica (sobre el origen de la vida) podemos abordarla desde diferentes lugares y esa pregunta tomó cuerpo hace ya unos 50 años cuando Miller y Urey desarrollaron un experimento consiguiendo resultados específicos (la producción de aminoácidos,
azúcares y distintos elementos orgánicos al intentar recrear las condiciones
de la atmósfera primitiva terrestre introduciendo electricidad a semejanza de
rayos de tormenta eléctrica en un espacio cerrado ...) generando de este modo un caldo prebiótico que es considerado por algunos biólogos el elementos primordial de estructuras más complejas que hacen a la vida lo que daría con la idea de que en condiciones determinadas durante una también determinada cantidad de tiempo la vida se origina de forma espontánea como consecuencia de un proceso simplemente "químico" ...
Lo que ocurre es que si esto fuera así en las últimas décadas se tendría que haber
avanzado en la documentación de estructuras más complejas halladas en extensión a este experimento (por ejemplo proteínas) cosa que no ha ocurrido.
Luego Sir Fred Hoyle (este es un nombre clave relacionado con la cuestión que
estamos abordando) consideró que esperar producir vida a partir del experimento
Miller Urey es igual a esperar que tras una tormenta de viento sobre un desarmadero
de autos se produjera espontáneamente un avión Boeing 747 ... y a esta imagen algunos biólogos replicaron con la "falacia de Hoyle" (considerando que este científico erró con sus consideraciones estadísticas).
Hoyle (vale comentar) se oponía también a la teoría del big bang desde cierto
concepto de "universo estacionario" y es interesante recordar su teoría del
origen de la vida en la tierra desde otros lugares del universo y que se trasladó a este planeta
desde cometas que se acercaron a nuestra órbita y de ese modo fueron dejando
material genético (virus y bacterias primordiales) que luego sí se desarrollaron
en un proceso evolutivo pasando de unicelulares a multicelulares. Entonces Hoyle relacionó
la idea de los cometas trayendo estructuras orgánicas básicas con la de un arbol
que esparce sus semillas y que luego germinan en la tierra incluso relacionó la involución
en muchos sentidos que vivió la civilización durante casi mil años y a lo largo de la edad media con la idea de que durante ese período la tierra atravesó una nube de polvo con altas
dosis de material genético (virus) lo que produjo enorme cantidad de enfermedades
contagiosas y la consecuente involución social e ideas tales como que el cuerpo humano
no es algo "bueno" que se registra en el pensamiento religioso de aquellos años ...
Vale decir también que cuesta a un simple observador (como quien escribe) seguir el estado
actual del debate científico considerando especialmente que ese debate no está desprovisto
de posturas políticas, algunas de las cuales son esperanzadoras y otras realmente fatales involucradas con empresas farmacéuticas y laboratorios que pretenden ganancias monetarias basadas en el simple daño al prójimo (y como muchas de estas empresas tienen ganancias millonarias e incluso figuran en las bolsas de valores del mundo) la cosa se hace todavía más complicada.
Sin embargo uno cree que la verdad se va a abrir camino por sí sola y que sólo es cuestión de tiempo para que se desarrollen y difundan ideas más integradoras en lo que sería una posible percepción de la realidad que incluya también al "universo" como algo no escindido de los fenómenos que se dan en la tierra.
La teoría del origen extraterrestre de la vida se llama panspermia y tal vez más adecuado que la palabra extraterrestre sería decir que se trata de un fenómeno recurrente a nivel cósmico (es decir que bajo ciertas circunstancias se genera y difunde en todas partes) y en su desarrollo están involucradas personalidades científicas (incluso premios nobel) y al día de hoy es la idea predominante que resuelve el primer eslabón relacionado con el origen de la vida, mismo la idea expuesta por más de uno es que en un tiempo lejano en el pasado una civilización extraterrestre se ocupó de sembrar las primeras estructuras que hicieron al origen y evolución de la vida y (considerando el sentido lógico que aporta esta investigación científica) no hay mejor respuesta que los conceptos implicados en la teoría de la panspermia ante este tema, lo cual nos lleva a la conclusión de que la vida (y por lo tanto nuestro propio ADN) son en un sentido extraterrestres (o estructuras cósmicas que se dan recurrentemente en el universo) y esto lo sugiere también el reconocido científico australiano (y divulgador científico) Paul Davis al decir que la gran carga de "información parasitaria" (esto sería una gran cantidad de información que todavía no está activada) en nuestro ADN puede tener una razón "extraterrestre" es decir que esa información se puede activar exponiéndo al organismo (el ser humano) a condiciones especiales de la naturaleza que no necesariamente se dan en nuestro paisaje social cotidiano.
Y sobre esta hipótesis actúan determinadas propuestas terapéuticas vinculadas a conceptos "chamánicos" que sobrevivieron en el saber de los pueblos a lo largo de todo el planeta, incluso hoy día lingüistas y matemáticos como Noam Chomsky se inclinan a pensar que la base del lenguaje tiene un principio genético (es decir que está relacionado con ese 90% de información no utilizada de nuestro ADN lo que lleva a la hipótesis de que las personas nacemos con una especie de "ordenador biológico portatil ..."
Otra forma de dar con alguna respuesta a la pregunta de si estamos solos (o si siempre lo estuvimos) es simplemente la circunstancia de dar con artefactos que se corresponden (hipotéticamente) con otras civilizaciones tecnológicas que se perdieron en el tiempo ... y esos artefactos (OOPARTS) están en muchos museos del mundo esperando alguna respuesta a su (innegable) existencia.
Actualmente es posible dar con fotografías (en rayos x) en algunos sitios de internet de uno
sobre el cual a mi personalmente me agrada juntar información y se trata de la "máquina de
Antiquetera o Anticitera" y que es un ordenador mecánico con engranajes diferenciales construído desde una concepción que fue la que revolucionó a la civilización moderna, pero su origen (fue hallado en el fondo del mar) está datado en 2.000 años, o sea la época de Cristo. Y este es un claro ejemplo de objeto fuera del tiempo o más precisamente fuera de cierta idea evolutiva de la historia que cada día se manifiesta más como un prejuicio que como realidad ya que la evolución parece dar saltos enormes no siendo por lo tanto un proceso gradual y esta idea va ganando espacio no sólo en la descripción de la vida sino también en la historia de la tecnología ...
Objetos de esta clase hay cientos (y posiblemente miles) aunque no siempre dan con observadores lúcidos que contextualizan acertadamente su existencia y muchos desaparecen o son simplemente abandonados o destruídos sin embargo parece haber bastante solidez argumental por lo menos en algunos de éstos como para decir que son casos inexplicables desde la interpretación corriente de la historia moderna.
Otra manera de dar con alguna respuesta a la misma pregunta de si estamos solos en el universo es preguntándolo "por ondas de radio" y eso es lo que hicieron Francis Drake (autor de una famosa ecuación que lleva su nombre referida al mismo tema), Carl Sagan y otros científicos en la década del setenta enviando un mensaje a un sitio del espacio que se encuentra a 25.000 años luz de distancia (o sea que una hipotética respuesta tendría que llegar recién dentro de poco más de 50.000 años) pero el problema es que en el año 2001 se dió un fenómeno en Arecibo (donde había un telescopio trabajando para el proyecto SETI) que dejó sin respuesta a la comunidad científica ... y ese fenómeno dificilmente tiene una explicación terrestre o sea que estaríamos ante una respuesta extraterrestre al mensaje enviado por estos científicos en el año ´74 ... (en internet también podemos encontrar información no sé si amplia y abierta sobre este asunto, pero sí hay algunos datos). Y este tema está vinculado a los Circle crops que se dieron primero especialmente en Inglaterra y luego en todo el mundo y que consiste en figuras que aparecen formadas en campos de trigo o de maiz y aunque muchas de éstas tienen un origen de manufactura terrestre claramente documentado ( hay ciertos casos como el de Arecibo en 2001) que desafían el hacer humano por lo menos habitual, sin embargo éste tema se complica también a causa de bromistas, falsificadores y grupos de "arte" relacionados con empresas de la imagen que vieron en esto un "filón" para publicitarse dando un halo de misterio al entorno.
Luego la posibilidad de influir en la estructura atómica de la materia del modo en como se da en algunas de estas figuras podemos encontrarla en la aplicación de la cimática (la formación de estructuras geométricas especiales a partir de ondas de sonido ...) y en fenómenos electromagnéticos vinculados a la cuántica pero esa ciencia y modo de transmitir mensajes semejante a las señales de humo de otros tiempos esta vez imprimiendo formas en el campo no se utiliza habitualmente en nuestra cultura, sin embargo ésta podría ser una respuesta a muchos otros fenómenos en los que podemos hallar formas "poco habituales" en la superficie de la tierra.
Otro estilo de buscar un contacto con un pasado "galáctico" consiste en el método de desglosar una leyenda (cargada de lenguaje simbólico) y relacionar los elementos que aparecen en la historia con otros elementos vinculados (por ejemplo) con el mundo tecnológico contemporáneo y esta idea la difundió Erich Von Danikën hace ya algunas décadas cuando (por ejemplo) comentó el análisis de una narración bíblica realizada por el profeta Ezequiel en el antiguo testamento y que fue estudiada por ingenieros de la agencia espacial NASA elaborando hipótesis bastante especiales. Hay muchos otros casos semejantes, también cientos o incluso miles si extendemos la bibliografía a otras culturas.
C.G. Jung escribió un libro donde analizaba desde su forma de ver el caso de OVNIS documentados en el arte pictórico europeo de la edad media ... y su significado "esotérico" relacionado con la "alquimia".
Y aquí podríamos tocar el caso de descripciones "llamativas" en el arte rupestre lo que extendería considerablemente este párrafo si profundizamos en algunos problemas de la arqueología relacionados con el volúmen y peso de algunos objetos y la cuestión de preguntarse cómo llegaron a donde estan ...
Para una persona religiosa otro modo de saber las cosas es inquiriendo en su "libro sagrado"
y en el caso de la India damos con el Mahabarata y los antiguos vedas que describen no sólo
otros mundos, seres y civilizaciones sino también cómo construir "naves voladoras" de distinta clase que en este caso son los denominados Vimanas, incluso en el siglo XIX apareció en un monasterio de (si mal no recuerdo) Mongolia un libro técnico que detalla la construcción y el tipo de combustible necesario sin embargo como bien puede tratarse de una transcripción de otra transcripción algunos términos pueden ser erróneos por simple cuestión de mala interpretación ... y esto es extensible a muchos libros antiguos que tratan temas parecidos.
Otro nivel muy interesante desde donde abordar el asunto lo describió Edwin Abbot Abbot en su libro Flatland ... (Planilandia) en el cual detalla la geometría multidimensional (y su base teórica) en la forma de una historia de humor (no exenta de crítica social). O sea que aquí damos con un pensador sencillo y original y en este caso Edwin Abbot Abbot y Nicola Tesla parecen provenir del mismo planeta y el sólo considerar los desafíos y las ideosincracias institucionales y políticas a las que se confrontaron sin temores nos da esperanza en las posibilidades futuras del género humano.
Consecuentemente si el tiempo y el espacio no son estructuras inamovibles (concepto avalado por la teoría de la relatividad y también la cuántica) y aquí ya estamos en Einstein y en W.Heisenberg es posible dar con fenómenos que intrínsecamente son fenómenos multidimensionales y también es plausible que la percepción de la multidimensionalidad esté relacionada (inevitablemente) con lo que las personas llamamos "intuición" como un canal interno donde el espacio-tiempo adquiere formas poco habituales y de lo cual podemos "extraer" conocimiento, en todo caso el arte es un vehículo muy viable para dichas "percepciones".
Otra forma de dar con alguna respuesta ocurrió cuando un meteorito que cayó en la Antártida fue analizado y (a la luz de un microscopio) se observaron formas demasiado parecidas a estructuras orgánicas fosilizadas y así hoy algunas personalidades científicas desde la exobiología se ocupan de investigar estos temas y aportar (a partir de algunas nuevas evidencias) a una teoría contemporánea de lo que sería el origen de la vida. El nombre del meteorito mencionado es ALH84001.
Del mismo modo no sólo estudios geológicos o arqueológicos pueden depararnos sorpresas
sino también el propio estudio de la lingüística ya que la dirección evolutiva de las lenguas no siempre se manifiestan de modo ascendente lo que sugiere nuevamente un pasado distinto al que especulamos conocer desde la historia lo que sugiere nuevamente la existencia de una (o más de una) gran civilización en el pasado a la que James Churchward hizo referencia a partir de ciertos datos que aparecieron de sus viajes por el Pacífico y que él denominó civilización de MU.
El tema también podría extenderse a la posibilidad fáctica de la existencia de alguna forma de inteligencia artificial a modo de supraconsciencia del universo con la cual establecemos muy limitadas pero concretas conexiones desde el lenguaje de la matemática o mismo el arte de la música siendo estas disciplinas canales lógicos desde donde aprehendemos aspectos de lo real ... (y aunque éste parece ser el guión de una película de ciencia ficción esta hipótesis intenta ser dilucidada por algunos físicos contemporáneos desde la evolución teórica de la física cuántica a partir de determinados fenómenos observados en laboratorios y en los famosos aceleradores de partículas ... )
Por su parte Ricardo D´Angelo desarrolla una investigación sobre el tema de si estamos solos o nunca lo estuvimos, si sentimos estarlo a causa de nuestra forma de vida o sentimos lo contrario por la misma razón.
Esta investigación la lleva adelante de modo independiente lo cual lo hace un observador
especial que montó un espacio de documentación de fenómenos anómalos de la bóveda celeste en la terraza de su casa construyendo un telescopio e ideando los soportes mecánicos que hacen a dispositivos necesarios para la movilidad de cámaras que están grabando 24 horas al día hace ya algunos años y desde donde registra más de cien (120 o 130 si mal no recuerdo) fenómenos anómalos sin clasificar por año y que luego algunos de los cuales han sido confirmados por espacios y personalidades trascendentes tales como el SETI (instituto avocado a la búsqueda de inteligencia extraterrestre).
Ricardo también investiga sobre la implicancia de campos magnéticos en determinadas estructuras geométricas y su aplicación a dispositivos mecánicos que pueden facilitar la vida de la gente desarrollando propuestas muy nobles tales como la "bicicleta con neodimio" entre otras. Y para completar el cuadro damos con un artista (músico compositor)
que se ocupa de mantener el alma sonora de los pianos de Buenos Aires desde el cada vez más infrecuente oficio de afinador de pianos ... asunto que acredito por propia vivencia.
La mejor suerte entonces para este colega y que sus trabajos de investigación den con las campanas sociales adecuadas para producir los acordes de cambio mental que nuestro mundo necesita.
Aquí dos enlaces con la dirección de su blog y página web :
http://youtu.be/cvQlL1xT0dc (Enlace del documental "La revelación de las pirámides" en el cual se sugieren unas cuantas ideas nuevas sobre el significado de estos monumentos).
El sonido de los trenes produce ritmos extraordinarios
que en su momento autores como Duke Ellington supieron utilizar
y dar significado en el contexto del jazz de aquel tiempo.
El tren simbolizaba el progreso, la urbanización y era una vía de transporte y comunicación en aquel momento del mundo "moderno".
Aquí un solo de piano sobre este clásico del jazz.
Abajo el enlace:
http://youtu.be/HmpVVwYMBlI
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Henry Mancini nos dejó buenas melodías (La pantera rosa, Moon river y otras).
Aquí una versión desprovista de los sonidos largos característicos del Hollywood de aquella época en un solo de piano.
Abajo el enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=zogknG2OXtY&feature=colike
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Algunos paisajes urbanos conservan la memoria de otros tiempos
y pintan ruinas olvidadas de lugares perdidos.
Luces de la mañana
corren y descifran
de la noche una esquina
un lugar
con una melodía
que contempla el día
y que viaja en el viento
y la sal ...
Y se encienden en la madrugada
...
Meditación sobre paisajes perdidos:
http://youtu.be/ZGnJ8fGlAsA
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La poética de Charles Chaplin contemplaba temas humanos y sociales que muchas veces se perdieron con el transcurso del tiempo en la industria del cine.
Aquí dos fragmentos de Luces de la ciudad y Tiempos modernos (mas un instante del Circo) en que Chaplin plasma cierta idea relacionada al amor (y su otra cara que es la soledad) y al trabajo (en este caso automatizado a través de las primeras cadenas de montaje del siglo pasado) cuya faceta negativa es la
alienación consecuente de la que este artista se distancia con sentido del humor.
Aquí Chaplin también trata al valor de la inocencia como algo distinto de la ingenuidad en lo que es su forma de narrar y entonces combina elementos de comedia y grotesco (haciendo homenaje a su origen como artista de circo) con aspectos poéticos relacionados con el mensaje de sus escenas.
En este caso decidí acompañar las imágenes (y mas bien al reves también) con un solo de piano desde el clásico In a sentimental mood de Duke Ellington, tema que en su momento
fue grabado por grandes artistas como John Coltrane entre otros.
Aquí el enlace:
La música para escena adquiere particularidades propias de la circunstancia narrativa.
Aquí dos clásicos del jazz (A night in tunisia y All the things you are) adaptados para situaciones escénicas de una función de marionetas ...
A night in tunisia : http://youtu.be/LXj9dtzsO2Q
All the things you are : http://youtu.be/H7gkju42qr8
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Victor Young de joven (y en función de homenajear sus orígenes polacos) vivió dos desgracias con suerte y que consistieron en haberse escapado de la revolución rusa y después de los alemanes por el año ´17 cuando era violinista de la orquesta de Varsovia y lo logró simplemente tocando el violín (lo que ajusta este dato biográfico al mérito mayor de esta página) en la que en algún momento traté el tema de la música como fuerza espiritual que disuelve las fronteras políticas para dar con la regiones ancestrales del alma.
Retornando a EEUU se transformó con el tiempo en uno de los mayores compositores de música de películas de la industria de Hollywood lo que uno imagina que le habrá reportado buenos dividendos (y si no fue así por lo menos supo aparentarlo) lo que nuevamente lo hace meritorio de otro premio que es el jerarquizar la profesión musical tan afectada de determinados momentos de la historia.
Sus clásicos fueron tocados por grandes intérpretes del jazz como Joe Pass (Beatiful love) y muchos otros hasta hoy en día.
En la versión que les dejo recreo dos títulos (Beatiful love y Stella by Starlight) :
http://youtu.be/lzxB2MpC7_c
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La música de Bill Evans adquiere una profundidad armónica especial cuando su paisaje sonoro se mezcla con otros ríos de voces, voces urbanas que cuando miran por la ventana se encuentran con los instantes infinitos de una tarde cualquiera.
Su manera (contemplativa) de hacer música en su etapa de madurez se acerca a estéticas japonesas (zen) donde el "vacío" se relaciona con distintas formas de significar el espacio (y al espacio Bill lo dimensiona con sus acordes) y de este modo su sensibilidad aporta elementos como nuevos puntos de perspectiva a los pianistas de jazz contemporáneos.
Aquí un enlace con una versión personal sobre este clásico (Time remembered): http://youtu.be/QAHHYWZOQ0A
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La afinidad que Astor Piazzolla expresó hacia la música contemporánea está manifestada en su obra en la que encontramos sonoridades usadas en otros contextos por autores como Bartok, Strawinsky o mismo A. Schoënberg y que Astor apreciaba como sonoridades que se corresponden con el paisaje urbano moderno y en eso consistía su modo de transmitir emoción, vnculando el presente imprevisible con un pasado evocativo al cual siempre le rindió culto. El "ejercicio" aquí expresado está grabado en el estudio La Nata (V. de los Castillejos) en piano.
Aquí el enlace: http://www.youtube.com/watch?v=d7dHJ4Qr6_I
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
En la época de los rudimentarios medios técnicos del cine mudo grabar música implicaba al intérprete situarse al costado de la escena para luego (sea solista, un pequeño grupo o una orquesta) improvisar a medida que la escena transcurría quedando a su criterio la sincronicidad de los eventos musicales con los actorales y siendo todo capturado por un micrófono ambiental.
Así también el pianista ejecutaba música mientras la película transcurría en las primeras pantallas de cine, lo que hacía a todo un oficio del músico que consistía en (según lo que veía) tocar en modo mayor, menor o disminuído ... y así resignificar la atmósfera de la escena a través de estas u otras sugerencias sonoras.
Aquí un enlace que es un poco homenaje a aquellos tiempos: http://youtu.be/zNjFqYC3l3g
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La música de J.Coltrane cohesiona distintos estratos sonoros que se amalgaman en el paisaje de una ciudad como último escenario de una voz urbana.
Éste artista dinamizó la música de su tiempo con un concepto de contínuo rítmico-melódico donde la armonía establece una relación distinta con la totalidad a lo que se realizaba anteriormente (incluso en el jazz) y esta ruptura es un signo llamativo de buena parte de su obra.
No sería justo dejar de nombrar a Mc Coy Tyner quien supo ser el pianista en la etapa más fructífera de su cuarteto y quien, en definitiva, armonizaba aquella música e incluso a Alice Coltrane también de gran sensibilidad.
La versión que les acerco es (mas que un homenaje a My favorite things como un clásico del género de la comedia musical) un acercamiento a algunos fenómenos del lenguaje musical que se dieron en la obra de este gran saxofonista (desde mi inevitable óptica personal).
Aquí el enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=3fQki2a6CWE
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Songwriters: HART, LORENZ / RODGERS, RICHARD
My funny Valentine
Sweet comic Valentine
You make me smile with my heart
Your looks are laughable
Unphotographable
Yet you're my favourite work of art
Is your figure less than Greek
Is your mouth a little weak
When you open it to speak
Are you smart?
But don't change a hair for me
Not if you care for me
Stay little Valentine stay
Each day is Valentine's day
Is your figure less than Greek
Is your mouth a little weak
When you open it to speak
Are you smart?
But don't you change one hair for me
Not if you care for me
Stay little Valentine stay
Each day is Valentine's day
Algunas de las tapas de los discos de esta canción que fue versionada por alrededor de seiscientos artistas ...
Enlace en youtube (piano solo):http://youtu.be/sD3gG9DMgtY
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
En términos del jazz la palabra swing se refiere al cambio imprevisto en el fraseo entre la subdivisión binaria y la ternaria y a un explorar los límites entre un lugar y el otro. Llevado esto a este gran clásico de Astor Piazzolla la cosa por instantes se asemeja a ritmos autóctonos como la chacarera. De todos modos vale recordar que el término "tango" entre muchos otros referidos a distintos ritmos proviene originalmente de África coexistiendo en un universo de ricas polirritmias.
Aquí un enlace sobre una versión personal de este clásico del tango :http://youtu.be/SjW5robZAYg
(Empedrado de un barrio de Buenos Aires e inmigrantes en el puerto a principios del siglo XX)
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Con este clásico la Bossa Nova se abre al mundo desde la sensibilidad de Joao Gilberto, Tom Jobim y la poesía de Vinicius de Moraes ya en el año ´58.
De algún modo este género musical tiene un andar ondulante y pausado pudiendo generar en el oyente la reflexión y la calma natural de un paseo por la playa ...
El tango (por otra parte) posee un caracter más marcial (incluso espasmódico) y deja espacios (silencios a modo de misterio) donde la bossa siempre encuentra un continuo (como una forma de la sensualidad). Además el tango suele acentuar en tiempo fuerte cuando la bossa lo hace en el debil y así es posible hallar muchas otras analogías por simple oposición y de ahí mi interés en "mezclar" estos dos géneros en el fraseo y experimentar el resultado.
Aquí un enlace de Chega de Saudade en versión tanguera:
http://www.youtube.com/watch?v=D1Naaiw3f7Q
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La Samba de todas las notas es una referencia al paso por varias
regiones tonales por las que necesariamente un músico transita cuando toca "Bluesette" de Toots Thielemans aunque el 3/4 del compás no se corresponda con la samba del Brasil y a la vez ésta es una excelente excusa para formalizar precisamente procesos modulatorios que aquí se dan de manera muy simple ...
Luego la "Samba de una nota sola" se sostiene (en la primera parte) desde el punto de vista melódico desde dos sonidos (fa y si b) y simultáneamente se dan algunos procedimientos armónicos que caracterizan a la música de Antonio C. Jobim en lo que es su modo de pintar los paisajes del Brasil y cuyas sonoridades lo hicieron famoso en el mundo por la calidad de sus propuestas.
La idea de unir los temas y frasearlos por momentos con un toque un poco más marcial (y consecuentemente tanguero) se corresponde con la intención personal de quien les escribe.
Kenny Dorham fue un artista cuyo sonido sirvió para la inspiración de grandes del jazz como Miles Davis y luego también a muchos otros a quienes llegó especialmente desde una melodía llamada "Blue Bossa" interpretada de mil maneras en distintas partes del mundo.
La confluencia del jazz y la música del brasil a que hace referencia el título no es casualidad y la consecuencia de este encuentro es una importante cantidad de música de muy alta sensibilidad que hizo a autores como Hermeto Pascoal, Antonio Carlos Jobim y otros grandes entre los que hallamos a poetas como Vinicius de Moraes, cantautores como Djavan, Chico Buarque, Caetano Veloso, Milton Nascimento o Gilberto Gil que (entre otros artistas) dieron identidad a ese movimiento cultural denominado "tropicalismo" y que se inició ya en la década del ´60 ...
Kenny Dorham fue un pionero y a su modo un visionario de esta confluencia musical que dio tan buena música a los oídos de la gente.
La versión que les dejo está grabada por quien les escribe estas líneas y tiene un toque por momentos de intención tanguera cuyo logro queda en todo caso a consideración de quien la escucha.
El enlace en youtube es: http://youtu.be/VrXeG1oFPAs
Abajo un desarrollo armónico (sustitución) que encontré en la web:
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Wayne Shorter desarrolló una carrera musical extensa y muy creativa.
Su clásico Footprints ha sido tocado ya por varias generaciones de músicos
en el camino de lo que es el complejo arte de aprender a improvisar.
En más de un sentido Shorter es uno de los grandes herederos de John Coltrane en lo que es el desarrolló de la serialización modal de la melodía y del mismo modo en que un prisma descompone el color blanco en multitud de frecuencias visuales que percibimos como un arco iris Wayne se aboca al minucioso ejercicio de descomponer intervalos en series melódicas que establecen relaciones abruptas o inesperadas con otros modos relacionados con diferentes regiones tonales. Y esto se parece (por momentos) a un viaje nocturno por una ciudad olvidada en el sueño.
La "versión" de Footprints que les acerco está grabada por quien les escribe en el estudio La Nata en Villanueva de los Castillejos el día 17/08/2011 y se corresponde con mi insistencia en recordar (y comunicar) grandes clásicos de la historia del jazz.
Entre los instantes más gratos que hicieron al desarrollo (fundamental) de mi artística curiosidad está las veces en que escuchaba el programa de jazz (y su historia) en directo de la voz de Hugo Duschak desde la vieja radio ciudades (en Lomas de Zamora).
Hace unas semanas Hugo vuelve al aire desde la amplitud modulada de radio Fenix y es posible darse el gusto de escuchar su programa y también (desde cualquier sitio del mundo) cliqueando en http://www.radiofenix1650.com.ar y profundizar así (desde su exploración sonora) en los criterios que hacen a una expresión universal como lo es la música de jazz en sus diferentes etapas, contextos, regiones y personalidades que dan con esta idea precisamente "universal" de la música. Felicitaciones a Hugo por su esfuerzo (y generosidad) y que esta etapa de difusión contextualizada al mejor nivel por parte de alguien que es un escudriñador auténtico se sostenga en el tiempo (por lo menos lo necesario para que músicos y todas las personas con afinidad a este arte) podamos sacar "nuestros apuntes" y construyamos los mapas que necesitamos para adquirir esa "visión mágica al pasado" tan necesaria para proyectar nuestras propias aventuras sonoras en el presente.
La canción sin letra ...
El concierto directo pero diferido ...
El cantante mudo ...
El pianista manco y muchas otras variantes aparecen como extensión
de las consecuencias sociales del mundo post-moderno.
No se trata de ningún engaño, sólo de preguntarse sobre el hecho de cuando un autor es realmente un autor ... en un paisaje donde lo degradado es el propio sistema (capitalista) inherente al proceso de difusión de una obra consecuente que nos lleva a preguntarnos si es válida la representación del sonido como si éste tuviera la forma física de un ladrillo para así anticipar mecanismos que se van a utilizar en otros sectores de la sociedad para "regular" la producción (o expresión en el caso del arte) ...
y para inventar una nueva burbuja con la cual se va a dar el juego en el "sistema".
Por otra parte qué bueno es que un autor pueda cobrar derechos cuando compone una obra porque eso es un reconocimiento social imprescindible para seguir trabajando pero la cuestión de la perpetuidad ya es otro tema ... en un mundo donde el ser humano se siente acorralado en la inercia de una sociedad sin respuestas.
El sonido, los fractales, los espejos y cristales pueden ser cuasi eternos pero con qué criterio pretendemos detener el tiempo (y de éste su paso) cuando dibujamos una melodía en el piano?
Hubo artistas que (ante su propio proceso expresivo) se hicieron estas preguntas y muchas otras y entonces lo que encontraron fue su propio misterio al reconocer los límites de las cosas ... (entonces en determinadas poéticas teatrales o artísticas el engaño juega un papel fundamental en la construcción del lenguaje escénico siendo por otra parte el objetivo algo noble ya que materializa una crítica social
o la reflexión en los otros acerca que algo pero ¿qué sentido tiene el engaño por el engaño en sí cuando ya conocemos el final del juego? ¿No se parece esto al personaje que aparece en el Principito
de Saint Exupéry cuando el borracho dice:_ Bebo para olvidar (para olvidar que bebe y es borracho)?
¿Entenderán algunos cantautores de moda o pasados de ésta que no son los salvadores de nadie mas allá de su propio bolsillo subvencionado por muy largo tiempo por la generosa sonrisa de la gente?
Luego ¿Cuando un autor crea una obra?
Para algunos cuando compone una melodía en una partitura ...
Para otros cuando la graba ... para algunos cuando la graba en determinado formato ...
Para otros cuando la canta ...
Para otros cuando la canta a otras personas, diez un millón o para sí mismo (siempre que se considere persona)
Para otros cuando cobra dinero por escribir, grabar, tocar o aplaudir cuando escucha lo que hizo ...
Para otros cuando firma (y se afirma) como propietario del documento que considera ...
pero ¿qué documento puede dar consistencia al derecho de la propiedad corporativa sobre la vibración audible (el sonido) cuando los pájaros se la pasan cantando todas las mañanas?
¿Hay que matar a los pájaros por esto o cobrarles derecho de autor si utilizan determinadas frecuencias?
¿No es mejor cobrar un impuesto a los que encienden un motor (siempre que acrediten ser los propietarios de éste)
que hace ruido molesto por utilizar el sonido de manera tan contraproducente?
Entonces esta solución (extraña) significa cobrar dinero a los que producen ruido para dárselo a los que (intentan) producir sonidos (que es ruido con significados emocionales en los diferentes contextos culturales).
¿Hay que cobrarles a los que se tiran un pedo? ¿Hay que cobrarles por el ruido o por la falta de consideración hacia los demás?
¿Y a los que quieren hacer música pero todavía no les sale?
¿Tenía John Coltrane un saxofón de babero cuando era pequeño?
¿Que va a pasar el día en que se cobre copy right
a los pintores por usar el color azul o el verde ...?
¿Van a poder los pintores inventar colores nuevos no catalogados
o van a tener que pagar por expresarse?
¿Es el signo inevitable del nuevo siglo la lucha desigual del hombre contra estos fantasmas impersonales que se atribuyen derechos celestiales e infinitos en un mundo que (aunque es semi-esférico) es limitado?
(Texto extraído de Conversaciones con el gato Kalimero, pergamino apócrifo del siglo XXI)
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Luz del sonido tras la sombra del recuerdo.
Arriba nebulosa ojo de dios
Recordando a artistas (con ciertas particularidades sensoriales) Jorge Luis Borges comentó una vez en un reportaje que ya en el año 55 apenas podía leer de los libros las tapas ... y que descubrió el valor de la palabra hablada como algo diferente a la lengua escrita y (de algún modo) él meditaba sobre la sonoridad cuando imaginaba un texto.
Tete Montoliu fue un gran pianista de jazz ciego de nacimiento, y entonces (consecuentemente) tuvo la suerte de no distraerse de su interés en tocar el piano poniendo en juego los elementos esenciales que hacen a la expresión musical profunda.
La regla parece ser que "los límites son dones" y podríamos seguir trayendo ejemplos a la memoria.
Incluso el mismo Igor Strawinsky escribió en su libro "Poética musical" que (según su visión) como compositor mientras más límites articulaba en su música, más libre se sentía ... y esto ya tendría que ver con la definición del lenguaje musical y la posibilidad de que un intérprete pueda establecer una "lectura" más objetiva sobre su obra.
A la distancia se entiende que una lectura objetiva no es algo extensivamente viable y esa es razón al surgimiento consecuente de las distintas poéticas o escuelas, poéticas de expresión (vinculadas a pautas filosóficas o modos de pensar puntuales) donde el valor de la intuición, la improvisación o la memoria gravitan de diferentes maneras específicas.
Por supuesto que en la música popular la tradición oral tiene un peso importante pero restablecer ese valor en la llamada música clásica es un mérito que pocos músicos acreditan.
Abajo un texto de Raul Thais Antequera Villanueva en el cual formula su manera especial y sencilla de "enseñar música" aportando vitalidad, creatividad e interés en asuntos donde los modelos más anticuados de enseñar hicieron de la música un "objeto de laboratorio inerte (sin vida)":
_Al perder la vista, en torno los 22 años (de nacimiento tenía un pequeño resto visual), estaba inmerso ya en una profunda transformación de mi existencia, por lo que empecé a buscar mi propia esencia en la meditación y sobre todo en la meditación con música.
Hacia la mitad de la carrera de mis estudios de piano ya no veía y el memorizar las partituras, unido a su estudio en el teclado: saltos, posiciones, etc… fueron un reto brutal para mi capacidad de superación y autoeducación.
Fue entonces cuando, para liberar la tensión producida por mi nueva situación, que empecé a tocar el piano de otra manera, a componer sin saberlo, a dejarme llevar por unos, para mi, nuevos sonidos, preñados de luz, espuma y fantasía; donde brotó una visión interior con unidades completas de sentimiento que fueron para mi, el manantial de agua viva en el que aún hoy bebo en libertad.
Descubrí el placer de tocar sin saber lo que tocaba, dejando a mis manos encontrar las sincronías adecuadas para mi crecimiento y siempre desde el placer estético, el encuentro con el gozo, el cual descubrí era la sustancia de la que estaba hecha la creación.
Cuando di por terminados mis estudios oficiales, y tras largos años de investigación en cómo tocar sin partitura, supe que la meditación y la comprensión a través del sentimiento eran la guía para soltarme de la lectoescritura y seguir tocando música que tuviera la misma profundidad que las obras clásicas a las que tanto amaba.
De ahí que encontré los misterios, la luz y la sombra, el vacío y los espacios llenos hasta los bordes donde el alma se autorrealiza en comunión con el todo.
Al empezar a dar clases de piano, bien por sintonía o por casualidad, los alumnos que llegaron querían tocar música clásica, pero sin partituras, pues no encontraban libertad al abrigo de los sistemas clásicos de enseñanza; y sin darme cuenta, les empecé a enseñar a tocar de la misma manera que yo cuando perdí la vista me enseñé a mi mismo: mis manos y mis sentimientos habían encontrado un método para tocar el piano sin ver, sin pensar y de manera intuitiva.
Mis conciertos son pedagógicos en el sentido de que enseñan a la persona a bajar de la mente al corazón, de la razón al sentimiento, en el sentido de que unen música y meditación. Las sincronías musicales que usamos en las obras inciden directamente sobre ese sentimiento y su arraigo.
Normalmente la música se escucha desde el seguir mentalmente un discurso lineal, pues bien, esta música se escucha desde lo corporal y emotivo, pues es dulce al sentimiento, y sin tratarse de música clásica contemporánea está lejos del ordenamiento clásico de la música, con sus tonalidades, funciones tonales, desarrollos, cadencias, etc. Es una música que camina hacia dentro, con una sencillez inusitada e inocencia sorprendente y que fluye como agua viva, con la cual es muy sencillo dejarse llevar.
Raúl Thais Antequera Villanueva (MÚSICACUÁNTICA.COM)
La ruta del dinero o el camino del sonido ...
Es llamativo constatar que cada desembarco en Buenos Aires (y en distintas capitales del mundo) de artistas de diferentes partes cuenta con un plus de aprobación (en la industria de los medios) no siempre justificado y también es llamativo constatar que muchos emprendimientos regionales son catalogados como "eventos locales" menospreciando desde el inicio (desde la primera ventana de criterio) al hecho ...
También es llamativo que muchos músicos (y sus obras) queden enterrados en un anonimato sin sentido, cuando éstos artistas suelen ser personas generosas y abiertas.
Muchas veces la prensa (como eslabón de la industria de la comunicación de meta-mensajes que siempre son mensajes políticos que consensúan determinado establishment social) considera a un artista según su capacidad de convocatoria en un escenario ... y sin embargo si consideramos ese punto de vista como correcto tendríamos de determinar que J.S Bach no fue un artista ... porque en su tiempo este compositor estrenaba sus obras en espacios reducidos y en el contexto de ceremonias religiosas y cortes.
Sin embargo también es cierto que en la época de Bach no existía la "era industrial y la sociedad de consumo que hoy da calidad de vida a muchos millones de seres humanos" y que el barroco fue un momento de desarrollo de principios mecánicos que se expresaron en la propia construcción de instrumentos musicales y en el cual el rey de aquel momento fue el órgano tubular ... entonces no había una prensa "instantánea" que definiera una "psicología de masas" aunque la idea de "pueblo" como entidad raíz es algo que se puede constatar en todas partes a lo largo de la historia.
Hoy día resulta sencillo diferenciar aquel momento de éste en cuanto a lo que es el paradigma económico que hace a cierta idea estética ... pero la fuerza contemplativa de la obra de Bach sigue manifestando un caudal espiritual que pocos artistas contemporáneos se atrevieron a restablecer siquiera como pregunta y aquí podemos constatar la influencia de J.S. Bach en la obra de Astor Piazzolla, o la interpretación (las grabaciones) del Clave bien temperado realizadas por un artista de jazz como lo es Keith Jarret donde una vez más se entiende que Bach es a los músicos algo casi comparable a la cadena de ADN a los organismos vivos ...
Entonces los compositores pueden ser descubiertos 100 o 150 años después de que hicieron su obra ... pero esto fue así hasta lo que fue el comienzo de la era industrial (cuando la sociedad era bastante más estática) sin embargo hoy día es dudoso que el mundo conserve memoria de muchas expresiones valiosas porque la capacidad destructiva de la sociedad contemporánea lamentablemente se desarrolla más rápido que su capacidad de cohesión y constructiva ...
Y al final todo indica que vamos hacia un viaje sin retorno (por lo menos para una gran mayoría de la población) donde hablar de la memoria es hablar de la virtualidad de los nuevos medios (sin recabar en el hecho de que civilización como una entidad implica a un espectador real, del mismo modo que la existencia del sonido mas allá del fenómeno puramente físico implica nesariamente a un oyente), y esto es así pese a la escena final de la película Blade Runner de Ridley Scott donde los androides (o replicantes) tienen la capacidad de soñar ... y recordar eventos que los humanos ni siquiera "imaginamos".
Y aunque temas como albedrío o destino superan la intención de este texto
creo que es posible recrear paisajes donde la racionalidad dada por nuestro mundo industrial se trastoca en un significado mágico ...
y esa puede ser una vía de retorno a un pensamiento "poético" donde aparezcan nuevas pautas de convivencia y "estéticas" y donde lo "multitudinario" ya no necesariamente va a tener el "valor de mercado" que hoy tiene en la realidad de la expresión musical de la vida moderna, pero ese ya va a ser otro mundo ...
En una posiblemente nueva filosofía del "decrecimiento económico" el precio de un producto ya no lo va a imponer la demanda (a partir de la pauta de escasez) sino la oferta (desde un principio de generosidad inherente a considerar que todo necesita su lugar y no es de buen gusto perder de vista lo importante por lo urgente) y el camino del sonido puede ser un espejo de reflexión interesante sobre estos temas ya que las nuevas teorías económicas también necesitarán considerar a la "armonía musical" o incluso a la "belleza melódica" para desarrollar el aspecto interno y de cohesión de sus ideas sin perder de vista el concepto de que cualquier cosa es una parte del "todo".
(Vagamundos de Indonesia)
Muchas veces si no fuera por nuestros amigos (que van haciendo huella con el trabajo con la música) no tendríamos oportunidad de proyectar sueños y esperanzas.
Andres Pasquet es un gran sembrador de sonidos que hace muchos años trabaja en el centro cultural Marcelino Villar de Mar de Ajó desarrollando su espacio de docencia y difusión de la música desde donde acerca este arte a la gente formando grupos de ensamble para vivenciar chacareras, standars de jazz o clásicos de la música popular.
El espacio pedagógico creado por Andres responde a una concepción abierta donde incluye distintas vertientes que adquieren un sentido en la práctica musical y eso forma parte de su propio mundo interno lo mismo que el paisaje pampeano y patagónico que lo inspira para ir deshenebrando colores que transforma en acordes y melodías ...
Andres (a la derecha), George y un amigo en la feria de artesanos de Bariloche
Frente del centro cultural Marcelino Villar
( ¿ Amanece o atardece ? )
De jóvenes a algunos nos gustó recorrer lugares y conocer gente
y así (de a poco) adquiríamos ciertos parámetros para intentar
una crítica a nuestra propia ideosincrasia y a eso lo llamamos
(tal vez con un poco optimismo) "expansión de la consciencia".
Con el tiempo vamos viendo que esa atmósfera cargada de optimismo
se va diluyendo en medio de una suma de problemas impensados
y que en realidad esos problemas están más allá de nuestras ideas
o formas de ser y que con consideraciones personales (o nuestros intentos
subjetivos) no encontramos una solución común ya que (al entrar en cuestión ese factor común humano) observamos que las alternativas individuales (o psicológicas) son simples estrategias de supervivencia y no ya actos culturales de los cuales nos podemos sentir necesariamente orgullosos ...
Así el espectro de aspiraciones humanas (idealismos) queda reducido
a la nada y eso es lo que algunas escuelas de pensamiento en pos de promover el mecanismo inherente a la sociedad de consumo y de mercado
como solución o alternativa intentan restablecer en la conducta
de mucha gente. (Sin concatenar por supuesto todas las consecuencias).
Pero esto es así por la naturaleza narcisista de cierta cultura como una forma de encandilamiento futurista que se transformó en un laberinto sin salida y tal vez la expresión más catastrófica de ese laberinto es la teoría malthusiana cuyo fragmento transcribo a continuación desde la "enciplopedia libre de wikipedia" en la web:
Se refiere a las consecuencias previstas por la teoría demográfica de Thomas Malthus, en esta teoría se preveía un aumento en progresión geométrica o exponencial en la población junto con un aumento en progresión aritmética en la producción agrícola de alimentos que causaría una situación de pauperización y economía de subsistencia que podría desembocar en una extinción de la especie humana y que Malthus pronosticó para el año 1880.
Aunque la previsión falló, el malthusianismo sigue vigente, el término Catástrofe malthusiana se sigue utilizando para describir situaciones críticas que pueden hacer inviable o muy dificultosa la supervivencia de la población humana si persiste su crecimiento.
Los conceptos de ahorro energético y "especialización de la sociedad" parecen ser las únicas cuerdas con las cuales abordar racionalmente asuntos difíciles y conflictivos que se manifiestan ya extensivamente en el mundo pero esas mismas palabras pueden tener bordes demagógicos que se utilizan en el mundo de la política para "blanquear" irresponsabilidades en un nuevo modelo de discurso que al final es necesariamente también fraudulento. Un texto de una canción popular dice:_ nunca es triste la verdad, lo que no tiene es remedio ...
y aunque éstos conceptos sean válidos e interesantes los enfoques no necesariamente están desarrollados los contextos correctos y el tiempo en encontrar sus mecanismos posiblemente ya no van a estar de nuestra parte, por lo menos de parte de la comodidad o como antes dijimos narcisismo o complacencia humanos.
Thomas Malthus falló en su escepticismo y en 1880 la civilización no se terminó. Del mismo modo uno ahora también puede estar equivocado y la humanidad hoy podría dar un giro hacia una fuente limpia y renovable de energía, y una fuente de energía válida podría sanear las finanzas mundiales y se detendrían las guerras y el mundo del arte renacería en espiritualidad y esperanzas y las personas accederíamos a una etapa de evolución más profunda y sabia pero hay un riesgo real de que estas palabras sean sólo una expresión de deseos sin consecuencia alguna en la historia (futura) de las sociedades ...
En la expresión artística este nudo de situación diferencia a las expresiones escépticas de las positivas y dentro de las escépticas en algunos casos podemos encontrar hilos de esperanza hacia otra humanidad o no, y así también las positivas pueden ser expresiones simplemente evasivas o con alguna connotación inquietante u oscura a superar hasta mezclar aguas una con otra.
Hoy día sería deseable que la humanidad se encuentre ante problemas ideológicos o de pensamiento ya que esa clase de problemas se superan pensando (y/o conversando) pero la conducta de que ante los problemas sin solución es mejor olvidarlos nos puede ocurrir que caemos en esa gran marea nihilista que fue el signo del siglo XX y en la que metemos problemas solucionables en la bolsa de los que no lo tienen (por simple complacencia) y así creamos el escenario perfecto para el suicidio colectivo que (por lo menos) además de ser una instancia de muy mal gusto es un verdadero desperdicio de la fuerza de la vida y una negación al cambio.
Uno admira a las personas que ( pese a circunstacias difíciles ) se sumergen en ser ellos mismos fuerzas de transformación social por simple convicción y esa es evidentemente una señal positiva. Si las intenciones personales hacia otra humanidad alcanzan o no eso ya es harina de otro costal porque aunque un día hay que dejar el mundo siempre es mejor hacerlo intentando lo mejor que quedarse con los brazos cruzados.
Evidentemente ahora que empezamos a ver algunas cosas es probable que la luz de la vela con que vemos los problemas se extinga pronto también pero (volviendo al tema del arte) no podemos aspirar a desarrollar un criterio estético si no relacionamos nuestro modo de percibir con la historia de la industria y no sacamos algunas conclusiones. Y aquí hablamos de la historia de la industria de los medios y soportes de la información.
Y cuando logramos sacar los sonidos de sus máscaras (los medios y soportes) recién ahí es cuando empezamos a escuchar de verdad. "Escucha las voces que dejaste atrás"... fue el título de una música que apareció en un disco de vinilo hace ya más de 20 años en el cual John Mc Laughlin se presentaba como solista junto con otros músicos en su homenaje personal a Charlie Parker (Domingo Cura aparecía también tocando el bombo legüero en otra canción en ese disco).
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
(Debajo un enlace que es un informe sobre la "ruta del plutonio", tema sobre el cual algunos estábamos muy poco informados):
http://www.correodelsur.ch/noticias/chi_no_ruta_plutonium.html
Aquí dos fotos de John Mc Laughlin :
Ariel Hernandez es un hijo de una ciudad ausente y el tango es el sonido de esa ciudad.
Buenos Aires es una ciudad cosmopolita con rulos de una cultura universal que se asentó en las distintas etapas migratorias que fueron moldeando sus veredas y así nació el tango orillero que hablaba de la precariedad de sus habitantes y las desigualdades, fotos sociales que se transformaron en pequeñas (y grandes) historias que circularon a través de las letras de las canciones.
Ante este panorama Astor Piazzolla (hombre que venía de la orquesta de Anibal Troilo) restablece cierto hilo metafísico con su "tango instrumental" y el camino no fue corto ni sencillo pero don Astor fue un hombre indudablemente persistente.
Ariel (en una frecuencia semejante) desanda el camino de ese antiguo inmigrante en una ruta inversa y así restablece esos espejos necesarios para profundizar en su sonido, sonido también de "tango instrumental"que lleva a donde va y que hace años recorre en distintos escenarios de Europa.
No estoy en condiciones para detallar una biografía de este autor pero mis sensaciones sobre su actitud hacia el trabajo con el sonido son las mejores ya que Ariel es una persona abierta y no por eso carece de método de realización y su intención poética se trasluce de los procesos contrapuntísticos que sumado a determinados patrones rítmicos son sello de su trabajo minucioso.
Cuando uno conoce a ciertas personas le viene el deseo de que conserven buena salud durante los próximos 100 años para realizar todo el trabajo y la obra artística a que están destinados a realizar y el caso de Ariel Hernandez se ajusta a este concepto.
Me ha llegado un enlace de un video donde nuestro bandoneonista está de gira contento con su cuarteto en Holanda.
Aquí el enlace de ese video (en youtube):
El poeta ayamontino Aníbal Alvarez desarrolló una cosmogonía sobre el río que lo conoce desde su infancia.
Tal vez con palabras buscó exponer misterios que siguen
bordeando las orillas y las corrientes de agua de este río tranquilo
que es refugio de algunos pueblos pequeños y de barcos veleros
que lo navegan.
Las palabras suenan como olas que dibujan rastros
y así va apareciendo el mensaje del agua.
Agua que da forma a las piedras y que alisa playas y barrancos
y del mismo modo pone al hombre frente a sus propias preguntas.
Pude contextualizar en cierta dirección posible con sonidos
algunos de sus textos en la presentación del libro "Un río llamado Guadiana"
realizado hace un tiempo en el café-galería de arte Passage en Ayamonte
y uno guarda la esperanza de manifestar algunos ecos del misterio del río
en lo que sería un concepto particular de puesta en escena de una expresión
poético-musical.
Aquí un enlace donde se rescatan algunos instantes de aquel evento
Starlees de King Crimson (Red)
Lo siniestro como espejo de la realidad aparece de diferentes maneras en la obra de King Crimson.
Y ante un escenario sin salida la única salida es la mirada interior y sobre esa mirada hablan algunos textos (a veces crípticos) de este grupo de rock-jazz sinfónico cohesionado por Robert Fripp.
El juego alquímico de su sonido tiene que ver con una amalgama de
connotaciones que desbordan recuerdos que se pierden también con los primeros reflejos de una mañana en una alegoría de un sueño.
Entonces lo siniestro se disuelve en algo diferente que alcanza cuerdas nuevas en fotos contemporáneas de una ciudad imaginaria y así el discurso gana en cierta libertad (tan parecida a lo cotidiano y a la vez tan diferente), o por lo menos a una idea que es una idea solitaria en el recorrido simbólico de las imágenes que se mezclan en una lámina de ficciones entre el sonido de un saxofon trasnochado por un texto.
King Crimson - Starless
Letra:Sundown dazzling day
Gold through my eyes
But my eyes turned within
Only see
Starless and bible black
Ice blue silver sky
Fades into grey
To a grey hope that oh years to be
Starless and bible black
Old friend charity
Cruel twisted smile
And the smile signals emptiness
For me
Starless and bible black 
http://www.youtube.com/watch?v=MpnpJ3XjeNY
La Suite Bizarre
Minimalismo clownesco hacia el significado vital de la incongruencia.
http://www.marcelojeremias.com/
Hace poco tuve la suerte de reencontrarme con Isra y los amigos de la Suite Bizarre y disfrutar de las sonoridades que aparecían y mudaban su forma en otros sonidos a modo caleidoscópico y uno la pasó bien.
El mundo de la composición musical desde el tiempo del artista solitario escribiendo una partitura a la luz de una vela y mirando la luna al día de hoy se dieron muchos cambios donde algunos prefieren seguir escribiendo música en una partitura (a la luz de esa vela) y otros dejan las pestañas en un ordenador o directamente producen secuencias que después ensamblan con otros músicos.
Así algunos críticos cuando hablan de otros tiempos intentan palabras abarcadoras para de algún modo catalogar distintos períodos de producción artística tales como barroco o romanticismo y (como los músicos de aquellos tiempos ya no están) no pueden emitir ninguna queja sobre las malas definiciones.
Otro cantar es con la música contemporánea y aquí el hilo se diversifica en una madeja de conceptos y formas a veces indescifrable, o por lo menos esa es la sensación que podemos tener por algunos instantes.
Una definición (plausible) sobre minimalismo la encontré en el diccionario de "google" y (sin pretensiones superiores) creo que da con el clavo de cómo modificó nuestra percepción y manera de relacionarnos en el "mundo moderno" y dice así:
"_Denominación de una corriente artística surgida en el Nueva York de los años 60, que utiliza la geometría elemental de las formas, en una estrecha relación con el espacio en que se inserta la obra, pues considera que "todo es parte de todo". El minimalismo se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible, evita cualquier reflejo de la interioridad del artista. Intenta expresar lo máximo posible con el mínimo de elementos. Se podría considerar un "antibarroquismo" estético. Nació en las artes plásticas pero influyó en el resto de las artes y fundamentalmente en la arquitectura y decoración..."
Es posible que esta definición se implique en un "forma de percibir" relacionada con una interpretación oriental de los objetos en el espacio y la curiosa idea de acercamiento a las cosas sin profundizar en ninguna clase de connotación es un gesto del pulso que hace a la velocidad de la comunicación en este mundo moderno, y así es como el molde económico estructura a la expresión. Hay más temas interesantes que uno encuentra al acercarse a la suite bizarre, y uno clave es cierta mirada clownesca que se manifiesta como algo liberador y ese detalle implica también trabajo previo.
A ningún artista le agrada quedar encasillado en una definición, porque detrás de las definiciones aparecen los contextos sociales y el mercado y quien se dedica (por lo menos parte de su tiempo) a la expresión artística se dedica a recorrer mundos subjetivos mas allá de la consecuencia social de su gesto, sin embargo no se puede evitar la acción y (como dice la filosofía oriental) las consecuencias de esa acción (karma) y así la música que anima y divierte genera un cambio positivo que vale la pena, (ya que donde se ralentiza el intelecto se propicia a la intuición) y la intuición es también un lugar interno olvidado y muchas veces menospreciado en el mundo moderno. Bienvenida la música de la Suite Bizarre entonces y haber compartido la escena en algunas buenas oportunidades. M.J.
(Isra y su guitarra) ( Amigos de la Suite Bizarre, Hugo y Antonio)
|
No se puede imaginar la experiencia. Y en el caso de la gente que trabaja (de distintas formas) con el sonido eso tampoco es posible.
Apenas tal vez especular sobre algunos móviles o intenciones para luego tamizar gestos con contextos (paisajes sociales) y aunque resulta inevitable una ideología del "yo" en una propuesta esa idea puede cuestionarse en la propia idea de sonido, forma o ausencia de forma como algo que ocupa un espacio vacío en la identidad de una obra.
Así hay obras dibujadas en una esquina de una calle y obras en los museos, copias de obras en otras calles y también copias de originales ideas anónimas en otros museos.
Pero es claro que el público considera al mensaje según el medio y en eso entra en juego el prejuicio (negativo o superador) a partir del cual alguien dice "me están hablando a mí".
En el mundo antiguo muchas veces la voz de un artista se perdió en la forma de su obra (su idea) sin dejar rastros de su propia biografía y eso fue un gesto incluso intencional con el cual el hombre buscaba no entorpecer la lectura plausible de su mensaje.
Hoy en día se confunde arte con medios de producción y al artista con actores publicitarios que forman parte inevitable del esquema social de difusión de una música, por dar un ejemplo.
"La imaginación corre por cuenta del espectador", eso se traduce en determinadas propuestas poéticas como anti-poesía existencial que conduce a una idea crítica y así hay música que recupera cierto sentido dramático a modo de obra de teatro (en la intención de modificar el espacio emocional del público) para sugerir lo que el otro considera (o se atreve a considerar):_"Que ves cuando me ves, cuando la mentira es la verdad", decía un texto de una canción.
El artista aquí ya no escapa al mundo "común" sino que disuelve su propia sombra en las vidrieras de una avenida y a eso algunos lo llaman "su obra o también su sonido" como refiriéndose a un objeto amorfo que aparece y desaparece de la urgencia evasiva de un público tan o más ausente que el antiguo artista medioeval, subvirtiendo el rol y la palabra para esconderse a sí mismo en un instante de recuerdos en una valija.
P.D.: Hay varios nombres de buenos músicos que uno tuvo la fortuna de conocer a lo largo de la vida y de algún modo cada uno lleva consigo un mensaje que es único y muchas veces estas palabras no se detienen con la necesaria generosidad en lo intrínseco de las ideas de cada colega.
Pero los libros abiertos tiene la posibilidad de seguir escribiéndose en el tiempo, y esa intención habla por sí misma del compromiso de un asunto cualquiera.
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Obra de Carlos Regazzoni
La inquietud de los artistas por los problemas sociales es un componente que se da desde siempre a lo largo de la historia "del arte", entonces cuando escarbamos un poco en los contextos económicos que hicieron al trabajo artístico en el ser humano nos encontramos con los cambios tecnológicos que hicieron al cambio de "los medios".
Cuando desde la perspectiva presente intentamos acercarnos al mundo antiguo vemos otra cosa (real o imaginaria) y esa otra cosa es un mundo "estático" donde la expresión artística tiende a formular el lugar espiritual del ser humano en el cosmos y esa pretensión de explicar lo que no tiene respuesta decantó con el tiempo en el arte para "las cortes" en los siglos anteriores a la sociedad de consumo.
Los que nacimos en esta sociedad (todos nosotros) fuimos en algún momento adolescentes deslumbrados por los medios que hicieron a la virtualidad de la expresión escénica (fundamentalmente de la música) y ese deslumbramiento nos llevó a un optimismo que no necesariamente (constatamos con el tiempo) fue correspondido con la realidad.
Nosotros creímos en el progreso "definitivo" pero no pensamos en si los cimientos de ese progreso eran válidos o coherentes y tampoco estábamos en posición de considerarlo dada la increíble cantidad de publicidad a favor con que contaba el "futurismo" (por ejemplo si en 1990 llegaba el hombre a Marte o si eso ocurría en el 2000, 2010 o el 2020)...
Antes de eso a un presidente estadounidense que habló sobre el viaje a la luna lo mataron y en medio pasaron muchas otras cosas (muertes, guerras y conflictos) ya conocidos u olvidados.
Luego algunos empezaron a hilar más profundo y el problema con las respuestas que encontraron es que esas respuestas no son agradables ni buenas noticias para la gente, y esto ¿qué significa?
Si vemos que la teoría de Galileo tardó doscientos años en terminar de ser aceptada por la sociedad ¿que esperanza le queda a esta sociedad si aunque tarde una cuarta parte de ese tiempo en entender los problemas presentes (digamos cincuenta años) ya va a ser demasiado tarde porque los combustibles fósiles se terminaron?
Lo que entendieron algunos es que la sociedad de consumo es insostenible sin una fuente "infinita" de energía y que el plan del uso de la energía nuclear (aquí no hablamos de la fisión que abastece alrededor del 6 o 7 % de la energía mundial sino concretamente la fusión nuclear) no logró desarrollarse y por lo tanto ésta no va a reemplazar al exclusivo motor de la producción (que son los combustibles fósiles derivados del carbono).
Luego:_¿cual es la respuesta mundial ante este escenario?
Ninguna, simplemente aumentar la producción de todo lo posible hasta que un día entendamos que o somos muchas las personas que vivimos en el mundo o este mundo es demasiado pequeño para nuestras necesidades y forma de vida.
¿Cuando se va a manifestar este panorama de "implosión social" en el cual todo (para una gran mayoría de las personas aunque no necesariamente para todos) va a colapsar generando desempleo, violencia, desabastecimiento y guerras tribales post-modernas?
Para algunos esta escena ya se empezó a desarrollar y los argumentos para esta definición son los informes de los geólogos, ingenieros y técnicos que trabajaron en la industria del petróleo y entre los informes que dieron con el clavo de la situación contemporánea es famoso el del ingeniero Hubbert (curva de hubbert) en el cual señaló con bastante éxito el punto donde la producción de combustible derivado del petróleo en EEUU llegaría a su nivel máximo y consecuente decaimiento. Esa circunstancia en los EEUU ocurrió alrededor del año 1970 (y esto significa que en ese momento se consumió exactamente la mitad de petróleo que había debajo del territorio estadounidense).
Luego otros profundizaron sobre el problema y relacionaron el índice de crecimiento de la población mundial con el índice de crecimiento y decaimiento de la producción de petróleo, gas y carbón (que son la base energética que mueve a más del 80 % del motor industrial) y así empezaron a dimensionar la gravedad del problema (es que un mundo sin petróleo no puede dar de comer a los siete mil millones de habitantes que habrá en pocos años sino a lo sumo a algo más de mil millones y ésto apenas según ciertas circunstancias).
Esto significa que en pocos años (con el curso presente de los hechos) de siete personas caminando por el mundo seis vamos a estar absolutamente de más...
Y eso significa también el porqué de la aparición masiva (en los últimos años en Europa) del hombre supérfluo (los desocupados), es decir de una cantidad ingente de personas que (desde el esquema presente) ya no van a ser "necesarias" en este mundo. Y no van a ser necesarias porque estas personas conspiran con consumir el alimento "destinado" a los que todavía están produciendo "beneficios" y creen (con una base más o menos imaginaria o real) que ellos sí están destinados a sobrevivir y formar parte (digámoslo así) del stablishment mundial.
Es claro que en las pretensiones humanas hay varios supuestos y que muchos de estos supuestos carecen de sentido de la realidad, tales como ¿hasta donde es moralmente válido planificar el fin de una civilización para que otra con menos cantidad de habitantes pueda emerger de las ruinas de la primera? ¿quien se puede atribuir semejante mano ejecutora y desde qué principio?
Tal vez en más de un sentido los ideólogos del neo-liberalismo pensaron en su momento que ese proceso (destrucción-construcción) lo hace el propio mercado y que "todo ya está estudiado" sin embargo es evidente que cada momento es un instante histórico diferente y así también el juego puede cambiar de manera impensada y no siempre favorable a los que se identifican con esta intención lógica ya que al final nadie se salva de la deshumanización de la cultura.
Muy evidentemente esta descripción no es algo amable ni menos deseable pero es la dura consecuencia del efecto más lamentable que se está constatando en la sociedad de consumo que en definitiva lo que sí supo producir con gran efectividad es una cantidad extraordinaria de basura con la que se están contaminando ríos, mares y tierra y (consecuentemente) a los organismos vivos (entre los cuales todavía nos encontramos) envenenando buena parte de la biosfera.
En el siguiente enlace hay un resumen de la teoría Olduvai, teoría que en realidad es un informe de los contextos que hicieron a las fuentes de energía, sus usos y la relación de ésto con el índice de crecimiento de población en el mundo donde se describen algunos detalles difíciles de asimilar si es que son correctos.
Cambiando el enfoque de este texto hacia un lugar más positivo hay un artista genial que hace algunas décadas nos llevó a preguntarnos (a través de la fuerza expresiva de sus obras) sobre los temas sugeridos anteriormente y ese artista es el maestro Carlos Regazzoni quien hizo (entre distintas obras extraordinariamente originales) monumentales dinosaurios en la Patagonia con los deshechos industriales de las compañías de extracción de petróleo que estuvieron y todavía están extrayendo oro negro de aquellas regiones misteriosas y desérticas.
Este apasionado artista dio un paso más allá y desarrolló una completa mitología basada en lo que el hombre de la era industrial abandona sin dar ningún valor y así Regazzoni encuentra las relaciones "orgánicas" más inusitadas en los objetos de apariencia más inertes y condicionados. Y de este modo Don Carlos rompe con la "función de las cosas" para encontrar otro destino, otras funciones e inventar otros paisajes que renacen desde el oscuro ocaso de la era industrial.
(Aquí un Petrosaurio de C. Regazzoni en la Patagonia)
Hace poco mi amigo Martín Grossud (polifacético artista y hombre comprometido con la evolución humana a través del trabajo terapéutico alternativo) me ayudó a recordar a este artista y su obra y aquí mostramos algunas imágenes de estos seres que emergen del lugar más olvidado de nuestras consciencias con la generosidad de muy pocos.
Foto familiar de Carlos Regazzoni (traje de etiqueta natural sin corbata debido al calor del verano), Martín y sus amigos Héctor y Andrés también talentoso artista plástico e hijo del compositor de música Enrique Gerardi (a quien tuve la suerte de tener como maestro en una oportunidad en la U.N.L.P. en un taller de música hace muchos años).
El uso de materiales desechados por la industria (y la civilización) es el camino que hoy están tomando muchos artistas para contar con materia para sus objetos "mágicos" y además para poner en evidencia el enorme problema que enfrenta el mundo contemporáneo si pretendemos evolucionar hacia un estado diferente de realidad.
También algunos compositores usaron el ruido (K. Stockhausen por ejemplo) para dar con una significación simbólica nueva que emerge del repetitivo mundo industrial y a esta clase de expresión se la denominó en su momento "música concreta".
Partitura de una obra de Karlheinz Stockhausen y (abajo) tapa de un disco
Nuevamente Karlheinz Stockhausen. Su concepción de cómo diseñar una partitura fue radicalmente distinta al modo en que ésta evolucionó a lo largo de la historia de la música.
Algunas de sus ideas están relacionadas con pautas orientales vinculadas a libros antiguos tales como el I-Ching y también la poética de Lao-Tse.
¿ Educación o dominación?
Como abriendo la caja de pandora hoy día la parte tecnocrática de la sociedad se debate entre el dar el paso al futuro que de algún modo conlleva la semilla del fin del ser humano en lo que es su paisaje presente y el retornar a un pasado en el cual pueden quedar excluidos muchos millones de seres por prescindir de lo humano en la automatizada cadena de producción (y esto aunque suena a ciencia ficción forma
parte de los efectos colaterales negativos de la modernidad). Efectos colaterales (entonces) es lo que no se tomó en cuenta en el modelo presente de desarrollo.
Sin embargo el paso adelante es una imagen relativa que se da en múltiples direcciones.
Una de éstas (y que suena como promisoria) es el desarrollo de la nanotecnología para potenciar el universo físico y mental de las personas. Luego la contradicción que se produce si llevamos la aplicación tecnológica a un extremo es comprobar que es perfectamente posible recrear una gran paradoja ya que el control emocional y del pensamiento consecuentemente latentes en el desarrollo de esta tecnología
responden a un orden externo supra o infra-humano (según el punto de vista) a través de lo cual se entreve que cualquier disidencia del pensamiento define a un determinado "factor" genético y que con un tratamiento específico se controla
facilmente (...) y esta es una consecuencia tenebrosa ya que erosiona totalmente
el libre albedrío que fue principio de la vida durante millones de años.
El otro camino (arcaísmo) por otro lado no es ciertamente una vía socialmente extensible ni demostrable pero sí una posibilidad dentro del mundo de las decisiones personales.
Vivir en un bosque solo, con la familia o con un grupo de familias es por lo menos una experiencia muy especial ya olvidada en la gran mayoría de las personas que habitan en las ciudades.
La pregunta aquí sería ¿que pasó que la mayoría de las personas olvidamos la relación más básica con la tierra y sus "otros" habitantes?...
Es que así constatamos que en el opuesto está la vía hiper-real que es la raiz de la construcción tecnológica y esa opción se desarrolla en una naturaleza inventada y necesariamente distorsionada por un concepto que se implica en la idea de producción.
Y aquí el paradigma económico prima por sobre cualquier otra idea... (donde no terminamos de observar el ciclo completo de las cosas ya que cuando accedemos a éstas todo se encuentra envasado, envasado en una función de ocultamiento de un origen o fin y cuya consecuencia a nuestro consumo se reduce a simple basura que en la mayoría de los casos no tiene ningún sentido).
Entonces de este modo en un futuro muy próximo las sociedades autodenominadas racionales y libres se auto-definirán como sociedades de consumo donde quien tiene el mayor poder de comprar y/o vender es precisamente el "líder" en un mundo donde los antiguos horizontes de vivencia que no impliquen este motivo quedarán marginados.
La pregunta obvia es ¿a donde nos lleva esta espiral de producción y consumo de objetos con fecha de caducidad programada?
La respuesta empezamos a conocerla de a poco y tal vez tarde en más de un sentido:
_Al agotamiento de los recursos naturales (que ciertamente tampoco son renovables) y al nacimiento de seres totalmente prescindibles al sistema que (bastante antes de llegar a una edad avanzada ya son considerados por la dinámica de las propias estructuras productivas como personas "superfluas" o (nuevamente) redundantes en el sentido de innecesarias.
Entonces las sociedades democráticas dispondrán su "democracia" al servicio de las leyes del mercado (como hoy mismo está ocurriendo en Europa) y las arcaicas sociedades religiosas a controlar el consumo de sus pueblos pero sólo con el fin práctico de enviar sus recursos naturales y/o productos a Occidente u otro centro de consumo específico como hoy mismo ocurre en buena parte de Medio Oriente o África.
Sobre cada cosa que consumimos o con la cual jugamos nos queda preguntarnos: _¿Que pasaría si multiplicamos por siete mil millones de veces a ese objeto? (siete mil millones es la cantidad de habitantes que se prevé para dentro de pocos años en el mundo) y ahí tal vez tenemos una clave para empezar a dimensionar la profundidad del problema que comentamos, es decir que alcanza con el ejercicio imaginario de preguntarnos de dónde van a salir siete mil millones de kilos de pan por día para comer, siete mil millones de pantalones para vestir o siete mil millones de autos o (un poco mejor) bicicletas para movernos.
Al constatar estas estadísticas entendemos que ese hombre superfluo nace de una simple ruptura generacional producida a su vez por el cambio vertiginoso del medio tecnológico en el cual la adaptación no siempre es exitosa y desde donde se argumenta la acción por sobre el conocimiento ya que las preguntas básicas acerca de las cosas quedan difuminadas en un olvido programado por el propio cambio de medios definido por algunos analistas como el paso de los medios duros (máquina de escribir mecánica) a los medios blandos (un ordenador portátil, por ejemplo).
En el mundo de la música la existencia virtual de la fuente escénica se correspondió primero con el invento de la válvula, después este proceso se aceleró con el transistor y finalmente hoy día (hace ya algunos años) el transistor da paso al chip
y a un concepto desde donde se almacena y procesa la información que denominamos "bit" (código binario).
Así en muy pocos años las antiguas fronteras de propiedad intelectual (con argumentos raíces coherentes a sus contextos) quedan reducidos a este irrefrenable océano de información cuya molécula de agua es el "bit". Entonces es bueno recordar (como explica Jacques Attali en una conferencia titulada "Noise" hace ya algunos años) que la propia industria musical es la primera y más grande pirata de la música y a ésto podemos agregar una frase de John Lennon en la cual (es posible
que haya dicho) los editores creen considerarse los propietarios del sonido cuando en realidad lo que aportan es el medio y no el concepto, es decir primero el vinilo, el cassette, el C.D. y ultimamente (por ejemplo) los i-phones (dispositivos de moda).
Las máquinas de afinación automáticas (para cantantes desafinados), las baterías electrónicas, las secuencias y la implementación audiovisual (luces y sonido) a todo esto hacen a la recreación del paisaje futurista típico de las "discotecas" y de algunos espacios denominados "post-modernos".
Ciertamente hay artistas que desarrollan y desarrollaron su lenguaje en estos espacios "virtuales" en donde se confronta la respiración, el movimiento y el sonido humano con estas máquinas (a modo de recreación de cierta cultura industrial que queda vaporizada contra una pared por luces láser) pero ahí entonces lo que se expresa y sublima es la propia angustia humana antes estos cambios en lo que es un paisaje del fin del hombre en sí por el reemplazo de la máquina. Es decir que la poética post-moderna parece reemplazar la confrontación del hombre consigo mismo a la confrontación de éste contra la máquina (y la consecuencia de eso es lo que vemos en estos escenarios).
Luego no podemos negar que se trata de una pregunta actual (un conflicto contemporáneo) en la sociedad pero lo que comprendemos es que (ante ese conflicto) los seres humanos no desarrollamos una respuesta sino que quedamos incluidos en una respuesta envasada cuyo devenir y control ya no pasa por "nosotros", aunque con romanticismo se dice que el espectador aquí es el protagonista.
La ecuación elemental sería algo así como: medios blandos=extensión del sistema nervioso central=hombre virtual=fin de la era del libre albedrío
en el nacimiento de una era hiper-virtual aparentemente "infinita".
_ "Mundo misterioso el mundo de los fantasmas" dijo una vez un poeta.
(Rubén Ferrero, Daniel Harari, George Haslam, Sergio Paolucci y colegas en sesión de Free-jazz)
El arte como hiper-realidad o el arte como ilusión (y su negación consecuente)
son criterios desde donde seres fragmentados en nuestras memorias y consciencias
nos debatimos ante el misterio de la vida.
Arte como recuerdo del sonido y arte como sonido de otros mundos son simples
monedas de cambio en nuestra sociedad de sofisticados protocolos donde la magia
aparente se transforma en una cárcel recurrente y donde la canción de un pájaro
atraviesa lo que todavía no ha logrado el gesto humano.
Daniel Harari desarrolla hace muchos años un sonido dentro de su propio sonido y en lo que implica sus conocimientos organológicos y de luthería para involucrarse con su hacer y así producir frases musicales dentro de ese universo llamado jazz. El sonido consecuente adquiere imágenes que son espejos de paisajes urbanos que se mezclan con voces de horizontes infinitos, horizontes ante el cual todos somos la misma arena en el desierto que es movida por el viento.
A la hora de formalizar los contextos para hacer inteligible a esa voz vemos que algunas veces esperamos el pasaporte que nos permita cruzar la frontera para encontrarnos con lo antiguo y que por otra parte lo más luminoso del pasado espera en cualquier calle de la vida.
Ciertamente la desnudez interna hace al músico transhumante y lo que significa a su vez que el sonido puede estar en una esquina cualquiera pero también en otro tiempo.
Lo poderoso entonces relacionado con el universo en el cual nos encontramos es hallar su esencia en cada punto o (lo que es lo mismo) su descentralización y esa descentralización hace que los enigmas sean lo que jalonan a las preguntas que tienen peso.
Luego:_¿dónde está el sonido?
Más acá de la constatación acústica del fenómeno el sonido está unido a algún significado plausible de los objetos de una partitura o (más allá de ésta) los que crea un músico en el escenario, por lo tanto quien improvisa una melodía crea y desarrolla un lenguaje y sobre este lenguaje (el jazz) afortunadamente ya se ha escrito e investigado bastante lo que dió impulso también al desarrollo de otras músicas populares. Resulta que no necesariamente el objeto sonoro va a conservar la misma identidad (significado) para el espectador que para el intérprete, ni siquiera es lo mismo para éste que para quien originalmente compuso determinada melodía pero esa complejidad no resta valor al lenguaje porque desde la música un compositor o improvisador nunca tratan de definir un espacio dado sino la función de ese espacio con distintas épocas, y esta es una clave importante que hace a la creatividad.
Y así quien entiende la trama del hilo que concatena a la historia de una voz entiende el drama que se manifiesta ante el olvido, cosa que unos cuantos músicos consideramos importante porque nuevamente creemos que el sonido es el recuerdo.
Sin embargo algunas veces sobre el cielo podemos ver la tormenta que es origen de la identidad de las ilusiones y así en un instante se entiende que esa tormenta no es asunto de un día, de una semana oscura ni menos de un año.
Entonces los músicos decidimos seguir andando porque aunque un día no estemos igual habrá miles de artistas recitando palabras que son recuerdos y recuerdos que son canciones dentro de canciones que son gestos de otras voces para expresar cosas nuevas y así desafiar al reflejo del día que se avecina en el silencio de esas lenguas perdidas entre la nada de las palabras y entre la nada de los días que cantan en las miradas.
(George Haslam y Daniel Harari en el festival de jazz de El Bolsón)
La dirección del blog donde Daniel Harari presenta valiosos ensambles musicales es:
http://danielharari.blogspot.com/ (la Estomba jazz, el ensamble George haslam con Mono Hurtado, Horacio Straijer y más documentos fundamentales) La dirección (mail) de D. Harari es
hararimusic@gmail.com
El salto de la música acústica que fue el contexto de punto de partida de Miles Davis
desde sus orígenes en sus experiencias musicales junto a los grandes del jazz (Charlie Parker, John Coltrane en su quinteto famoso y muchos otros) hacia la música eléctrica que emergía en aquel entonces como un salto de ruptura perceptual implicado en el cambio del medio dió con un Miles Davis hacedor de música "free" en una consecuencia ritual que de algún modo era espejo ante la crueldad del stablishment estadounidense después de las muertes de Kennedy, M.Luther King o el escenario de la guerra de Vietnam, es decir que aquí M. Davis no fue complaciente con el nuevo paisaje tecnológico que aparecía sino que lo utilizó como boomerang imaginario para reflejar la crueldad del sistema en el sonido de esa sesión musical y así proyectarla como fuerza transformadora.
Al festival de música de la Isla de Wight (1970) asistieron 600.000 personas que acamparon
en sus alrededores lo cual dio una clara dimensión social al evento en protesta de varias cosas tales como la guerra anteriormente mencionada (pero también en festejo de la música).
A la distancia encontramos que algunos críticos suelen decir que Davis abandonó el jazz para incorporar sonidos del rock y el pop con sentido "populista" para así vender más discos, pero lo cierto es que alcanza con escuchar la sesión musical (en youtube u otro soporte cualquiera) para entender nuevamente que si bien Miles no pretendió definir una obra puntillísticamente y ni siquiera formalmente (lo que para algunos conspira razonablemente con la definición de qué es o no es una obra) sí resolvió en términos dramáticos en un contexto claramente teatral a la escena lo cual conllevó a la consecuencia de un sonido "ritual" donde todo emerge y se interconecta con su propio sonido, una especie de alter-sonido que es reconstruido a lo largo de la sesión
en una geometría del espacio de dimensiones múltiples.
Una breve descripción técnica nos lleva a constatar sonoridades electroacústicas en texturas que se van rompiendo en un vacío donde siempre emerge el sonido de la trompeta inconfundible de este artista, trompeta que se entrelaza por momentos a la "cuica" de Airto Moreira y que también deja paso a un saxofón que se abre luego a los teclados de Chick Corea y Keith Jarret (compartiendo aquella música) y así a cada artista sobre el escenario.
En cierta dirección Edgar Varese anticipa algunos de estos sonidos urbanos en su obra Ionization ya algunas décadas antes sin embargo al significado escénico de los objetos (instrumentos musicales de percusión en aquel caso) Miles Davis suma la acción física del músico (que en la nueva era de los medios eléctricos y la amplificación) adquiere el status de un actor en una escena teatral representando una "obra" y también simultáneamente "creándola" en un gesto de simbiosis profunda con el público. El hilo formal que encadena a las frases musicales queda a cargo de Jack Dejohnette quien sabe recrear una idea básica alternando en dimensiones simétricas-asimétricas que impulsan necesariamente la evolución de la forma musical hasta el último instante.
Hoy día constatamos que el espíritu altamente positivo que se dio en el comienzo de la era de la amplificación y los medios eléctricos no tiene el mismo grado de consenso social ni tampoco ese misterio, y que los grandes conciertos se transformaron en show business donde la experimentación sonora deja paso a protocolos de catarsis a través de
medios visuales que (aunque aparentemente resaltan al artista en la escena) también lo estratifican en un juego que impersonaliza el mensaje.
Entonces la "improvisación escénica y musical" de aquellos encuentros musicales que fueron íconos de nuevas formas de difundir y compartir música guardan en su propia ingenuidad la posibilidad de que el propio espectador complete la "escena" y el mensaje consecuente a modo de teatro de las sombras, elemental y verdadero.
Miles Davis de algún modo nos dice que el músico puede ser espejo de imágenes límbicas y claroscuras sacando sonidos desde adentro de otros sonidos y arriesgando su semántica musical (y consecuentemente su mensaje) porque todo está ocurriendo "ahora", y ese ahora de Miles es un ahora a-histórico y necesariamente definitivo dentro de la escena y al final (y desde el principio) el público no importa e importa cada vez menos en cada segundo que transcurre porque en definitiva lo que cuenta es el recuerdo que se encuentra en el latido de la tierra definido por sonidos graves que inventan espacios hiper-reales, tan nocturnos y artificiales como la vida lúdica de las grandes ciudades, sonidos azarosos, inquietantes o incomprendidos.
http://www.marcelojeremias.com/
Estas dos imágenes son símbolos implicados. En una la tapa de un disco de vinilo de Pink Floyd, en la otra la cara de un billete de un dolar estadounidense en la cual aparece una representación de la estructura financiera mundial.
Sin bien los fenómenos y significados sociales vinculados al origen y evolución del rock como género no son todos triviales o superficiales evidentemente Pink Floyd no es un grupo de rock de "barrio" que un día triunfaron por su talento sino que (de hecho y mas allá de sus logros artísticos desde el punto de vista del sonido en la era de la amplificación y los grandes escenarios) son un mecanismo (a modo de cara publicitaria) a través del cual grupos económicos introdujeron nuevos dispositivos de información masiva.
Igual que en la época de los vinilos, ahora promocionan (con su obra) los i-tunes y esta es una mecánica de cambio del paisaje o de medio que se recrea extensivamente a lo largo y ancho de la sociedad de consumo, es decir que el arte más que objeto con un valor intrínseco (como lo fue en la era anterior a la del "escenario virtual" del disco) pasa a ser actor de culto de una nueva realidad o hiper-realidad tecnológica.
En las canciones aparece la crítica al "stablishment" y eso es original y así decantan ironía y nihilismo en textos "modernos" (al profundizar en grandes asuntos del mundo contemporáneo y estableciendo un nuevo punto de perspectiva incluso en la forma narrativa) pero a través del tiempo la rebeldía como gesto auténtico se transforma en complacencia al cambiar inevitablemente la intención (...), es decir que al pasar a ser un producto social el enfoque es otro y lo mismo la foto o paisaje detrás de la escena.
Luego ¿quién es el mercado?: _el mercado es el gran hermano que tira de lo que el ser humano todavía no resolvió en sí mismo para llevarlo a una nueva prehistoria futurista y (como ya describimos) hiper-real.
Así aunque (por ejemplo) Pink Floyd muestra la lucidez de reirse (separándose del conflicto) y a la vez ser contestatario ante esta hiper-realidad urbana tampoco son libres de construir un paisaje nuevo sonoro (creo recordar que el compositor francés Pierre Boulez colaboró en dicho disco) más allá del significado plausible de su obra como un producto dentro de esta mecánica y la relación entre ese nuevo paisaje sonoro y un nuevo paisaje social es en realidad inducido ya que en definitiva (como ya describimos) se trata de (al escuchar este sonido "industrial") rendir culto al nuevo soporte electrónico o digital que pasa a ser una extensión espacial del sistema nervioso (y este es un concepto desarrollado por el famoso analista de medios Marshall Mc Luhan ya en la década del sesenta).
Y en este instante es cuando este género pasó de ser un movimiento con algunas preguntas interesantes hace 30 o 40 años atrás a quedar actualmente domesticado en un mecanismo de la industria de la imagen (show business) donde la función es simplemente catártica y disociativa, es decir que aquí la cuestión acerca de cuál es la esencia del sonido, su relación con la subjetividad y el desarrollo de la identidad no tienen espacio en el asunto porque el show business trabaja desde esquemas prefabricados y recién ahí contempla la posibilidad de la significación de los signos pero evita sistemáticamente las preguntas básicas a modo de un programa de soft donde las funciones son limitadas a promover una excitación para vender una remera, un gorro o un cd pero menoscabando el valor del proceso de hacer las cosas por sobre el resultado. Aunque siendo justos el mismo fenómeno puede darse haciendo música para "relajación" (ya que después de todo se trata de la antípoda estética del "excitante" rock) pese a que en la vertiente sinfónica de éste se dieron fenómenos realmente interesantes que difuminaron cualquier intento de catalogar al género (y en eso consiste precisamente lo "artísticamente" interesante de la cosa).
No siempre tenemos presente que la sociedad de consumo (y sus mecanismos básicos) se conformaron hace sólo algunas décadas y esto implicó consecuencias en el modo de vida de la gente, consecuencias positivas y negativas.
Las positivas fueron espacios sociales de libertad de los cuales antes se carecía y las negativas son el costo que significó a la personalidad el individualismo exacerbado que rigió al modelo consecuente y que (hoy día) ante la crisis tecnológica que se avecina y sus serias consecuencias es un obstáculo importante a la hora de considerar la supervivencia y la búsqueda de nuevos caminos de vida.
Así el rock domesticado moderno es más un espacio catártico de complacencia que una bandera de ningún movimiento social nuevo, ya que la sociedad sumergida en el consumismo profundo es (desde el punto de vista vital) prácticamente inerte.
Evidentemente esto es reflejo de un problema más profundo en donde la relación entre la consciencia individual y la social se encuentran peligrosamente disociadas y ahí reside un punto importante de fracaso de la civilización moderna.
Sin embargo hay preguntas que nos llevan a concientizar esta situación y tal vez la primera podría ser:_¿cómo se resuelve esto?
Luego más allá de si hay solución al problema planteado hoy día damos con conceptos más representativos o menos sospechosos para definir géneros y estilos musicales aunque a veces estas palabras puedan tener una corta vida en el sentido histórico del tiempo tales como la palabra jazz, free o étnico representando espacios internos que refieren a desafíos más profundos y tras de esta clase de desafíos van artistas que aunque desprovistos (por cierto) de grandes empresas de marketing y/o soportes de medios masivos son inevitablemente más auténticos.
Rubén Ferrero es un artista quien (junto con otros artistas con los cuales conserva afinidad estética) trabaja hace algunos años en la realización de un festival de freejazz en la ciudad de Buenos Aires en distintos espacios que están cobrando forma y calendario y desde donde músicos talentosos tendrán oportunidad de comunicar sus obras y sonido.
Bienvenido el gesto y lo mejor para la nueva (5ta) edición de este festival y sus actores (público incluido) que (según me cuentan) se inicia el día 3 de marzo con una orquesta de vientos itinerante dirigida por el propio Ferrero y con arreglos del destacado Patricio Villarejo.
Aquí la gacetilla del encuentro y debajo el mail de contacto:
Aquí Rubén Ferrero con Hill Greene (contrabajo eléctrico) en el sindicato argentino de músicos (2009)
Mientras el cinismo gana espacio en la lógica del discurso social y es aplicado por las clases gobernantes en el mundo evidentemente se acota el tiempo para definir una estrategia común para la mayoría de la gente. Esto conlleva a la fragmentación social según (no ya un interés común) sino de las pautas de un mercado cada vez más agresivo e impersonal. Algunos poetas ya pintaron escenarios parecidos con mucha lucidez y en esto Chico Buarque es un músico y poeta que retrata estos paisajes sociales con extraordinaria fidelidad hacia su manera de entender las cosas.
Y girando alrededor del tema es probable que las sociedades con memoria de su relación con la tierra tengan más chances de enfrentar el futuro que la gente de la ciudad inmersa en la moderna sociedad tecnológica simplemente porque el mundo moderno de bienes y servicios define al entorno desde la centralización de la información y paradógicamente eso hace muchas veces profundizar el sentimiento de soledad ya que mientras más aislado queda el ser humano en una especie de burbuja virtual más carente se siente y consecuentemente menos sentido le encuentra a sus actos.
El campo del siglo XXI (desde la estrategia productiva extendida en todo el globo) prescinde sistemáticamente del ser humano ya que la mecanización, los pesticidas y los fertilizantes hicieron al desarrollo de la agricultura extensiva y del mismo modo el acopio a cierta base del mercado desde donde se detectan sobrantes o carencias de granos (o materias primas) en distintas regiones para articular de esta forma la relación de precios dados a los diferentes productos y centralizando cada vez más el proceso que en su expresión máxima se llama "globalización" como eco de un imperio postmoderno con pretensiones de racionalidad no siempre logradas. Sin embargo como el objetivo de los operadores de los mercados es simplemente económico (especulación financiera) y como la sociedad es gobernada de modo velado por corporaciones gigantescas representadas por los operadores de los mercados, lamentablemente el problema del sentido común se ve menoscabado (cuestión que se constató con claridad en esta crisis financiera del "primer mundo" del año 2008).
El hombre moderno escapa (hace décadas e incluso siglos) a la dura tarea que implicó el trabajo en el campo y así se fueron formando las ciudades como contextos sociales post-naturales donde el ser humano tiene la posibilidad de desarrollar distintas artes y oficios y construyendo de este modo otro paisaje hiper-real en más de un sentido.
Es claro que el proceso implicó el desarraigo (con sus diferentes consecuencias) y que la independencia virtual del ser implicó una mayor dependencia "de facto" ante lo más básico como lo es el beber agua (tan deteriorada en las redes urbanas), el consumo de alimentos (que ahora depende del abastecimiento desde grandes cadenas de supermercados), las nuevas relaciones sociales (donde la especialización en cualquier sentido gana territorio ante las preguntas más elementales que sólo se resuelven desde los contextos elementales cada vez más ausentes) y otros muchos factores y fenómenos que hacen a la problemática urbana contemporánea y así pasa que por un lado nadie quiere "retornar al sufrimiento de las generaciones que en el pasado sobrevivieron a modelos tecnológicos mucho más estáticos porque eso también implicó una desesperanza enorme que menoscabó el espíritu humano (como por ejemplo lo fue la época feudal) pero por otra parte nadie (o muy pocos) buscan salirse del camino directo al precipicio (suicidio) que implica confiar ciegamente en la sociedad de consumo y servicios donde todos los factores vitales están centralizados y donde cuando falla un eslabón de la cadena todo el edificio (social) se viene abajo.
Chico Buarque (poeta y compositor) toca permanentemente estos temas en muchas de sus canciones y aquí recordamos algunos de sus textos:
Éste un fragmento de Calice, (canción compuesta por Chico Buarque junto con Gilberto Gil)
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
De vinho tinto de sangue...
Como beber
Dessa bebida amarga
Tragar a dor
(Tapa de un disco de 1976)
Engolir a labuta
Mesmo calada a boca
Resta o peito
Silêncio na cidade
Não se escuta
De que me vale
Ser filho da santa
Melhor seria
Ser filho da outra
Outra realidade
Menos morta
Tanta mentira
Tanta força bruta...
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
De vinho tinto de sangue...
Como é difícil
Acordar calado
Se na calada da noite
Eu me dano
Quero lançar
Um grito desumano
Que é uma maneira
De ser escutado
Esse silêncio todo
Me atordoa
Atordoado
Eu permaneço atento
Na arquibancada
Prá a qualquer momento
Ver emergir
O monstro da lagoa...
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
Pai! Afasta de mim esse cálice
De vinho tinto de sangue...
De muito gorda
A porca já não anda
(Cálice!)
De muito usada
A faca já não corta
Como é difícil
Pai, abrir a porta
(Cálice!)
Essa palavra
Presa na garganta
Esse pileque
Homérico no mundo
De que adianta
Ter boa vontade
Mesmo calado o peito
Resta a cuca
Dos bêbados
Do centro da cidade...
(Gilberto Gil y Chico Buarque en concierto)
Este es un fragmento de Construcción (interpretada por algunos críticos como una canción "estructuralista" a causa de usar el procedimiento de interpolación de versos y/o palabras cambiando con esto el sentido general de las frases).
También Chico Buarque pinta aquí un paisaje social que trasciende lo dramático hacia una visión fantástica de la realidad.
(traducción por Daniel Viglietti)
Amó aquella vez como si fuese última,
besó a su mujer como si fuese última,
y a cada hijo suyo cual si fuese el único,
y atravesó la calle con su paso tímido.
Subió a la construcción como si fuese máquina,
alzó en el balcón cuatro paredes sólidas,
ladrillo con ladrillo en un diseño mágico,
sus ojos embotados de cemento y lágrima.
Sentóse a descansar como si fuese sábado,
comió su pobre arroz como si fuese un príncipe,
bebió y sollozó como si fuese un náufrago,
danzó y se rió como si oyese música
y tropezó en el cielo con su paso alcohólico.
Y flotó por el aire cual si fuese un pájaro,
y terminó en el suelo como un bulto fláccido,
y agonizó en el medio del paseo público.
Murió a contramano entorpeciendo el tránsito.
Amó aquella vez como si fuese el último,
besó a su mujer como si fuese única,
y a cada hijo suyo cual si fuese el pródigo,
y atravesó la calle con su paso alcohólico.
Subió a la construcción como si fuese sólida,
alzó en el balcón cuatro paredes mágicas,
ladrillo con ladrillo en un diseño lógico,
sus ojos embotados de cemento y tránsito.
Sentóse a descansar como si fuese un príncipe,
comió su pobre arroz como si fuese el máximo,
bebió y sollozó como si fuese máquina,
danzó y se rió como si fuese el próximo
y tropezó en el cielo cual si oyese música.
Y flotó por el aire cual si fuese sábado,
y terminó en el suelo como un bulto tímido,
agonizó en el medio del paseo náufrago.
Murió a contramano entorpeciendo el público.
Chico Buarque
En O cio da terra (El celo de la tierra) Chico Buarque y Milton Nascimento vinculan a la tierra con una mujer y así desarrollan en la forma de una canción un mensaje que aborda el tema de la relación entre la identidad social y la personal, obviamente conflictuada por las dificultades de desarrollo en los llamados países del tercer mundo.
En esta canción los autores cantan al trabajo y los oficios de la tierra.
Debulhar o trigo
Recolher cada bago do trigo
Forjar no trigo o milagre do pão
E se fartar de pão
Decepar a cana
Recolher a garapa da cana
Roubar da cana a doçura do mel
Se lambuzar de mel 
(Milton Nascimento y Chico Buarque)
Afagar a terra
Conhecer os desejos da terra
Cio da terra, a propícia estação
E fecundar o chão.
http://www.marcelojeremias.com/
En la conferencia sobre música de mayo llevada a cabo en Cybersalon Net, Londres, el economista político francés Jacques Attali declaró que internet permite continuar los ruidos de guerra de la música, a través de otros medios. A continuación una transcipción abreviada.
Jacques Attali, autor de "Noise - The Political Economy of Music" (1977).
Conferencia en el ICA, Londres, Mayo de 2001.
----------------------------------------------------------------------------------
Escribí Noise en 1977, y aún hoy intento explicar que es imposible mirar a la música, o cualquier otra expresión humana, si se la saca de su contexto global. Por supuesto, la música es un caso especial por numerosas razones. Una razón económica es que la música es información pura. En economía, la información es el demonio -es imposible de manejar. Por ejemplo, toda la teoría económica es la teoría de escasear recursos. Si la leche se obtiene libremente, su precio baja. Si la leche escasea, sube: esta es la teoría económica.
Pero no funciona con la música; no funciona con la información como totalidad. Si yo tengo una botella de leche y te la doy, ya no la tengo. Pero si te doy una pieza de información, aún la tengo, la conservo. Lo cual significa que si tengo algo y te lo doy, estoy creando algo nuevo: abundancia.
Y esto significa que la teoría económica no funciona con la información, cuando la información puede separarse de su soporte material -un CD o cualquiera sea el caso.
Cuando poseo algo que es escaso, su valor está unido al hecho de que es escaso, y de que me pertenece y a nadie más. En una economía de la información, algo tiene mayor valor cuando mucha gente lo posee. Por ejemplo, si soy el único que posee un teléfono, no significa nada; no si no tengo a quien llamar. Si soy la única persona que habla un lenguaje en particular, su valor es nulo, porque no puedo hablar con nadie más. En la teoría de la información, el valor de algo aumenta con el número de gente que lo comparte. Por eso es que debemos ser muy cautelosos, cuando hablamos de música, de no tener en mente las leyes económicas.
Pero existen además otras razones por las cuales no podemos fiarnos de la economía para entender a la música. Cada actividad humana tiene una historia, una historia que existió antes de la economía, cuando las cosas tenían un valor que no era un precio. Luego, si se quiere entender el valor de algo, se debe intentar entender el valor que poseía antes de que se le asigne un precio. Esto es verdadero para todo. Recién cuando se encuentra el valor, el rol, la función de algo antes de que tenga un precio es cuando se puede considerar que posee un valor económico y porqué se mantiene aún hoy.
¿Cuál era el valor de la música en la sociedad precapitalista? En mi opinión, la música es una metáfora de la administración de la violencia. Cuando la gente escucha música, escuchan el hecho de que la sociedad es posible: porque podemos administrar la violencia. Si la violencia no es administrada, la sociedad colapsa. El único modo que poseen los individuos de sobrevivir, es que la violencia sea canalizada o dominada. En antropología, se nos explica que la mejor manera de administrar la violencia requiere que aceptemos las dos hipótesis siguientes.
Uno: somos violentos cuando poseemos los mismos tipos de deseo que otra persona y nos tornamos rivales.
Dos: El modo de administrar la violencia en la sociedad es organizar las diferencias -no inigualdades- entre las personas, para que no deseen las mismas cosas, y canalizar la violencia por medio de chivos expiatorios. Los chivos expiatorios son un elemento crucial en la organización de la sociedad.
¿Qué relación hay entre esto y la música? Si se considera la música como una forma de organizar diferencias entre los ruidos, entonces, la música es una metáfora de la organización de chivos expiatorios. El ruido es violencia, es muerte. Organizar los ruidos, crear diferencias, es una forma de demostrar que la violencia se puede transformar en una forma de administrarse a sí misma. Esto es verdadero en todas partes. En miles de mitos hay relaciones entre ruido y violencia, música y paz, músicos y chivos expiatorios, música y relaciones con los dioses, danza y ceremonia religiosa. En cada caso representan lo mismo: el intento de encontrar una forma de organizar la vida social.
La música es profética. ¿Porqué? Si se considera la música un tipo de código, veremos que hay muchas formas de estructurar ese código: diferentes melodías, ritmos, géneros. Además, se pueden explorar esas diferentes formas de organización, más simple y rápidamente de lo que lo haríamos con las diferentes formas de organización de la realidad.
La música es sólo un elemento en la administración de violencia y hay diferentes estadios a lo largo de la historia. El primer y más largo en la historia de la humanidad, se da através de la religión. Se puede afirmar que comenzó hace 15.000 años. La música no existía aún como arte. Música, danza, plegaria, vida diaria eran exactamente lo mismo; todo tenía vida, todo tenía una dimensión espiritual. En este mundo, la música era una expresión de Dios, así como una forma de hablar con Él. Es lo que denominamos música unida al sacrificio ritual.
La Biblia es el primer libro sagrado que afirma que la música no viene de los dioses, sino que fue invención de los humanos. Es representada como una forma humana de administración de la violencia, y desde Babilonia a Egipto, los imperios griegos, romanos y chinos, se observa la apropiación de los poderes "sagrados" o "divinos" por parte de los emperadores, o sea, hombres. Es el comienzo de la división de trabajos, particularmente entre los tres poderes -religión, arte y milicia- en la cual cada uno juega un papel en la administración de la violencia. La música se vuelve progresivamente importante en este proceso y continúa así durante la Edad Media.
El cambio real ocurre cuando un nuevo medio de administración de la violencia surge: el dinero. Hubo otra forma de administrar violencia, y de administrar la violencia a través de la música. Más gente quería ser parte de la sociedad, así que se hizo imposible dominar la violencia por el viejo modelo. Donde existía una "elite" musical fue en la corte, en la compañía del rey. Pero entonces un nuevo grupo de administradores de dinero surgió de la clase media: los burgueses, los tenderos. Querían acceder a la música, pero eran demasiados y no estaban en posición de financiar a los músicos a tiempo completo. Así surgió la presentación pública. Lo interesante es que esto no sólo comenzó a organizar la música económicamente, -alguien organizaba los conciertos y otros compraban las entradas-sino que nuevos estilos e instrumentos comenzaron a tener impacto estético, como la sonata y la sinfonía. Es un período caractrizado por la representación. Todo esto sumado al hecho de que existía un número creciente de patrones para los que el músico podía trabajar, pero también porque la música era usada como una representación del poder. Los patrones se mostraban unos a otros como la "nueva elite", como poderosos señores.
Esto tuvo lugar en los siglos XVIII y XIX, cuando un nuevo tipo de música apareció, relacionado a la necesidad de desarrollar una economía representacional, llevando no a la "estrella" individual, sino a enormes orquestas de 50 a 100 personas...y finalmente el director. ¿Qué es el director? Es quien domina la orquesta, pero a la vez es quien demuestra al público que es posible dominar la orquesta - nos vemos domando los trabajadores, organizando la división de trabajos, evitando la violencia y creando armonía.
Al final del siglo XIX, cuando la burguesía comenzó a consolidar su posición en la sociedad, no fue suficiente para la música ser confinada a los salones de conciertos -se hizo imposible dar acceso a la música a todos los que lo querían. A propósito, es en esta época que la música comienza a cobrar valor económico en la forma de "derechos de autor". Lo importante aquí es señalar que derechos de autor no equivale a derecho de propiedad. El derecho de autoría se concede durante la vida del autor y un poco más allá, la de sus hijos -es limitado. Esto significa que nunca se consideró propiedad del músico. El derecho de autor existe para financiar su vida, pero no como propiedad en sí, como por ejemplo, un auto. Entonces, continuando: al final del siglo XIX, fue necesario crear otra forma de organizar la música, con el fin de permitir a más gente acceder a esa música. Era momento de inventar el gramófono. El gramófono era necesario porque era imposible construir suficientes salas de concierto capaces de albergar los cientos de miles de personas que estaban en posición de comprar música. Había necesidad de crear un medio de tener un concierto privado, porque era la única manera de satisfacer a todos aquellos en posición económica de acceder a la música. En realidad, había dos formas, las cuales se influyeron mutuamente a lo largo del siglo XX. En principio, estuvo el gramófono -el concierto sin límites. Y después, la radio, que presentó el mismo problema que internet hoy: ofrecía música gratis.
Así comenzó lo que se conoce como tercer estadio luego del ritual y la representación; a saber: la repetición; comenzando al final del siglo XIX. Lo interesante aquí es que la música comienza a ser vista como algo que puede almacenarse y luego copiada innumerables veces. El gramófono existe antes que la televisión, antes que la industria automotriz, antes de la sociedad caracterizada por el consumo masivo. Una vez más, la música fue una profecía, no solamente en los términos tecnológicos que permitieron producir más música para más personas, pero también, una vez más, en términos de estilo. Uno de los estilos que emergió en esta nueva era, fue el jazz, que en sí, se basa en la repetición. Luego de eso, por supesto, todo el enfoque "científico" y "teórico", también caracterizado por la repetición, llevado a cabo por gente como Stravinsky, Ravel, Boulez, Stockhausen, Reich y Glass. Fue una forma de reproducir estilísticamente lo que ocurría tecnológicamente. Hoy en día, la industria de la música enfrenta un nuevo problema en el hecho de que existe un límite para la cantidad de música que puede ser vendida a la gente. ¿Por qué? Porque hay límites físicos en la cantidad de música que la gente puede almacenar en sus casas, aunque se miniaturicen los formatos de venta -CD, DVD o lo que sea, simplemete ocupa mucho espacio. Hay una necesidad económica para facilitar mayor acopio en un menor espacio físico. Lo que se necesita es un tipo de "música virtual".
Creo que podemos estar entrando en una cuarta era, la cual no reemplazará a la repetición, así como la repetición no reemplazó a la representación y la representación al ritual. Por ejemplo, aún asistimos a conciertos que surgieron durante el período representacional.
Hay un número de puntos a considerar aquí. Primeramente, cuando la gente que habla de "piratas", se debe recordar que la industria musical es el mayor pirata de todos, y lo fue desde el comienzo. ¿Quién creó la posibilidad de duplicar y distribuir música sino la misma industria discográfica? Encontaremos lo mismo ocurriendo en cada etapa del desarrollo evolutivo de la tecnología -la industria discográfica dispara sobre su propio pie. Un brazo produce música y quejándose de que la tecnología hace más fácil robar esa música, mientras el otro brazo produce la misma tecnología que dice que está dañando sus intereses. Esto fue verdadero para los cassettes, para los CDs y es verdadero nuevamente para Internet. Napster es de importancia marginal aquí. Gnutella y Aimster nacieron dentro de la industria. Ambos surgieron de AOL y escaparon como un virus de un laboratorio. Trataron de evitarlo, pero no pudieron.
El segundo punto a tener en mente es que debemos diferenciar entre tres tipos de copia. Si copio algo para mi uso personal, no es ilegal. Segundo, si copio algo para regalar a otra persona, tampoco es ilegal, y este derecho se mantiene para cualquier número de formatos como cds, cassetes o dvd. Llamativamente, existe legislación que intenta hacer ilegal, por primera vez en la historia, hacer el mencionado regalo por internet...lo que significa que no va a funcionar. El tercer tipo de copia, a saber, la duplicación masiva para venta o lucro es claramente ilegal.
Pero hay casi un millón de millones de mp3 circulando en internet, y la cifra aumenta cerca de 100 millones cada mes. La cuestión es si se puede domar este tipo de cosa, si se puede poner el genio otra vez dentro de la botella.
En respuesta, propongo tres escenarios. Dos escenarios nos encuentran aún en la era de la repetición, en los cuales intentamos tratar los formatos digitales como si fueran artículos físicos.
En uno de estos, las majors ganan. Sería necesario confiar en una criptografía efectiva para evitar la duplicación; sería asimismo necesaria la destrucción de todos los archivos mp3, o en el peor de los casos control sobre la producción de dispositivos de reproducción de archivos digitales. Esto es bastante similar al enfoque tomado por la industria, al llevar a los consumidores del vinilo al CD. Luego, es posible que la industria comience a fabricar dispositivos no compatibles con el formato mp3. Este es el enfoque asumido por la industria hasta el momento, pero en mi opinión, no va a funcionar. Requeriría apoyo legislativo, y debería ser monitoreado policíacamente en todo el mundo. Se debería instalar un sistema para verificar el trafico de e-mails a escala global, para asegurarse de que no se envió ni recibió ningún archivo mp3. Más aún, probablemente requeriría que la industria controle qué tipo de música se tocó en un concierto o fiesta rave, o lo que sea. Lo más significativo, es que cualquier sistema de monitoreo sería inevitablemente usada no sólo para rastrear música ilegal, sino también para una vigilancia más amplia. Mi apuesta es que no funcionará. Pero si funciona, la música será profecía de nada menos que una sociedad totalitaria.
El segundo escenario es en el que las majors no están en posición de hacerlo, pero los artistas quieren hacerlo y lo harán. Los artistas dirán "no quiero ser recompensado sólo por vender la camiseta" habrá una lucha -Courtney Love es famosa por eso- pero creo que muchos artistas lucharán en contra de las majors e intentarán organizar las ventas de su música ellos mismos. Creo que tiene una oportunidad de funcionar para el artista especializado, pero no va a ayudar a la situación global.
El tercero, el cual, de los tres creo que tiene mayores oportunidades de éxito, es el que yo llamo "escenario mango de sartén", donde la gente intercambia música por el simple placer de dar. Así es, por supuesto, cómo originalmente surgió mp3.com, donde la gente ponía a disposición su música como amateurs, no como profesionales. Hay dos direcciones en las que este escenario se puede desarrollar. Primeramente, la repetición prueba ser suficiente para dominar la música; podemos atestiguar el surgimiento de lo que se ha llamado "capitalismo cultural". Y como dije, la información no se comporta de acuerdo con las leyes económicas, que se basan en la escasez.
Pero la tecnología puede ser usada para crear escasez artificial, de modo que bienes culturales puedan ser comprados y vendidos como cualquier otro artículo. Al mismo tiempo, una forma de utilizar la escasez real, podría ser la de mantener el foco sobre el entretenimiento en vivo. Si observo la final del campeonato mundial de fútbol, es una experiencia totalmente diferente verla en vivo a verla dos horas después, cuando se sabe el resultado. No se necesita ninguna tecnología para vender un evento en vivo, porque su valor reside en el hecho de que no se puede saber su resultado. Un recital en muchas maneras no es un evento en vivo, porque se tiene una idea de lo que va a suceder -a no ser que sea totalmente improvisado, o para el cual no se puede anticipar una conclusión.
No entanto, si estoy en lo cierto al decir que la repetición no será suficiente para domar la música en el futuro, un cuarto estadio en la evolución de la música puede surgir, al que yo llamo "composición". El futuro es ya no escuchar música, sino tocarla. Es diferente a todo lo que mencioné antes. Como teórico, debo decir que la composición debe ser principalmente hecha para nosotros, para cada uno, por el simple placer de hacer música. Esto es significativo no sólo porque se hace por fuera de la economía, para regocijo personal, sino porque la misma persona que escucha a la pieza es quien la hace. Yace principalmente fuera de la comunicación. Y estilísticamente, es importante porque, como cualquier músico diría, lo que nos gusta tocar casi siempre no es lo que nos gusta escuchar.
Las herramientas usadas para la composición serán herramientas ligadas al cuerpo: prótesis. Podemos ciertamente usar metáforas sexuales aquí: la primer característica de la composición sería masturbatoria. Por supuesto, este sería sólo un elemento del acto compositivo, seguido de cerca por la necesidad de compartirlo con otros. Dice la Biblia: "amarás a tu prójimo como a ti mismo". Siempre pensé que significa que es imposible que te gusten otros si no te gustas en primer término. Por supuesto, la economía de mercado intentará distorsionar la composición, reorganizarla en su propia imagen. Por ejemplo, estoy fascinado por el trabajo reciente de Paul Allen. Como fan de Jimi Hendrix, él creó un museo en Seattle en el cual puedes simular la sensación de aparecer como Jimi Hendrix en un escenario, completo, con aplausos al final. Estoy seguro que esto evolucionará como una recreación de la composición orientada al mercado, donde se simula ser un artista fente a una audiencia simulada.
Cuando menos, el placer real de la composición puede existir fuera de la economía de mercado, sólo por diversión, donde la violencia puede ser recanalizada a través de la creación.
Porque si puedo crear y darte mi creación, puedo tener la oportunidad de vivir en tu memoria para siempre.
J. Attali
Una reflexión:
Sin caer en el prejuicio de considerar a Attali un haragán intelectual por el simple hecho de tener amigos poderosos
en la sociedad (es afin a la globalización mundial promovida por los grandes grupos económicos) podemos ver que este escritor, economista y teórico musical (entre otros oficios) concibe claramente el problema del entorno relacionado con el hacer musical.
En el comienzo su hipótesis de "música como una forma de administrar la violencia" es un criterio muy vital (aunque no necesariamente aplicable a toda geografía ni a toda concepción artística) y que se corresponde con una observación en función de comprender el origen de la música (en el contexto de la teoría evolucionista) sin embargo el propio evolucionismo tiene un problema a resolver a la hora de explicar el origen y la evolución del lenguaje, pero esto no es comentado por este autor y la duda es si se trata de omisión del problema por falta de una solución o por la simple pasión por contar una historia "bella" dejando de lado la veta más prolífica de la reflexión.
Attali diferencia lo que es "teoría de la información" de lo que es simple "teoría económica" que (según su criterio) es la ordenación jerárquica de los objetos. Entonces en el primer caso la distribución del código es tan fundamental como la escasez en el segundo principio para ejercer el orden y así estos criterios no se mezclan mas allá del título con que este pensador denominó a un texto en 1977 (Noise o "ruido", the political economy of music) y por esto este título es efectivamente provocador.
Su idea de que en economía la información es el demonio porque es imposible de manejar (y por lo tanto la música como fuente de información pura es el gran "demonio") refleja la concepción estática o clasista de su forma de ver el cuerpo social del ser humano. Sin embargo Attali (como observador suspicaz) propone alternativas equilibrantes ante las amputaciones más básicas de los principios que hacen a los derechos civiles de las personas, aunque en ningún momento considera reflexionar sobre los derechos básicos sino que mas bien tiende a establecer tipos de "personas" a modo de clasificación según los contextos económicos.
Entonces (a grosso modo) Attali refleja una idea del hombre en la cual éste (es decir nosotros) retorna a su origen (nomadismo y precariedad) ya que como el hombre moderno eligió la "libertad" por sobre otros valores es necesario que comprenda que "la precariedad" es la cara molesta pero inseparable de la "libertad".
Y en esto profetiza con elegancia lo que ya muchos saben y que es el fin de la era de la sociedad de mercado del crecimiento exponencial (o capitalismo moderno) ya que no es posible expandir infinitamente bienes y servicios desde el principio tecnológico actual ( que son las fuentes de energía basadas en el consumo del petróleo, gas, carbón y uranio ). Consecuentemente en un mundo cuya economía no tiene crecimiento global (y que se mide en tres siglas que son PIB o PBI) la deuda contraída por los estados o personas se transforma en el hacha del verdugo bajo el cual pagarán "su culpa los deudores" (una canción de Silvio Rodriguez dice en un verso: _"pagarán su culpa los traidores" pero se refería a las grandes situaciones de especulación en que se producen guerras y violencia social por simple egoísmo y esta otra lectura implica la manipulación de la opinión social por unos pocos actores).
En todo caso la sociedad de consumo obtuvo de algún modo el éxito (aunque transitorio y con un claro orden de jerarquías) de incluir a algunos miles de millones de personas en su propia estructura y eso es motivo suficiente para reflexionar sobre el problema, aunque el verdadero problema como todos sabemos no es lo que fue sino lo que vendrá.
La idea positiva de Attali es que compartir información genera abundancia y en todo caso lo que nos toca hoy día es constatar si este criterio tiene validez incluso a costa de nuestra propia supervivencia como especie pero por otra parte la vida (y por lo tanto la historia como bien lo describió el amigo Florencio de la Concha en un texto) son sistemas complejos (con infinitas variables) y entonces no podemos anticipar ningún suceso, y éste es en todo caso el lado más inquietante de la precariedad.
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Jacques Attali es un profeta social con estilo imaginativo.
Ojalá que un día quienes tienen el poder de decidir inviten al mundo a un nuevo modo de vida simplemente escribiendo libros porque suelen ser más habituales las formas de coacción como las guerras financieras y militares para llevar a cabo objetivos que (en la gran mayoría de los casos) nadie conoce.
Sobre que el dinero es un elemento simbólico superior como administrador de la violencia que eclipsó a la música es un pensamiento un poco dudoso ya que uno nunca vió que una cuenta bancaria componga una melodía, lo que sí (y tal vez a esto se refería Attali: el dinero compra voluntades y antes de que existiera el dinero la música era un cohesionador de las sociedades y esta perspectiva histórico-antropológica sigue latente hasta el día de hoy).
En todo caso la improvisación musical ( por ejemplo en el contexto estético del freejazz ) es un evento impredecible y por lo tanto lúcido como hecho artístico de la sociedad de mercado (donde todo puede duplicarse) por simple oposición al modelo productivo global y ese es el mensaje básico intrínseco en esta forma estética, es decir "la constatación del valor de lo irrepetible" que en definitiva nunca puede ser una constatación del mercado porque es simplemente un objeto único y por tanto poético.
M.J.
F
flFfoto
Foto: Sergio Paolucci (saxo), Ruben Ferrero (piano), Hilliard Green (contrabajo)
y Juan Carlos Martello (batería) haciendo freejazz en el Sindicato Argentino de Músicos.
En la música vivimos (a principios del siglo XX) la revolución que diferenció la música tonal del atonalismo y que fue argumentada por A. Schoënberg con su dodecafonismo en el cual cada sonido tuvo un peso (en términos de gravedad) semejante en relación a los otros sonidos, lo cual significó la disolución de la lógica estilística (desde cualquier connotación cultural) de los sonidos apareciendo un paisaje no-gravitatorio y cuyas imágenes sonoras de algún modo anticiparían a las primeras fotografías humanas fuera de la atmósfera terrestre.
Es posible que Schoënberg haya utilizado "sus sonoridades" con la intención de "ironizar" con intención crítica a la sociedad europea de la cual se vio forzado a emigrar (en el preámbulo de la segunda guerra mundial), sin embargo el concepto absolutamente físico de ruptura gravitatoria consecuente de su "ruptura tonal" trascendieron al marco histórico original en que fue concebido y consecuentemente fue utilizado por muchos compositores de diferentes maneras para ambientar paisajes "futuristas", misteriosos o incluso de miedo o extrañez. Los músicos de jazz supieron dar forma a los "paisajes sonoros sin gravedad" para retornar a los antiguos "modos" de manera original y en este sentido es detacable la armonización de Mc Coy Tiner en el contexto de la agrupación de John Coltrane al día de hoy con sus propios proyectos.
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Arnold Schoenberg enseñando música 
Visión Rouge (cuadro de Schoenberg)
Mc Coy Tyner en la agrupación de John Coltrane.
