Las voces del agua dibujan las olas y las sombras de la tarde,
las voces del agua escriben el infinito del mar en un recuerdo
para volver al mismo sitio de mar y luz que baña al tiempo.
Quien escucha las voces del tiempo en el agua ve del agua
la vida y olvida los pasos de arena y sufrimiento en la plaza
terrestre del día cansado y artificial tras el muro de una calle...
De "Los libros apócrifos del sur"
Música del mar: http://www.youtube.com/watch?v=DjlSecgcCDw&feature=colike (picar enlace)
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
Retrato de la lluvia:
http://youtu.be/H9tqbqtGyMs (picar enlace)
Poética musical ... (luces y espejos en el jazz)
Cierta idea rectora de algunas expresiones artísticas del siglo XX comenzaban circunscribiendo el contexto
considerando que primero estamos (o no) ante un hecho y luego desarrollamos una interpretación ...
sin embargo hoy comprendemos que en mayor medida sólo estamos ante la presentación de informaciones ya organizadas
según claros contextos ideológicos (y a veces mejor sería decir geográficos o económicos) en pos de
producir en nosotros respuestas previsibles incluso inventando la ilusión de discernimiento o libre elección, cosa que (asunto ya estudiado por psicólogos) suele ser una vez más una fantasía ... pero en todo caso una fantasía a la cual los artistas se niegan
a través de la producción de sus obras.
Y este otro enfoque tiene un condimento que busca alguna salida
al nihilismo en que quedó enfrascado buena parte del pensamiento contemporáneo y que (a la hora de graficarlo) podríamos decir que es como la historia del hombre que soñaba que dormía y que (como decía una canción de Leo Masliah):
"_cuando despertó del último sueño soñó que estaba de rodillas" ...
entonces (así) estamos ante la imposibilidad de acceder de modo
instantáneo a la realidad sencillamente porque tenemos poca idea
de lo que es eso.
Y aquí uno tiende a parafrasear a J.L. Borges cuando un periodista
(de algún modo inmerso en determinadas interpretaciones
de ciertas circunstancias sociales) le hizo la pregunta fatal:_ Borges ¿qué piensa acerca de la realidad? a lo cual el escritor (con cierta ironía) respondió_¿cuál realidad, la suya o la mía? ...
incluso es posible que la pregunta haya sido todavía peor tal como:
_Borges ¿qué opina acerca de la realidad? ...
y ahí la cosa se degrada más porque el mundo de la opinión es apenas el último territorio que le queda a un poeta y lo que éste hace de su opinión es simplemente una metáfora. Por esto es normal sentirse subjetivamente "invadido" o acorralado ante actores sociales que aportan a construir otras formas de discurso que no coinciden con universos internos.
Así el "instante ideológico" en este caso se encuentra dentro de la propia pregunta ya que el punto consistió en exponer a este autor ante su carencia de compromiso (o comprensión) social necesario
para fundamentar antes que su obra a su propia persona ... y aquí detenemos el análisis de este caso concreto para dar con algo anterior y elemental que es que por otra parte es entendible que todo creador necesita olvidar sus propias limitaciones y dejar (aunque sea por algún tiempo) de lado sus temores para abocarse a realizar su trabajo, es decir para dar un cuerpo socialmente inteligible (o interpretable) a su expresión ... lo que no significa que un artista carezca de sentido común buena parte del día aunque es sabido que las estadísticas no son el tema predilecto de los poetas y entonces una lectura más amable sobre esta respuesta es que en ese momento el escritor estaba imaginando (o tal vez recordando) un verso ...
y constatando que más importante que derechos sobre un hipotético futuro es el propio derecho del presente, que es cuando se realiza una obra y así un autor reclama su soberanía de ideas ante el inevitable olvido en el tiempo.
Entonces lo que el trabajo artístico otorga a quien lo desarrolla es el perder el miedo a muchas cosas como decir a la muerte, a la soledad o mismo a la compañía y a la vida ...
y (como estas cosas son tan misteriosas como la propia pregunta acerca de la realidad) es posible que tendamos a completar significados con subjetivas expresiones sin sentido ...
o por lo menos intentar disolver el sentido socialmente consensuado de las cosas para reinventar otras "interpretaciones" que nos acerquen a la ilusión de liberarnos de cierta "obra teatral"
que en definitiva es "lo desconocido" ...
Darle una vuelta de más al asunto de la interpretación de las cosas nos sumerge en el mundo de la fenomenología y ésta (como rama de la filosofía) nos dejó a Husserl o su maestro Brentano como exploradores de las interpretaciones no causales ... y el trabajo de estos pensadores dio fundamentos generosos a buena parte de las expresiones artísticas del siglo XX y XXI hasta esta fecha
y pese a que este camino no es ciertamente una vía que se promocione por los grandes medios (masivos) suele ser el sendero que elige el músico de jazz al plantearse disolver (extendidamente) estructuras sonoras que (inevitablemente ligüísticas) viajan hacia moldes de evolución diferentes, y en eso consiste el mérito de estos exploradores ... y de ahí que los músicos valoramos el "pensamiento original" que se manifestó en los hacedores de "interpretaciones lingüísticas no descriptivas" en el sentido de significaciones no tautológicas para inventar "otros mundos poéticos" que aunque absurdos no son necesariamente ilógicos y aunque irracionales tampoco irreales.
Entonces en lo que sería un breve vistazo a lo que en la música se llamó la ruptura de la tonalidad constatamos infinidad de caminos que fueron explorados por artistas como Coltrane, Cecil Taylor y muchos otros incluso anteriores y con distintos protocolos y el mensaje implícito en todos los casos fue "es posible caminar en un mundo sin gravedad, caminar en el aire ... y volar sin alas" o lo que es lo mismo:
_"sin las leyes de la tonalidad que evolucionaron a lo largo de los siglos ...
y así dar con otra "cosmogonía sonora" u otro sueño de sonidos sin palabras que se transforman en melodías nuevas.
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La maravillosa y antigua cultura musical alrededor de la guitarra que constaté en la provincia de Huelva (cuna del fandango entre otros palos del flamenco) significó para mí reavivar inquietudes hacia un instrumento en el cual (por fortuna) me inicié desde pequeño.
El siguiente enlace es un "aire andevaleño" en el cual recreo algunos ritmos y coloraturas armónicas que sumadas a otros sonidos hacen a un humilde homenaje que hago a los artistas anónimos que escuché tocar en peñas y romerías y (sin intención de recrear sus sentimientos tan especiales) volqué los míos propios ya con connotaciones de otros lugares.
Aquí el enlace:http://youtu.be/8d_m5BroLQc
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Si el Río de la Plata navega en la tristeza
del bandoneón como perdiéndose en el tiempo
es por la guitarra que habla con el agua
y por el barco blanco de un misterio viejo.
Si en el Río de la Plata sobrevuela algún lamento
es porque nunca llega del olvido la esperanza
ni la sonrisa que camina por la plaza de San Telmo
cuando la gente pasea a la tarde como mirando
olvidos y recuerdos ...
La guitarra (de tango-jazz) que suena en el siguiente enlace fue construída por el amigo y maestro de música Jorge Demonte en Remedios de Escalada hace ya unos siete años ... y (como ese tiempo ya es una edad adulta y de crecientes responsabilidades para una guitarra) compuse Tristeza de una tarde para esa guitarra y bandoneón.
Aquí el enlace:http://youtu.be/ipFZckYITK8
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Tapa del disco Freejazztango editado por Epsa Music S.A. en 1996, Sergio Paolucci (saxo alto) acompañado por Ruben Ferrero (piano) e imagen de Buenos Aires un día de lluvia.
Hablar de la obra de Sergio Paolucci (como autor) es un privilegio que uno disfruta ejercer por diferentes razones y tal vez la más importante es el rescatar determinado perfil de trabajo de un músico quizás más conocido por otros aspectos tales como su sonido en el saxofón.
El título del disco (Freejazztango) dice unas cuantas cosas aunque también deja en el tintero cosas no dichas. Una de éstas es que en el subtítulo de la obra podemos leer:_Sergio Paolucci presenta a Rodolfo Mederos ...
pero sabido es que un artista como Rodolfo Mederos no necesita (ni necesitaba) esta presentación y sin embargo sí Sergio Paolucci como compositor, es decir que ya en su segundo disco llamado "Encuentros" y editado por el mismo sello Sergio despunta melodías extraordinarias tales como el "Homenaje al brasil" grabado por el gran Fats Fernandez con su trompeta entre otras melodías y composiciones que (en Freejazztango) progresaron hacia una idea que nuestro saxofonista (en su generosidad) decidió compartir con algunos otros colegas (pero ahí nuevamente tampoco Paolucci necesitaba hacer esto sin embargo en un acto de reconocimiento muy poco frecuente en el medio artístico abrió su disco a artistas como Ruben Ferrero en Welcome George (tema dedicado al gran saxofonista barítono George Haslam) o a uno mismo en un Adiós nonino improvisado en el estilo free que con el tiempo (ya 19 o 20 años después) seguimos profundizando y (en mi caso) considerando que improvisación y composición musical no son cosas distintas sino que improvisación es simplemente una composición musical espontánea, idea no necesariamente consensuada por todos los colegas.
El disco tiene una presentación escrita por Walter Thiers en la que este importante crítico musical que hizo tanto por el medio artístico independiente (recordemos los festivales internacionales Mardeljazz durante casi veinte años ininterrumpidos además de libros como el "Jazz criollo y otras yerbas" ...) en que rescata el hacer musical de innumerable cantidad de artistas argentinos y de muchas partes del mundo y donde Walter acentúa en la capacidad interpretativa de Sergio asociándolo a la corriente del jazz contemporáneo (Charlie Parker, Ornette Coleman, John Coltrane con connotaciones de Albert Ayler ...) para no dejar dudas sobre las cualidades expresivas de Sergio Paolucci que (en este caso) presenta cinco obras propias arregladas (más apropiado sería decir dirigidas y con colaboración en lo que fue la orquestación de las mismas por Rodolfo Alchourrón), es decir que Rodolfo Alchourrón dirigió los ensayos y la grabación de estos trabajos aportando en la organización tímbrica de los mismos (nada más y nada menos) cuyos títulos son: 1- Para el bandoneón, 2- Saxofoneando, 3-Valseando, 4- Buenos Aires hoy, 5- Requiem para Astor Piazzolla, y luego vienen 6- Welcome George (realizado con Ruben Ferrero y dedicado a su amigo George Haslam (aunque en la tapa del disco el orden está invertido y donde dice Welcome George suena una versión de Adios nonino grabada anteriormente (en el año 91) por quien escribe en un estudio de música de un barrio de BsAs (Cabildo) que coordinaba el colega F. Sicilia y 7-Adios nonino (y que suena Welcome George).
Otro cantar es la masterización del disco realizada por la empresa productora que tal vez sí deja algo que desear considerando la calidad artística y espiritual del trabajo (es decir que podría ser cuestionable ese asunto que está más allá del hacer artístico pero que lo afecta en el resultado final ... y aunque en esto puede haber divergencia de opiniones es de considerar que se trataba de las primeras producciones discográficas en formato digital CD y las dificultades en la compresión del audio en formatos digitales todavía hoy día no estan extensivamente superadas, asunto que en el disco de vinilo tuvo mejor realización pese al ruido característico que tenía, por ejemplo, un disco usado).
La obra cuyo enlace presentamos en primer término (en palabras de Walter Thiers sería: _"En primera instancia ...") es "Para el bandoneón" y (en el disco) está dedicada a Rodolfo Mederos (tal vez por la realización artística que desarrolló en "Rodolfo Mederos y Generación Cero" en la que también participó Pocho Lapouble) sin embargo para algunos de nosotros también es sabido que Paolucci reconoció con admiración el sonido de Rovira que (a modo semejante a Astor Piazzolla, digamos semejante pero distinto) utilizó sonoridades contemporáneas en la armonización de melodías con su instrumento.
El resultado sin embargo (y más allá de las dedicatorias) es una obra original que (desde el humilde punto de vista de quien escribe) abre las ventanas a un significado poético nuevo sobre un instrumento utilizado originalmente en las orquestas de tango y que si bien con Piazzolla alcanzó el plano de las más exigentes salas de concierto del mundo con "Para el bandoneón ..." de Sergio Paolucci recupera el misticismo de los barrios del sur de Buenos Aires y con esto la identidad de un origen tantas veces olvidado ...
Finalmente quien interpretó esta obra (grabada en el estudio T.N.T.) fue Marcelo Nissiman quien años después (sabemos) emigró a Suiza donde pudo presentar algunos proyectos musicales relacionados con el tango y su bandoneón.
La ficha técnica del disco se completa así:
Técnico: Julio Costa
Diseño gráfico: Osvaldo Prats
Pintura de tapa: Juan Argerich
Fotos: Eduardo Nico
Los artistas que participaron en la grabación de este disco fueron Quique Sinesi, Adalberto Cevasco, Junior Cesari, Bernardo Baraj, Rodolfo Mederos, Natalia Schwartz, Ruben Ferrero y el propio Sergio Paolucci.
y aquí el (comentado) enlace del videoclip realizado en el estudio La Nata (V.de los Castillejos) más recientemente: http://youtu.be/m8Mk9BiwrLc
Y de bonus track el enlace con el videoclip del "Adios nonino" free y que fue el aporte personal que hice a aquel proyecto y que grabé con guitarra acústica con técnica de púa en un instrumento que (para dar con el sonido particular manifestado) reemplacé el tradicional hueso sobre el puente con una caña de bambú acanalada y que (al atrapar una parte de la vibración de las cuerdas) pude acercar la sonoridad a lo que es un laud entre otros detalles como fue el producir el sonido con una afinación subida medio tono lo que posibilita reducir el radio de vibración de las cuerdas (el giro) y consecuente contar con un mayor control del movimiento en la técnica de ejecución (a modo semejante de como los guitarristas de flamenco tocan sus escalas pulsando muy cerca del puente...)
Aquí el enlace:http://youtu.be/gltkJIbqlxk
P.D.: Sabidas son las dificultades que tienen los autores para difundir sus obras y (antes que eso) para realizarlas aunque no tan conocido por el público son las cosas (mecanismos de la industria musical) que hacen al "ninguneo" del compositor de música que se ve muchas veces superado por la propia incomprensión de sus colegas. Sin embargo también es cierto que en el propio fracaso se encuentra la auténtica dimensión de la grandeza y apostar (en estos tiempos) a hacer música (sin segundos atributos) es una empresa (por lo menos) valiente y (sabemos) evidentemente riesgosa y que (antes que quitar) aumenta mérito al asunto.
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Muchos músicos conocemos (una parte) del oficio de hacer música para eventos sociales ...
Los videoclips a continuación pertenecen a instantes de la trayectoria de Mario Parmisano
en que la música restablece la jerarquía de ser un evento social en sí misma en la forma de un concierto.
Aquí podemos ver (y escuchar) a Mario tocando Gilad con Al Dimeola y su grupo, su tema "Antes que te vayas"
con un tinte piazzolleano abierto al pulso del conflictivo siglo XXI en que este artista "poetiza" en sus arpegios
y melodías paisajes de algunos barrios de Buenos Aires ... también la Primavera porteña de don Astor interpretada junto
a la orquesta de cámara del Kremlin, un Mario Parmisano trío en Moscú y la Word Symphony tour junto a Al Dimeola
en el año 94 ... en fin, se trata de algunos diferentes momentos de este gran artista que (afortunadamente
para el mundo de la música) insiste en la circunstancia (vital) del valor de la música por la música en sí
mas allá de cualquier otro componente.
Las sonoridades, procedimientos modulatorios, fraseos y continuidad de su lenguaje son (entre otras cosas
incluso más cercanas) detalles en los que vale la pena profundizar.
La mejor suerte entonces para este maestro de la música.
http://youtu.be/dQ6L8CFSb28 (al dimeola y mario parmisano, Gilad)
Aquí una interpretación de este clásico compuesto por Bronislau Kaper alrededor del año 1947 denominado On green dolphin street.
El espíritu positivo de esta melodía es un buen antídoto contra la tristeza y las dificultades cotidianas (Música: remedio casero milenario).
Éste es el enlace: http://youtu.be/u4gLdzAxn4Q
Abajo la gacetilla del programa de jazz del amigo Hugo Duschak que se emite todos los domingos y a través del cual algunos músicos estudiamos y/o recordamos hitos de la música. (El horario indicado se refiere a la hora en Buenos Aires)
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Aquí los títulos de tres piezas musicales muy breves y ojalá sea disfrutable:
Buenos Aires años ´30: http://youtu.be/5gyBWs3QsQs (cliquear en las letras azules)
Piazzollación: http://youtu.be/TEEA1im971M
Los bares de Buenos Aires: http://youtu.be/3Gmkp8S__ik
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(Fotos del África sahariana)
Aquí una des-recreación de este clásico del jazz grabado en distintas ocasiones por John Coltrane entre muchos artistas.
En este caso se trata del track 6 del disco Mayeútica de sol y luna (o filosofía del día y la noche) en que plasmamos la base musical en trío a dos pianos más sintetizador
(c/ F. Sicilia en piano acústico y D. Harari en saxo tenor) por el año 98 más un solo de flauta que sobregrabé evocando a Eric Dolphy quien supo desarrollar solos también junto a Coltrane entre diversas formaciones a lo largo de su carrera musical.
El solo de violín al final sigue (en la misma línea evocativa) la consigna emocional anteriormente presentada y las imágenes del clip (en la parte multi-instrumental) se corresponden con espacios urbanos y lugares de Buenos Aires y esto fue realizado en el estudio La Nata el 05/02/2012.
"My Favorite Things" ("Mis cosas favoritas") es una canción que originalmente fue escrita por Richard Rogers
La voz del viento
habla con la lluvia,
la sombra del tiempo
con las melodías viejas.
La sangre del sonido
aparece recortada
en la ventana de la risa
cuando los pasos
del caminador
descubren notas nuevas
en la danza del tiempo
como imaginando una tarde
de lluvia y un barco,
un camino en el agua
y una hoja de diario
en el parque.
Aquí les acerco dos versiones (improvisadas) del clásico de Kenny Dorham Bluebossa.
En la primera (presentada anteriormente) hay una extensión que grabé a la vuelta de ver el partido de Bacelona-Real Madrid y (como me había tomado un vino) salió así ...
La segunda (Bluebosseando free) y del mismo modo que en el primer caso no consiste en tocar "Bluebossa" sino en explorar registros sonoros desde los cuales acercarse a esta melodía.
Improvisando Blue bossa: http://youtu.be/VrXeG1oFPAs
Bluebosseando free: http://youtu.be/G8eZsRkvpZ8
Foto de habitantes originarios de los territorios australes.
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Música del disco Macata grabado en el estudio T.N.T. (BsAs) por Marcelo Jeremías (piano), Daniel Harari (saxo tenor) y Lorena Edelstein (percusión) en el año 2000
más un solo de piano editado en el estudio La Nata 28/12/2011 en homenaje al amigo Toto Moscovich que dejó recientemente el mundo (Toto fue un excelente percusionista que en su momento supo formar parte de la orquesta del catalán Xavier Cugat) y con quien tuve la fortuna de compartir algunas grabaciones en el estudio T.N.T. en el año 2005 e incluso conciertos en Buenos Aires (teatro AMIA) y algunos otros espacios.
Camino de arena: http://youtu.be/GBqAjClozlY (picar enlace)
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El relato de la luz de una tarde
y la canción de los campos de trigo
desatan formas tristes en las hojas
y la ilusión en las voces de olvido
El relato de las cosas perdidas
se escucha en el agua y el vino
cuando el tiempo oscurece las manos
de los testigos ciegos del siglo
Un camino de tierra y mojado
que predice el color de un sonido
vuelve a la lluvia en la luna del llanto
por la vereda escondida de un signo
Una letra enredada en un arbol
una palabra caída de un libro
una voz que sale del viento
para aprender de otra voz un camino
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Colores de una tarde pampeana:http://youtu.be/xRop2mTh9U0 (picar enlaces)
Colores ... (1ra variación piano solo):http://youtu.be/Xz0Fz6muyWA
Colores ... (2da variación piano solo):http://youtu.be/sOh9B3UCIf8
(Foto de un instante del taller de teatro de La Plata a fines de la década del 80 tomada por José Gallastegui)
En los pasos de la tarde de ayer
el agua a lo lejos dibuja unas manos
tras el vidrio mojado de un tren
volviendo a un anden lluvioso y cansado
por las horas de un cuadro y café
un color azulado emerge al costado
de un arbol, la esquina del barrio
y un banco olvidado que espera también
En otra esquina la luz de otro barrio
en otro barrio la sombra y el llanto
como la risa paseando en el tren
como las frases escritas sin ver
como si fuera verdad el ayer
como esperando lo que nunca fue
otro camino, otro paso, otro tren
camino del viento que me ha acompañado ...
Un recuerdo a los amigos que pasaron por taller de teatro de La Plata y que ya en el año 86 con el Federico Vive (homenaje a García Lorca) caminaron expresiones que (de diferentes maneras) siguen recorriendo ...
M.J.: http://www.marcelojeremias.com/
Abajo las músicas (picar los enlaces):
El camino del viento: http://youtu.be/DQESXwt0G70
Baguala del sol: http://youtu.be/okut3Evo9rA
Chacarera del iluso:http://youtu.be/PwE4aGYSDBY
El viento del desierto mueve arenas
que se apagan con las luces de la noche
El viento del desierto mueve piedras
y de las piedras los caminos olvidados
Las luces de la noche son estrellas
y la escena eterna mira el cambio
Las voces de la noche son el viento
que recorre las pisadas de los años
Las voces del olvido ven la hierba
que espera desde siempre agua y barro
con manos del desierto en el silencio
cantando melodías del pasado
Melodías que vuelven con el viento
melodías que viajan con los barcos
melodías perdidas en ciudades
alejadas del desierto imaginario
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Sáhara: (picar aquí)
http://youtu.be/lBnpfCVg7B0
Música del disco Macata grabado por Marcelo Jeremías (violín) y Lorena Edelstein (udu) en el estudio T.N.T. (BsAs) en el año 2000.
Clip realizado con imágenes del desierto del Sáhara y grabación de solo de violin en el estudio La Nata 11/12/2011
El astrolabio fue un instrumento en la navegación del mundo antiguo (aquí dos imágenes)
En el año 94 tuve la fortuna de participar del festival Mar del jazz que se realizó en el teatro San Martín acompañando con el piano a Sergio Paolucci (saxo alto) junto con Guillermo Delgado (bajo eléctrico) y Claudio Risso (batería) ... la buena impresión que dejó este cuarteto considerado por W. Thiers como uno de los mejores proyectos de free jazz nacional (en primera instancia) abrió algunas puertas para realizar más cosas y así al año siguiente pude presentar otro trabajo en que F. Sicilia y C. Marcos me acompañaron en lo que fue un concepto de sonido exclusivamente acústico que al día de hoy uno sigue desarrollando.
En aquel tiempo volvían de su exitosa gira por Inglaterra Ruben Ferrero, Mono Hurtado, Daniel Harari y Horacio Straijer junto con George Haslam siendo los referentes de lo que se dió en llamar (término utilizado por Sergio Paolucci en una conferencia en el Sindicato argentino de músicos) "the new thing", la cosa nueva o el nuevo sonido urbano que tiene su raiz en las propias experiencias sonoras de John Coltrane, Steve Lacy, Mal Waldron, Pharoah Sanders, Ornett Coleman, Cecil Taylor y algunos otros notables artistas precursores y Paolucci (en lo que es su especial vocación por la sonoridad urbana contemporánea se presentó en el año siguiente acompañado por el piano de Santiago Giacobe (el tío), artista de extraordinaria calidad y experiencia que supo conjugar maravillosamente sus armonías con el sonido "revolucionario" de nuestro querido saxofonista.
Digo estas cosas porque uno se acuerda muy bien (a la hora de mirar para donde ir) de donde viene y quienes son nuestros colegas y amigos.
En la grabación siguiente Ruben Ferrero aporta como organista en lo que es uno de los mayores instrumentos (3.600 tubos) más cuatro manuales o teclados y pedalera de la ciudad de Buenos Aires, instrumento ciertamente un poco oculto (en lo que sería su verdadero potencial sonoro) ya que unas paredes mal diseñadas en la fachada impiden el acceso directo del sonido a lo que es el salón de actos del Colegio Nacional de Buenos Aires ... donde realizamos la grabación.
Mi conocimiento de ciertos lugares especiales de la ciudad de Buenos Aires obedece a haber trabajado en la restauración de algunos instrumentos musicales en aquella ciudad y hace unos días uno consideró recordar a uno de los alumnos egresados de aquel colegio (si mal no recuerdo en el año 51) que se llamó Jorge Enea Spilimbergo quien además (para dejar claro de qué clase de persona se trataba) después de recibirse de abogado consideró que no era necesario ir a retirar su título siendo a su vez uno de los fundadores de lo que es el socialismo nacional y dejando muchos textos valiosos que aportan (como Jauretche y algunos otros ensayistas) al pensamiento político nacional de raiz popular y social.
Los músicos de jazz inevitablemente desarrollan un pensamiento crítico y en lo que es el free esto se potencia hacia conceptos sociales muy puntuales que no se corresponden con otras formas desde donde relacionarse con el público y la consecuencia de esto se materializa en la puesta en escena ... y en la pedagogía sobre lo que és la cultura popular urbana en la que el folclore y las raíces son fundamentales.
No es necesario hablar de la trascendencia del trabajo artístico y social de Ruben Ferrero y ni siquiera de la buena sorpresa que aportó Guillermo Delgado algunos años después desde el Quinteto Urbano, y si de buenas sorpresas se trata muchos de estos nombres hicieron (y hacen) las mejores páginas de la historia de la música argentina. Otros tal vez se quedaron en el camino o confundieron un poco las cosas pero lo importante es que la vitalidad de la música nacional es cada vez más elocuente en el mundo y que sus artífices son personas que caminan como gente normal que lucha por sus cosas con una filosofía de vida coincidente.
M.J.http://www.marcelojeremias.com/
Un lugar de este tiempo (en el colegio nacional de Buenos Aires):
http://youtu.be/atb9JWR68VI (picar enlace)
Música grabada en el Colegio Nacional de Buenos Aires en el año 1995 por Marcelo Jeremías (quena) Ruben Ferrero (órgano tubular), Francisco Sicilia (piano) y Carlos Marcos (percusión)
El motivo musical de la segunda parte es un arreglo compuesto por F. Sicilia que en su momento denominó "El grito" ... y formó parte de Lago en la tierra y Río despierto ... y compilado en Astrolabio.
Grabación de la flauta traversa al final y edición de imágenes en el estudio La Nata 07/12/2011
Documento del gobierno de La India agradeciendo la realización de un trabajo musical (Astrolabio)
y documentando que esta música está guardada en el museo Rabindra-Bhavana (con los nombres de todos los artistas y técnicos que formaron parte del mismo).
La ciudad espera a la tormenta
pero el viento cambia la mirada
entonces el río crece por la noche
hasta inundar las calles y las casas ...
La ciudad espera adormecida
en la borrachera ilusa de una plaza
a la sombra del tiempo en su partida
cuando el cielo se oculta y fracasa
en otra ciudad que no escucha al destino
porque el río triste llora y baila
y la ciudad ahora es el olvido
una ciudad sin melodía extraña
tan extraña como la noche oscura
de las voces sin zapatos y sin caras
que caminan perdidas por la calle
cuando los perros aturdidos ladran ...
M.J. :http://www.marcelojeremias.com/
Ciudad dormida en el lamento de un río: (picar enlace)
http://www.youtube.com/watch?v=-EW0I3rYfCs&feature=colike
Música del disco Astrolabio:
1ro: Ciudad dormida: Solo de flauta de bambú y solo de piano Erard francés ... grabado en el estudio T.N.T. (BsAs) en 1996
2do: Melodía del lamento del río ... (flauta de bambú y piano) grabado, masterizado y edición de imágenes en el estudio La Nata 03/12/2011
Ecos del templo interno: grabado con guitarra y junto con Pablo Mezzelani (kaval) en 1996 en el estudio T.N.T. (BsAs), el técnico fue Julio Costa. La masterización y edición de imágenes en el estudio La Nata (01/12/2011).
Aquí el enlace: http://youtu.be/okjqZmB0FMU
Los pueblos olvidados: Solo de guitarra (suite pampeana)
enlace: http://youtu.be/A5yWqe5mWQo
El vuelo del barrilete: Música compuesta en el contexto de un homenaje a R. Tagore. El tabla lo toca Rasikananda Das:
http://youtu.be/DvoUCRuo_i0
Juan Pablo Greco y su guitarra
website:http://www.juanpablogreco.com.ar/
1ro: El corazón del sonido: http://youtu.be/HkijeTOA1P0
Música del disco Paisaje cósmico ... grabado con Juan Pablo Greco en guitarra, más el aporte de Luis Perez Korsaike en percusión y Lorena Edelstein en algunas sesiones en el estudio T.N.T. (BsAs) con Julio Costa como técnico en el año 1999.
Masterización y edición en estudio La Nata (noviembre de 2011) con imágenes de músicos itinerantes de Botswana y (en el comienzo) un fragmento de Ronnie y su guitarra cuyo enlace de su video completo es:http://youtu.be/Tx4cRw6TIIg
2do: Domselaar y el parque de Gobelin:
http://youtu.be/iwqPxZ7AHWI (piano y guitarra)
Clip construído con paisajes del pueblo de Domselaar, el parque Pereyra Iraola y lugares cercanos.
La foto final pertenece a un puente del antiguo tren provincial (de Buenos Aires) situado en la ruta 210 a la altura de Guernica y que dejó de funcionar en la década del 80.
3ro: Candombe en bicicleta (trío): http://youtu.be/Oed8jboxCmU
Con imágenes de un barrio de Buenos Aires
4to: Voces de la Patagonia (trío): http://youtu.be/Zb4q5WIagnE
Luis Perez Korsaike http://www.myspace.com/lirioproducciones
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Trabajo realizado en 2001 en el estudio T.N.T. (BsAs) con el estimado Sergio Paolucci alternando saxo alto con tenor y quien escribe en piano.
El afecto hacia la música instrumental que Sergio como maestro supo transmitir es algo que algunos tendremos la fortuna de llevar toda la vida, y así las mejores cosas no tienen precio.
Abajo los títulos y enlaces de algunos temas:
Historia de trenes y estaciones: http://youtu.be/kejwOObGjgE
Voces del puerto: http://youtu.be/mC1-ufFu7IE
Imaginaria Buenos Aires: http://youtu.be/8zjt1F1qds8
El tango de Metrópolis: http://youtu.be/u8Dq8__WsSk
Numen de una ciudad perdida: http://youtu.be/RaPRwGiK33s
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Aquí algunos enlaces con los clips de música realizada junto a Toto Moscovich ( percusión y kalimba) en el estudio T.N.T (BsAs) en 2005.
El técnico de grabación fue Julio Costa.
Aquí algunos títulos:
Sueño de guitarra:
http://youtu.be/Sdvj7e7Y2kQ
Clarinete y kalimba: Música para escenas de Buster Keaton y C. Chaplin:
http://youtu.be/mRnVHZLcoe0
El viaje a la luna de George Méliès (1902):
http://youtu.be/xPW2mH7Nw38
Surrealista Buenos Aires (con The Vanishing Lady de George Méliés, 1896 y The firsth movie ...):
http://youtu.be/b7LjCr3oJ0Y
Una mirada al modernismo catalán (con imágenes de la Sagrada Familia diseñada por el arquitecto Gaudí y editado en el estudio La Nata en V. de los Castillejos en septiembre del 2011):
http://youtu.be/oenROSE1TNE
La historia de los movimientos sociales no tiene todas las páginas escritas y afortunadamente hoy se están dando fenómenos que refieren a un espíritu de lucidez colectiva y uno de estos fenómenos comenzó hace muy poco el pasado 15 de mayo.
Así con todo el (sano) despliegue del 15 M desde la Puerta del Solen España reaparece en el debate social la diferencia entre la idea de capital de trabajo y capital financiero ...
Antes de la segunda guerra mundial Hitler llegó al poder poniendo en evidencia las consecuencias catastróficas del tratado de Versalles para Alemania (que venía de perder la primera guerra mundial ...) desde un criterio semejante.
Así para los simplistas y simplificadores de los fenómenos sociales el 15 M es una estilización (no democrática) del nazismo ... pero no todo es blanco o negro en la historia y cuando ésta se repite lo que muestra no es mucho más que la decadencia de una civilización como en su momento lo fue Roma y muchos imperios así como hoy lo es cierta idea de "Occidente"...
En el caso de quien le robó los bigotes a Charles Chaplin vale recordar que llega al poder a través de elecciones democráticas (lo que no significa que haya sido buena persona ni tampoco que todos los demócratas lo sean ...) aunque por supuesto que las instituciones democráticas se terminaron con su ascenso.
La gran diferencia es que el movimiento 15 M expresa su madurez a través de las mejores consignas como lo es el tratarse de un movimiento pacífico que manifiesta las incongruencias del actual sistema político-financiero para mejorarlo y ésto hace a que los simplistas y simplificadores estén equivocados al catalogar a la gente que participa en las asambleas que lo componen despectivamente.
Al día de hoy semejante a la década del 30 (aunque en una dimensión mucho mayor) la economía mundial (el sistema financiero) tiene demasiados ceros a la derecha lo que significa que se trata de una economía ficticia a la que cada día le cuesta más aportar una consecuencia social positiva al significado de esos números y esa es la burbuja primordial (la gran burbuja de la civilización) y luego sí se da la especulación inmobiliaria, sobre los alimentos, sobre los combustibles y todo lo demás
pero la primer gran burbuja es en todo el sentido de la palabra la cualidad intrínseca del sistema financiero (y por eso se habla de que la crisis actual es sistémica ...)
¿Cómo es que ocurre esto?
Por la sencilla constatación de que las fuentes energéticas básicas que utilizamos (combustibles fósiles y demás) no son renovables ...
y consecuentemente tampoco son renovables los commodities ... de cobre y otros minerales. Incluso los cereales ya que la explotación y producción extensiva de alimentos requiere (necesariamente) recursos naturales y una base energética que (como dijimos) no tiene (por lo menos) un retorno facil lo cual es lo que realmente conspira contra el aspecto positivo de lo que
podría ser un proyecto de globalización mundial ... (con consecuencias sociales que sobrepasen al movimiento de mercaderías e incluyan la libre circulación de cualquier persona por el planeta) y al no poder suscribirse semejante proyecto a la posibilidad de semejanza en los derechos de las distintas sociedades inevitablemente se llega a los conflictos, luego
¿de que forma la civilización discute sobre este nivel de conflicto?
Al constatar que el problema no es sólo ideológico (polarizado en
totaritarismos o democracias, izquierdas o derechas) lo que queda es la discusión tecnológica ... y la apoteosis de la discusión tecnológica es (por lo menos como respuesta recurrente en la historia moderna) "la guerra", luego en la pretensión de espiritualizar a la crueldad sí se desarrollan los criterios ideológicos (como base de justificación de la destrucción) pero
nadie desde una pretensión ideológica inventó la radio ni el teléfono ni tampoco pavimentó un camino porque esas cosas están mas allá del problema de los enfoques o interpretaciones de la historia humana.
Entonces lo que podemos constatar es que nuestra civilización se acerca a peligros (cuello de botella) coyunturales en el cual dar con un nuevo sistema que supere positivamente al denominado neoliberalismo que hoy muestra todas sus incongruencias no se va a dar necesariamente desde la aventura de la discusión "simplemente" ideológica sobre la izquierda o la derecha sino que requiere el salto tecnológico necesario que nos lleve a un estado de realidad diferente.
Recapitulando el texto es interesante constatar que el 15 M nada tiene que ver con el desarrollo de los totalitarismos aunque ambos señalan en su punto de partida cierta coincidencia en el criterio de
que el capital financiero sin ningún control y disociado del bien común o sea el resguardado hoy en los paraísos fiscales es algo que puede perjudicar a la cohesión social y es también origen de buena parte de la locura empresarial humana ...
Luego hoy todos estamos a la espera de las soluciones tecnológicas y su necesaria aplicación ante la nueva consciencia que estamos adquiriendo a partir del mejor conocimiento del medio ambiente, la naturaleza y de nosotros mismos y alcanza con pensar que apenas nos diferenciamos del
antiguo imperio romano en el hecho de que a las ruedas de un carro le sumamos un motor de combustión fósil ... es decir que somos muy diferentes en lo trivial pero en lo importante tal vez todavía no superamos la prueba.
Y si es así una pregunta clave podría ser ¿existe un debate válido sobre tecnologías o en eso estamos a la buena de "las ganas de lucrar como sea por parte de unos pocos" inventando las necesidades de la gente sin medir las consecuencias?
¿Podremos atravesar con lucidez esa instancia de crisis necesaria para equilibrar nuestra forma de vida hacia una idea nueva o seguiremos usando los medios contra nosotros mismos?
¿Somos los artistas pilotos de prueba de los nuevos paisajes y entornos de comunicación en una eterna condición de extemporáneos de la historia?
Si es así en la idea de "borrar la historia personal ..." que viene de la contracultura antropológica de narradores como Carlos Castaneda bien puede ser una pauta estética como una forma de expresar transformando los sucesos personales (y los recuerdos) en mitos que adquieren el espacio y el código de una canción o un verso anónimo que atraviesa las capas del tiempo para dar con un espectador ya en otro silencio a manera de una máquina del tiempo ... y (como dice el tango) :
Primero hay que saber sufrir,
después amar, después partiry, al fin, andar sin pensamientos.Perfume de naranjo en flor,promesas vanas de un amorque se escaparon con el viento.Después, ¿qué importa del después?Toda mi vida es el ayerque me detiene en el pasado.¡Eterna y vieja juventud,que me ha dejado acobardadocomo un pájaro sin luz!
(Naranjo en flor)
Aquí un enlace a otra canción:http://youtu.be/_zaWFvZcMLA
Las calles de Vilanova i La Geltrú conservan un aire antiguo en las paredes y las plazas.
Abajo un enlace con música en homenaje a esta ciudad:
http://youtu.be/wbQx8uyhfQQ
Unes paraules per als meus amics catalans
En aquesta ciutat del mar
vaig trobar el so del vent
i en les senderes laments
que són músiques de pa
i que parlen amb la nit
en els passos del record
i que dibuixen la tarda
entre la sorra i la sal.
En aquesta ciutat del mar
la veu de la pluja escolta
des dels bassals la lluna
que va deixar a l'oblit passar
per una rambla amagada
des d'un saxofon adormit
el retorn fet cas
en un camí de calç.
En esta ciudad del mar
encontré el sonido del viento
y en las veredas lamentos
que son músicas de pan
y que hablan con la noche
en los pasos del recuerdo
y que dibujan la tarde
entre la arena y la sal.
En esta ciudad del mar
la voz de la lluvia escucha
desde los charcos la luna
que dejó al olvido pasar
por una rambla escondida
desde un saxofon dormido
el retorno desoído
en un camino de cal.
Música realizada para los filmes Brighton beach 1896, The first film ever exiting the factory 1895, New York city 1896, London life 1930, foto en blanco y negro de la rambla de Barcelona a fines del 1800 y algunas otras imágenes.
La palabra "modal" para los músicos adquirió distintos componentes de significados que se relacionan con las llamadas antiguas escalas griegas o posteriormente los modos eclesiásticos. En el jazz moderno se suelen combinar modos y de esta forma dar movimiento al eje tonal en varios
"sub" ejes ya modales con sus procesos cadenciales característicos.
Los términos con que los músicos definimos ciertos procedimientos cambian entonces a través del tiempo pero en líneas generales podemos establecer cierta oposición conceptual a lo que sería la música "cromática"
en la que podríamos incluir desarrollos seriales o dodecafónicos puntuales y recursos más cercanos en la historia aunque no necesariamente en el oído del público que a veces puede sentirse desorientado ante un panorama sonoro complejo.
Los antiguos modos (por otra parte) reflejan memorias (también) muy antiguas y eso es lo que atrae de estos sonidos. Por otra parte la música "cromática" posee la "crisis" característica de las voces urbanas y en la intimidad perdida de las grandes ciudades refleja el eco de sus notas y de ahí el peso de su sentido de realidad (dando significado a cierto realismo estético).
Aquí un enlace de "Música para imágenes de cine mudo" en el contexto de una intención modal dentro de lo que me dio en llamar "jazz modal galeico"
(en referencia a lo mencionado y pautas geométricas determinadas relacionadas con los cambios de modos):
http://youtu.be/yr1qOWcm910 (picar aquí)
(proyector de cine mudo)
http://www.marcelojeremias.com/
Este film fue realizado por Thomas A. Edison el 31 de octubre de 1896 a través de la Edison Film Manufacturing Company..
Aquí un fragmento de la película más algunas otras imágenes de contexto y el acompañamiento musical grabado y editado en el estudio La Nata (V. de los Castillejos) el 09/10/2011.
La técnica de composición musical consistió en relacionar melodías muy sencillas con algunos sonidos más alejados de la región tonal en un procedimiento contrapuntístico vinculado a cierta corriente estética que se llamó minimalismo.
La pauta más simple de aproximación a la música minimalista a modo de criterio muy general consiste en ir generando pequeños cambios a cierta estructura sonora que se repite cíclicamente y en el caso de esta obra esto se da en el arpegio que acelera su velocidad y culmina con la sonrisa de la "madre" del filme ...
Otros instantes se corresponden más con diferentes intenciones estéticas relacionadas con el jazz y la música antigua y consecuentemente el desarrollo melódico se vuelve más extensivo y lineal.
Aquí el enlace: http://youtu.be/Vpkt8dwmf0w
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La historia de Charles Chaplin está teñida de ciertas ideas e intuiciones que este artista sostuvo a lo largo de su vida y esto hizo a su muy especial poética con un claro contenido social. Desgranar instantes de sus escenas nos ayuda a comprender su técnica narrativa lo que implica en este caso acercarnos a su concepción de clown, dramaturgo, músico, cineasta y varios
otros roles y oficios subsecuentes relacionados (porque Chaplin era todas esas cosas).
Aquí un enlace con un fragmento de una escena de la película "El
Circo" (de 1928) donde Charlot trata el tema de la "trampa" en la "comedia" siendo el riesgo físico un aspecto imprescindible del espacio circense.
El acompañamiento (a la distancia) está grabado en el estudio La Nata V. de los Castillejos. (07/10/2011)
Un camino perdido en el pueblo de los olivos
contaba del tiempo una historia
y cantaba en el viento un sonido.
Un camino perdido en el huerto de los destinos
miraba de un arbol la sombra
pintada en las voces del vino.
Un sendero olvidado en el viaje de los mendigos
latía debajo del pasto
que crece sobre el camino
una melodía antigua
en la canción de un pueblo
y en el reflejo de un río ...
M.J.
Melodía de un camino (Enlace original): http://youtu.be/EJpgqh8v8m8
http://www.marcelojeremias.com/
Misty fue grabada por Erroll Garner en el año 1954 e interpretada por Ella Fiztgerald, Sinatra y muchos otros artistas.
Aquí una versión teñida de paisajes (y personajes) andevaleños:
http://youtu.be/38ELlsRVRCI
http://www.marcelojeremias.com/
Antonio Carlos Jobim fue una personalidad destacada dentro del movimiento musical del tropicalismo que empieza por la década del 50 en Brasil.
Aquí un enlace sobre una versión libre basada en Triste (canción que aparece en el album Wave en 1967):
http://www.youtube.com/watch?v=XwtUxyAq55Q
http://www.marcelojeremias.com/
El golpe (título original The Sting) es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. (fuente Wikipedia)
Aquí una versión libre grabada en el estudio La Nata (V. de los Castillejos)
Abajo el enlace:
http://youtu.be/CzR06EdwNbc
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
El tema del posible contacto con civilizaciones extraterrestres está relacionado inevitablemente con el asunto del origen de la vida y como sobre esta cuestión pesan al día de hoy aspectos políticos y religiosos que no necesariamente son puramente cognitivos sino que se involucran en mecanismos sociales que hacen al funcionamiento y valoración de un consenso de percepción que caracteriza a la civilización industrial y la sociedad de consumo en la que vivimos, los prejuicios pueden ganarle la partida a las evidencias y de ahí el plausible ocultamiento de determinados fenómenos y por otra parte (a modo de contrapeso)
éste es un gran tema (o mito) desde donde inocular pensamientos irracionales o mágicos en la gente desprevenida.
Entonces ésta es una razón que hace a la dificultad para valorar el estado actual de situación ante la pregunta de si estamos solos en el universo (multiverso) o si sólo sentimos eso como consecuencia del bajo nivel de nuestra civilización y nuestro (también muy bajo) estado de consciencia en relación a otros mundos y civilizaciones y en mi caso personal la ausencia de formación académica en relación al asunto reduce la elaboración de esta nota a simples reflexiones sobre artículos que salieron en los diarios y sobre los cuales uno especula distintas consecuencias.
La pregunta básica (sobre el origen de la vida) podemos abordarla desde diferentes lugares y esa pregunta tomó cuerpo hace ya unos 50 años cuando Miller y Urey desarrollaron un experimento consiguiendo resultados específicos (la producción de aminoácidos,
azúcares y distintos elementos orgánicos al intentar recrear las condiciones
de la atmósfera primitiva terrestre introduciendo electricidad a semejanza de
rayos de tormenta eléctrica en un espacio cerrado ...) generando de este modo un caldo prebiótico que es considerado por algunos biólogos el elementos primordial de estructuras más complejas que hacen a la vida lo que daría con la idea de que en condiciones determinadas durante una también determinada cantidad de tiempo la vida se origina de forma espontánea como consecuencia de un proceso simplemente "químico" ...
Lo que ocurre es que si esto fuera así en las últimas décadas se tendría que haber
avanzado en la documentación de estructuras más complejas halladas en extensión a este experimento (por ejemplo proteínas) cosa que no ha ocurrido.
Luego Sir Fred Hoyle (este es un nombre clave relacionado con la cuestión que
estamos abordando) consideró que esperar producir vida a partir del experimento
Miller Urey es igual a esperar que tras una tormenta de viento sobre un desarmadero
de autos se produjera espontáneamente un avión Boeing 747 ... y a esta imagen algunos biólogos replicaron con la "falacia de Hoyle" (considerando que este científico erró con sus consideraciones estadísticas).
Hoyle (vale comentar) se oponía también a la teoría del big bang desde cierto
concepto de "universo estacionario" y es interesante recordar su teoría del
origen de la vida en la tierra desde otros lugares del universo y que se trasladó a este planeta
desde cometas que se acercaron a nuestra órbita y de ese modo fueron dejando
material genético (virus y bacterias primordiales) que luego sí se desarrollaron
en un proceso evolutivo pasando de unicelulares a multicelulares. Entonces Hoyle relacionó
la idea de los cometas trayendo estructuras orgánicas básicas con la de un arbol
que esparce sus semillas y que luego germinan en la tierra incluso relacionó la involución
en muchos sentidos que vivió la civilización durante casi mil años y a lo largo de la edad media con la idea de que durante ese período la tierra atravesó una nube de polvo con altas
dosis de material genético (virus) lo que produjo enorme cantidad de enfermedades
contagiosas y la consecuente involución social e ideas tales como que el cuerpo humano
no es algo "bueno" que se registra en el pensamiento religioso de aquellos años ...
Vale decir también que cuesta a un simple observador (como quien escribe) seguir el estado
actual del debate científico considerando especialmente que ese debate no está desprovisto
de posturas políticas, algunas de las cuales son esperanzadoras y otras pueden ser intencionales e involucradas con empresas farmacéuticas y laboratorios que pretenden ganancias monetarias basadas en el simple daño (y como muchas de estas empresas tienen ganancias millonarias e incluso figuran en las bolsas de valores del mundo) la cosa se hace todavía más complicada.
Sin embargo uno cree que la verdad se va a abrir camino por sí sola y que sólo es cuestión de tiempo para que se desarrollen y difundan ideas más integradoras en lo que sería una posible percepción de la realidad que incluya también al "universo" como algo no escindido de los fenómenos que se dan en la tierra.
La teoría del origen extraterrestre de la vida se llama panspermia y tal vez más adecuado que la palabra extraterrestre sería decir que se trata de un fenómeno recurrente a nivel cósmico (es decir que bajo ciertas circunstancias se genera y difunde en todas partes) y en su desarrollo están involucradas personalidades científicas (incluso premios nobel) y al día de hoy es la idea predominante que resuelve el primer eslabón relacionado con el origen de la vida, mismo la idea expuesta por más de uno es que en un tiempo lejano en el pasado una civilización extraterrestre se ocupó de sembrar las primeras estructuras que hicieron al origen y evolución de la vida y (considerando el sentido lógico que aporta esta investigación científica) no hay mejor respuesta que los conceptos implicados en la teoría de la panspermia ante este tema, lo cual nos lleva a la conclusión de que la vida (y por lo tanto nuestro propio ADN) son en un sentido extraterrestres (o estructuras cósmicas que se dan recurrentemente en el universo) y esto lo sugiere también el reconocido científico australiano (y divulgador científico) Paul Davis al decir que la gran carga de "información parasitaria" (esto sería una gran cantidad de información que todavía no está activada) en nuestro ADN puede tener una razón "extraterrestre" es decir que esa información se puede activar exponiéndo al organismo (el ser humano) a condiciones especiales de la naturaleza que no necesariamente se dan en nuestro paisaje social cotidiano.
Y sobre esta hipótesis actúan determinadas propuestas terapéuticas vinculadas a conceptos "chamánicos" que sobrevivieron en el saber de los pueblos a lo largo de todo el planeta, incluso hoy día lingüistas y matemáticos como Noam Chomsky se inclinan a pensar que la base del lenguaje tiene un principio genético (es decir que está relacionado con ese 90% de información no utilizada de nuestro ADN lo que lleva a la hipótesis de que las personas nacemos con una especie de "ordenador biológico portatil ..."
Otra forma de dar con alguna respuesta a la pregunta de si estamos solos (o si siempre lo estuvimos) es simplemente la circunstancia de dar con artefactos que se corresponden (hipotéticamente) con otras civilizaciones tecnológicas que se perdieron en el tiempo ... y esos artefactos (OOPARTS) están en muchos museos del mundo esperando alguna respuesta a su (innegable) existencia.
Actualmente es posible dar con fotografías (en rayos x) en algunos sitios de internet de uno
sobre el cual a mi personalmente me agrada juntar información y se trata de la "máquina de
Antiquetera o Anticitera" y que es un ordenador mecánico con engranajes diferenciales construído desde una concepción que fue la que revolucionó a la civilización moderna, pero su origen (fue hallado en el fondo del mar) está datado en 2.000 años, o sea la época de Cristo. Y este es un claro ejemplo de objeto fuera del tiempo o más precisamente fuera de cierta idea evolutiva de la historia que cada día se manifiesta más como un prejuicio que como realidad ya que la evolución parece dar saltos enormes no siendo por lo tanto un proceso gradual y esta idea va ganando espacio no sólo en la descripción de la vida sino también en la historia de la tecnología ...
Objetos de esta clase hay cientos (y posiblemente miles) aunque no siempre dan con observadores lúcidos que contextualizan acertadamente su existencia y muchos desaparecen o son simplemente abandonados o destruídos sin embargo parece haber bastante solidez argumental por lo menos en algunos de éstos como para decir que son casos inexplicables desde la interpretación corriente de la historia moderna.
Otra manera de dar con alguna respuesta a la misma pregunta de si estamos solos en el universo es preguntándolo "por ondas de radio" y eso es lo que hicieron Francis Drake (autor de una famosa ecuación que lleva su nombre referida al mismo tema), Carl Sagan y otros científicos en la década del setenta enviando un mensaje a un sitio del espacio que se encuentra a 25.000 años luz de distancia (o sea que una hipotética respuesta tendría que llegar recién dentro de poco más de 50.000 años) pero el problema es que en el año 2001 se dió un fenómeno en Arecibo (donde había un telescopio trabajando para el proyecto SETI) que dejó sin respuesta a la comunidad científica ... y ese fenómeno dificilmente tiene una explicación terrestre o sea que estaríamos ante una respuesta extraterrestre al mensaje enviado por estos científicos en el año ´74 ... (en internet también podemos encontrar información no sé si amplia y abierta sobre este asunto, pero sí hay algunos datos). Y este tema está vinculado a los Circle crops que se dieron primero especialmente en Inglaterra y luego en todo el mundo y que consiste en figuras que aparecen formadas en campos de trigo o de maiz y aunque muchas de éstas tienen un origen de manufactura terrestre claramente documentado ( hay ciertos casos como el de Arecibo en 2001) que desafían el hacer humano por lo menos habitual, sin embargo éste tema se complica también a causa de bromistas, falsificadores y grupos de "arte" relacionados con empresas de la imagen que vieron en esto un "filón" para publicitarse dando un halo de misterio al entorno.
Luego la posibilidad de influir en la estructura atómica de la materia del modo en como se da en algunas de estas figuras podemos encontrarla en la aplicación de la cimática (la formación de estructuras geométricas especiales a partir de ondas de sonido ...) y en fenómenos electromagnéticos vinculados a la cuántica pero esa ciencia y modo de transmitir mensajes semejante a las señales de humo de otros tiempos esta vez imprimiendo formas en el campo no se utiliza habitualmente en nuestra cultura, sin embargo ésta podría ser una respuesta a muchos otros fenómenos en los que podemos hallar formas "poco habituales" en la superficie de la tierra.
Otro estilo de buscar un contacto con un pasado "galáctico" consiste en el método de desglosar una leyenda (cargada de lenguaje simbólico) y relacionar los elementos que aparecen en la historia con otros elementos vinculados (por ejemplo) con el mundo tecnológico contemporáneo y esta idea la difundió Erich Von Danikën hace ya algunas décadas cuando (por ejemplo) comentó el análisis de una narración bíblica realizada por el profeta Ezequiel en el antiguo testamento y que fue estudiada por ingenieros de la agencia espacial NASA elaborando hipótesis bastante especiales. Hay muchos otros casos semejantes, también cientos o incluso miles si extendemos la bibliografía a otras culturas.
C.G. Jung escribió un libro donde analizaba desde su forma de ver el caso de OVNIS documentados en el arte pictórico europeo de la edad media ... y su significado "esotérico" relacionado con la "alquimia".
Y aquí podríamos tocar el caso de descripciones "llamativas" en el arte rupestre lo que extendería considerablemente este párrafo si profundizamos en algunos problemas de la arqueología relacionados con el volúmen y peso de algunos objetos y la cuestión de preguntarse cómo llegaron a donde estan ...
Para una persona religiosa otro modo de saber las cosas es inquiriendo en su "libro sagrado"
y en el caso de la India damos con el Mahabarata y los antiguos vedas que describen no sólo
otros mundos, seres y civilizaciones sino también cómo construir "naves voladoras" de distinta clase que en este caso son los denominados Vimanas, incluso en el siglo XIX apareció en un monasterio de (si mal no recuerdo) Mongolia un libro técnico que detalla la construcción y el tipo de combustible necesario sin embargo como bien puede tratarse de una transcripción de otra transcripción algunos términos pueden ser erróneos por simple cuestión de mala interpretación ... y esto es extensible a muchos libros antiguos que tratan temas parecidos.
Otro nivel muy interesante desde donde abordar el asunto lo describió Edwin Abbot Abbot en su libro Flatland ... (Planilandia) en el cual detalla la geometría multidimensional (y su base teórica) en la forma de una historia de humor (no exenta de crítica social). O sea que aquí damos con un pensador sencillo y original y en este caso Edwin Abbot Abbot y Nicola Tesla parecen provenir del mismo planeta y el sólo considerar los desafíos y las ideosincracias institucionales y políticas a las que se confrontaron sin temores nos da esperanza en las posibilidades futuras del género humano.
Consecuentemente si el tiempo y el espacio no son estructuras inamovibles (concepto avalado por la teoría de la relatividad y también la cuántica) y aquí ya estamos en Einstein y en W.Heisenberg es posible dar con fenómenos que intrínsecamente son fenómenos multidimensionales y también es plausible que la percepción de la multidimensionalidad esté relacionada (inevitablemente) con lo que las personas llamamos "intuición" como un canal interno donde el espacio-tiempo adquiere formas poco habituales y de lo cual podemos "extraer" conocimiento, en todo caso el arte es un vehículo muy viable para dichas "percepciones".
Otra forma de dar con alguna respuesta ocurrió cuando un meteorito que cayó en la Antártida fue analizado y (a la luz de un microscopio) se observaron formas demasiado parecidas a estructuras orgánicas fosilizadas y así hoy algunas personalidades científicas desde la exobiología se ocupan de investigar estos temas y aportar (a partir de algunas nuevas evidencias) a una teoría contemporánea de lo que sería el origen de la vida. El nombre del meteorito mencionado es ALH84001.
Del mismo modo no sólo estudios geológicos o arqueológicos pueden depararnos sorpresas
sino también el propio estudio de la lingüística ya que la dirección evolutiva de las lenguas no siempre se manifiestan de modo ascendente lo que sugiere nuevamente un pasado distinto al que especulamos conocer desde la historia lo que sugiere nuevamente la existencia de una (o más de una) gran civilización en el pasado a la que James Churchward hizo referencia a partir de ciertos datos que aparecieron de sus viajes por el Pacífico y que él denominó civilización de MU.
El tema también podría extenderse a la posibilidad fáctica de la existencia de alguna forma de inteligencia artificial a modo de supraconsciencia del universo con la cual establecemos muy limitadas pero concretas conexiones desde el lenguaje de la matemática o mismo el arte de la música siendo estas disciplinas canales lógicos desde donde aprehendemos aspectos de lo real ... (y aunque éste parece ser el guión de una película de ciencia ficción esta hipótesis intenta ser dilucidada por algunos físicos contemporáneos desde la evolución teórica de la física cuántica a partir de determinados fenómenos observados en laboratorios y en los famosos aceleradores de partículas ... )
Por su parte Ricardo D´Angelo desarrolla una investigación sobre el tema de si estamos solos o nunca lo estuvimos, si sentimos estarlo a causa de nuestra forma de vida o sentimos lo contrario por la misma razón.
Esta investigación la lleva adelante de modo independiente lo cual lo hace un observador
especial que montó un espacio de documentación de fenómenos anómalos de la bóveda celeste en la terraza de su casa construyendo un telescopio e ideando los soportes mecánicos que hacen a dispositivos necesarios para la movilidad de cámaras que están grabando 24 horas al día hace ya algunos años y desde donde registra más de cien (120 o 130 si mal no recuerdo) fenómenos anómalos sin clasificar por año y que luego algunos de los cuales han sido confirmados por espacios tales como el SETI (instituto avocado a la búsqueda de inteligencia extraterrestre).
Ricardo también investiga sobre la implicancia de campos magnéticos en determinadas estructuras geométricas y su aplicación a dispositivos mecánicos que pueden facilitar la vida de la gente desarrollando propuestas tales como la "bicicleta con neodimio" entre otras. Y para completar el cuadro damos con un artista (músico)
que se ocupa de mantener el alma sonora de los pianos de Buenos Aires desde el cada vez más infrecuente oficio de afinador de pianos ... asunto que acredito por propia vivencia.
La mejor suerte entonces para este colega y que sus trabajos de investigación den con las campanas sociales adecuadas para producir los acordes de cambio mental que nuestro mundo necesita.
Aquí dos enlaces con la dirección de su blog y página web :
http://youtu.be/cvQlL1xT0dc (Enlace del documental "La revelación de las pirámides" en el cual se sugieren unas cuantas ideas nuevas sobre el significado de estos monumentos).
El sonido de los trenes produce ritmos extraordinarios
que en su momento autores como Duke Ellington supieron utilizar
y dar significado en el contexto del jazz de aquel tiempo.
El tren simbolizaba el progreso, la urbanización y era una vía de transporte y comunicación en aquel momento del mundo "moderno".
Aquí un solo de piano sobre este clásico del jazz.
Abajo el enlace:
http://youtu.be/HmpVVwYMBlI
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Henry Mancini nos dejó buenas melodías (La pantera rosa, Moon river y otras).
Aquí una versión desprovista de los sonidos largos característicos del Hollywood de aquella época en un solo de piano.
Abajo el enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=zogknG2OXtY&feature=colike
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Algunos paisajes urbanos conservan la memoria de otros tiempos
y pintan ruinas olvidadas de lugares perdidos.
Luces de la mañana
corren y descifran
de la noche una esquina
un lugar
con una melodía
que contempla el día
y que viaja en el viento
y la sal ...
Y se encienden en la madrugada
...
Meditación sobre paisajes perdidos:
http://youtu.be/ZGnJ8fGlAsA
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La poética de Charles Chaplin contemplaba temas humanos y sociales que muchas veces se perdieron con el transcurso del tiempo en la industria del cine.
Aquí dos fragmentos de Luces de la ciudad y Tiempos modernos (mas un instante del Circo) en que Chaplin plasma cierta idea relacionada al amor (y su otra cara que es la soledad) y al trabajo (en este caso automatizado a través de las primeras cadenas de montaje del siglo pasado) cuya faceta negativa es la
alienación consecuente de la que este artista se distancia con sentido del humor.
Aquí Chaplin también trata al valor de la inocencia como algo distinto de la ingenuidad en lo que es su forma de narrar y entonces combina elementos de comedia y grotesco (haciendo homenaje a su origen como artista de circo) con aspectos poéticos relacionados con el mensaje de sus escenas.
En este caso decidí acompañar las imágenes (y mas bien al reves también) con un solo de piano desde el clásico In a sentimental mood de Duke Ellington, tema que en su momento
fue grabado por grandes artistas como John Coltrane entre otros.
Aquí el enlace:
La música para escena adquiere particularidades propias de la circunstancia narrativa.
Aquí dos clásicos del jazz (A night in tunisia y All the things you are) adaptados para situaciones escénicas de una función de marionetas ...
A night in tunisia : http://youtu.be/LXj9dtzsO2Q
All the things you are : http://youtu.be/H7gkju42qr8
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Victor Young de joven (y en función de homenajear sus orígenes polacos) vivió dos desgracias con suerte y que consistieron en haberse escapado de la revolución rusa y después de los alemanes por el año ´17 cuando era violinista de la orquesta de Varsovia y lo logró simplemente tocando el violín (lo que ajusta este dato biográfico al mérito mayor de esta página) en la que en algún momento traté el tema de la música como fuerza espiritual que disuelve las fronteras políticas para dar con la regiones ancestrales del alma.
Retornando a EEUU se transformó con el tiempo en uno de los mayores compositores de música de películas de la industria de Hollywood lo que uno imagina que le habrá reportado buenos dividendos (y si no fue así por lo menos supo aparentarlo) lo que nuevamente lo hace meritorio de otro premio que es el jerarquizar la profesión musical tan afectada de determinados momentos de la historia.
Sus clásicos fueron tocados por grandes intérpretes del jazz como Joe Pass (Beatiful love) y muchos otros hasta hoy en día.
En la versión que les dejo recreo dos títulos (Beatiful love y Stella by Starlight) :
http://youtu.be/lzxB2MpC7_c
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La música de Bill Evans adquiere una profundidad armónica especial cuando su paisaje sonoro se mezcla con otros ríos de voces, voces urbanas que cuando miran por la ventana se encuentran con los instantes infinitos de una tarde cualquiera.
Su manera (contemplativa) de hacer música en su etapa de madurez se acerca a estéticas japonesas (zen) donde el "vacío" se relaciona con distintas formas de significar el espacio (y al espacio Bill lo dimensiona con sus acordes) y de este modo su sensibilidad aporta elementos como nuevos puntos de perspectiva a los pianistas de jazz contemporáneos.
Aquí un enlace con una versión personal sobre este clásico (Time remembered): http://youtu.be/QAHHYWZOQ0A
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
La afinidad que Astor Piazzolla expresó hacia la música contemporánea está manifestada en su obra en la que encontramos sonoridades usadas en otros contextos por autores como Bartok, Strawinsky o mismo A. Schoënberg y que Astor apreciaba como sonoridades que se corresponden con el paisaje urbano moderno y en eso consistía su modo de transmitir emoción, vnculando el presente imprevisible con un pasado evocativo al cual siempre le rindió culto. El "ejercicio" aquí expresado está grabado en el estudio La Nata (V. de los Castillejos) en piano y guitarra.
Aquí el enlace: http://youtu.be/oKiOjROglbA (piano y guitarra)
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
En la época de los rudimentarios medios técnicos del cine mudo grabar música implicaba al intérprete situarse al costado de la escena para luego (sea solista, un pequeño grupo o una orquesta) improvisar a medida que la escena transcurría quedando a su criterio la sincronicidad de los eventos musicales con los actorales y siendo todo capturado por un micrófono ambiental.
Así también el pianista ejecutaba música mientras la película transcurría en las primeras pantallas de cine, lo que hacía a todo un oficio del músico que consistía en (según lo que veía) tocar en modo mayor, menor o disminuído ... y así resignificar la atmósfera de la escena a través de estas u otras sugerencias sonoras.
Aquí un enlace que es un poco homenaje a aquellos tiempos: http://youtu.be/zNjFqYC3l3g
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La música de J.Coltrane cohesiona distintos estratos sonoros que se amalgaman en el paisaje de una ciudad como último escenario de una voz urbana.
Éste artista dinamizó la música de su tiempo con un concepto de contínuo rítmico-melódico donde la armonía establece una relación distinta con la totalidad a lo que se realizaba anteriormente (incluso en el jazz) y esta ruptura es un signo llamativo de buena parte de su obra.
No sería justo dejar de nombrar a Mc Coy Tyner quien supo ser el pianista en la etapa más fructífera de su cuarteto y quien, en definitiva, armonizaba aquella música e incluso a Alice Coltrane también de gran sensibilidad.
La versión que les acerco es (mas que un homenaje a My favorite things como un clásico del género de la comedia musical) un acercamiento a algunos fenómenos del lenguaje musical que se dieron en la obra de este gran saxofonista (desde mi inevitable óptica personal).
Aquí el enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=3fQki2a6CWE
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Songwriters: HART, LORENZ / RODGERS, RICHARD
My funny Valentine
Sweet comic Valentine
You make me smile with my heart
Your looks are laughable
Unphotographable
Yet you're my favourite work of art
Is your figure less than Greek
Is your mouth a little weak
When you open it to speak
Are you smart?
But don't change a hair for me
Not if you care for me
Stay little Valentine stay
Each day is Valentine's day
Is your figure less than Greek
Is your mouth a little weak
When you open it to speak
Are you smart?
But don't you change one hair for me
Not if you care for me
Stay little Valentine stay
Each day is Valentine's day
Algunas de las tapas de los discos de esta canción que fue versionada por alrededor de seiscientos artistas ...
Enlace en youtube (piano solo):http://youtu.be/sD3gG9DMgtY
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En términos del jazz la palabra swing se refiere al cambio imprevisto en el fraseo entre la subdivisión binaria y la ternaria y a un explorar los límites entre un lugar y el otro. Llevado esto a este gran clásico de Astor Piazzolla la cosa por instantes se asemeja a ritmos autóctonos como la chacarera. De todos modos vale recordar que el término "tango" entre muchos otros referidos a distintos ritmos proviene originalmente de África coexistiendo en un universo de ricas polirritmias.
Aquí un enlace sobre una versión personal de este clásico del tango :http://youtu.be/SjW5robZAYg
(Empedrado de un barrio de Buenos Aires e inmigrantes en el puerto a principios del siglo XX)
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Con este clásico la Bossa Nova se abre al mundo desde la sensibilidad de Joao Gilberto, Tom Jobim y la poesía de Vinicius de Moraes ya en el año ´58.
De algún modo este género musical tiene un andar ondulante y pausado pudiendo generar en el oyente la reflexión y la calma natural de un paseo por la playa ...
El tango (por otra parte) posee un caracter más marcial (incluso espasmódico) y deja espacios (silencios a modo de misterio) donde la bossa siempre encuentra un continuo (como una forma de la sensualidad). Además el tango suele acentuar en tiempo fuerte cuando la bossa lo hace en el debil y así es posible hallar muchas otras analogías y oposiciones como bases de experimentación.
Aquí un enlace de Chega de Saudade en versión tanguera:
http://www.youtube.com/watch?v=D1Naaiw3f7Q
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La Samba de todas las notas es una referencia al paso por varias
regiones tonales por las que necesariamente un músico transita cuando toca "Bluesette" de Toots Thielemans aunque el 3/4 del compás no se corresponda con la samba del Brasil y a la vez ésta es una excelente excusa para formalizar precisamente procesos modulatorios que aquí se dan de manera muy simple ...
Luego la "Samba de una nota sola" se sostiene (en la primera parte) desde el punto de vista melódico desde dos sonidos (fa y si b) y simultáneamente se dan algunos procedimientos armónicos que caracterizan a la música de Antonio C. Jobim en lo que es su modo de pintar los paisajes del Brasil y cuyas sonoridades lo hicieron famoso en el mundo por la calidad de sus propuestas.
La idea de unir los temas y frasearlos por momentos con un toque un poco más marcial (y consecuentemente tanguero) se corresponde con la intención personal de quien les escribe.
Kenny Dorham fue un artista cuyo sonido sirvió para la inspiración de grandes del jazz como Miles Davis y luego también a muchos otros a quienes llegó especialmente desde una melodía llamada "Blue Bossa" interpretada de mil maneras en distintas partes del mundo.
La confluencia del jazz y la música del brasil a que hace referencia el título no es casualidad y la consecuencia de este encuentro es una importante cantidad de música de muy alta sensibilidad que hizo a autores como Hermeto Pascoal, Antonio Carlos Jobim y otros grandes entre los que hallamos a poetas como Vinicius de Moraes, cantautores como Djavan, Chico Buarque, Caetano Veloso, Milton Nascimento o Gilberto Gil que (entre otros artistas) dieron identidad a ese movimiento cultural denominado "tropicalismo" y que se inició ya en la década del ´60 ...
Kenny Dorham fue un pionero y a su modo un visionario de esta confluencia musical que dio tan buena música a los oídos de la gente.
La versión que les dejo está grabada por quien les escribe estas líneas y tiene un toque por momentos de intención tanguera cuyo logro queda en todo caso a consideración de quien la escucha.
El enlace en youtube es: http://youtu.be/VrXeG1oFPAs
Abajo un desarrollo armónico (sustitución) que encontré en la web:
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Wayne Shorter desarrolla una carrera musical extensa y muy creativa.
Su clásico Footprints ha sido tocado ya por varias generaciones de músicos
en el camino de lo que es el complejo arte de aprender a improvisar.
En más de un sentido Shorter es uno de los grandes herederos de John Coltrane en lo que es el desarrollo de la serialización modal de la melodía y del mismo modo en que un prisma descompone el color blanco en multitud de frecuencias que son visuales y que percibimos como un arco iris, Wayne se aboca al minucioso ejercicio de descomponer intervalos en series melódicas que establecen relaciones abruptas o inesperadas con otros modos relacionados con diferentes regiones tonales. Y esto se parece (por momentos) a un viaje nocturno por una ciudad olvidada en el sueño.
La "versión" de Footprints que les acerco está grabada por quien les escribe en el estudio La Nata en Villanueva de los Castillejos el día 17/08/2011 y se corresponde con mi insistencia en recordar (y comunicar) grandes clásicos de la historia del jazz.
Entre los instantes más gratos que hicieron al desarrollo (fundamental) de mi artística curiosidad está las veces en que escuchaba el programa de jazz (y su historia) en directo de la voz de Hugo Duschak desde la vieja radio ciudades (en Lomas de Zamora).
Hace unas semanas Hugo vuelve al aire desde la amplitud modulada de radio Fenix y es posible darse el gusto de escuchar su programa y también (desde cualquier sitio del mundo) cliqueando en http://www.radiofenix1650.com.ar y profundizar así (desde su exploración sonora) en los criterios que hacen a una expresión universal como lo es la música de jazz en sus diferentes etapas, contextos, regiones y personalidades que dan con esta idea precisamente "universal" de la música. Felicitaciones a Hugo por su esfuerzo (y generosidad) y que esta etapa de difusión contextualizada al mejor nivel por parte de alguien que es un escudriñador auténtico se sostenga en el tiempo (por lo menos lo necesario para que músicos y todas las personas con afinidad a este arte) podamos sacar "nuestros apuntes" y construyamos los mapas que necesitamos para adquirir esa "visión mágica al pasado" tan necesaria para proyectar nuestras propias aventuras sonoras en el presente.
La canción sin letra ...
El concierto directo pero diferido ...
El cantante mudo ...
El pianista manco y muchas otras variantes aparecen como extensión
de las consecuencias sociales del mundo post-moderno.
No se trata de ningún engaño, sólo de preguntarse sobre el hecho de cuando un autor es realmente un autor ... en un paisaje donde lo degradado es el propio sistema (capitalista) inherente al proceso de difusión de una obra consecuente que nos lleva a preguntarnos si es válida la representación del sonido como si éste tuviera la forma física de un ladrillo para así anticipar mecanismos que se van a utilizar en otros sectores de la sociedad para "regular" la producción (o expresión en el caso del arte) ...
y para inventar una nueva burbuja con la cual se va a dar el juego en el "sistema".
Por otra parte qué bueno es que un autor pueda cobrar derechos cuando compone una obra porque eso es un reconocimiento social imprescindible para seguir trabajando pero la cuestión de la perpetuidad ya es otro tema ... en un mundo donde el ser humano se siente acorralado en la inercia de una sociedad sin respuestas.
El sonido, los fractales, los espejos y cristales pueden ser cuasi eternos pero con qué criterio pretendemos detener el tiempo (y de éste su paso) cuando dibujamos una melodía en el piano?
Hubo artistas que (ante su propio proceso expresivo) se hicieron estas preguntas y muchas otras y entonces lo que encontraron fue su propio misterio al reconocer los límites de las cosas ... (entonces en determinadas poéticas teatrales o artísticas el engaño juega un papel fundamental en la construcción del lenguaje escénico siendo por otra parte el objetivo algo noble ya que materializa una crítica social
o la reflexión en los otros acerca que algo pero ¿qué sentido tiene el engaño por el engaño en sí cuando ya conocemos el final del juego? ¿No se parece esto al personaje que aparece en el Principito
de Saint Exupéry cuando el borracho dice:_ Bebo para olvidar (para olvidar que bebe y es borracho)?
¿Entenderán algunos cantautores de moda o pasados de ésta que no son los salvadores de nadie mas allá de su propio bolsillo subvencionado por muy largo tiempo por la generosa sonrisa de la gente?
Luego ¿Cuando un autor crea una obra?
Para algunos cuando compone una melodía en una partitura ...
Para otros cuando la graba ... para algunos cuando la graba en determinado formato ...
Para otros cuando la canta ...
Para otros cuando la canta a otras personas, diez un millón o para sí mismo (siempre que se considere persona)
Para otros cuando cobra dinero por escribir, grabar, tocar o aplaudir cuando escucha lo que hizo ...
Para otros cuando firma (y se afirma) como propietario del documento que considera ...
pero ¿qué documento puede dar consistencia al derecho de la propiedad corporativa sobre la vibración audible (el sonido) cuando los pájaros se la pasan cantando todas las mañanas?
¿Hay que matar a los pájaros por esto o cobrarles derecho de autor si utilizan determinadas frecuencias?
¿No es mejor cobrar un impuesto a los que encienden un motor (siempre que acrediten ser los propietarios de éste)
que hace ruido molesto por utilizar el sonido de manera tan contraproducente?
Entonces esta solución (extraña) significa cobrar dinero a los que producen ruido para dárselo a los que (intentan) producir sonidos (que es ruido con significados emocionales en los diferentes contextos culturales).
¿Hay que cobrarles a los que se tiran un pedo? ¿Hay que cobrarles por el ruido o por la falta de consideración hacia los demás?
¿Y a los que quieren hacer música pero todavía no les sale?
¿Tenía John Coltrane un saxofón de babero cuando era pequeño?
¿Que va a pasar el día en que se cobre copy right
a los pintores por usar el color azul o el verde ...?
¿Van a poder los pintores inventar colores nuevos no catalogados
o van a tener que pagar por expresarse?
¿Es el signo inevitable del nuevo siglo la lucha desigual del hombre contra estos fantasmas impersonales que se atribuyen derechos celestiales e infinitos en un mundo que (aunque es semi-esférico) es limitado?
(Texto extraído de Conversaciones con el gato Kalimero, pergamino apócrifo del siglo XXI)
M.J. http://www.marcelojeremias.com/
Luz del sonido tras la sombra del recuerdo.
Arriba nebulosa ojo de dios
Recordando a artistas (con ciertas particularidades sensoriales) Jorge Luis Borges comentó una vez en un reportaje que ya en el año 55 apenas podía leer de los libros las tapas ... y que descubrió el valor de la palabra hablada como algo diferente a la lengua escrita y (de algún modo) él meditaba sobre la sonoridad cuando imaginaba un texto.
Tete Montoliu fue un gran pianista de jazz ciego de nacimiento, y entonces (consecuentemente) tuvo la suerte de no distraerse de su interés en tocar el piano poniendo en juego los elementos esenciales que hacen a la expresión musical profunda.
La regla parece ser que "los límites son dones" y podríamos seguir trayendo ejemplos a la memoria.
Incluso el mismo Igor Strawinsky escribió en su libro "Poética musical" que (según su visión) como compositor mientras más límites articulaba en su música, más libre se sentía ... y esto ya tendría que ver con la definición del lenguaje musical y la posibilidad de que un intérprete pueda establecer una "lectura" más objetiva sobre su obra.
A la distancia se entiende que una lectura objetiva no es algo extensivamente viable y esa es razón al surgimiento consecuente de las distintas poéticas o escuelas, poéticas de expresión (vinculadas a pautas filosóficas o modos de pensar puntuales) donde el valor de la intuición, la improvisación o la memoria gravitan de diferentes maneras específicas.
Por supuesto que en la música popular la tradición oral tiene un peso importante pero restablecer ese valor en la llamada música clásica es un mérito que pocos músicos acreditan.
Abajo un texto de Raul Thais Antequera Villanueva en el cual formula su manera especial y sencilla de "enseñar música" aportando vitalidad, creatividad e interés en asuntos donde los modelos más anticuados de enseñar hicieron de la música un "objeto de laboratorio inerte (sin vida)":
_Al perder la vista, en torno los 22 años (de nacimiento tenía un pequeño resto visual), estaba inmerso ya en una profunda transformación de mi existencia, por lo que empecé a buscar mi propia esencia en la meditación y sobre todo en la meditación con música.
Hacia la mitad de la carrera de mis estudios de piano ya no veía y el memorizar las partituras, unido a su estudio en el teclado: saltos, posiciones, etc… fueron un reto brutal para mi capacidad de superación y autoeducación.
Fue entonces cuando, para liberar la tensión producida por mi nueva situación, que empecé a tocar el piano de otra manera, a componer sin saberlo, a dejarme llevar por unos, para mi, nuevos sonidos, preñados de luz, espuma y fantasía; donde brotó una visión interior con unidades completas de sentimiento que fueron para mi, el manantial de agua viva en el que aún hoy bebo en libertad.
Descubrí el placer de tocar sin saber lo que tocaba, dejando a mis manos encontrar las sincronías adecuadas para mi crecimiento y siempre desde el placer estético, el encuentro con el gozo, el cual descubrí era la sustancia de la que estaba hecha la creación.
Cuando di por terminados mis estudios oficiales, y tras largos años de investigación en cómo tocar sin partitura, supe que la meditación y la comprensión a través del sentimiento eran la guía para soltarme de la lectoescritura y seguir tocando música que tuviera la misma profundidad que las obras clásicas a las que tanto amaba.
De ahí que encontré los misterios, la luz y la sombra, el vacío y los espacios llenos hasta los bordes donde el alma se autorrealiza en comunión con el todo.
Al empezar a dar clases de piano, bien por sintonía o por casualidad, los alumnos que llegaron querían tocar música clásica, pero sin partituras, pues no encontraban libertad al abrigo de los sistemas clásicos de enseñanza; y sin darme cuenta, les empecé a enseñar a tocar de la misma manera que yo cuando perdí la vista me enseñé a mi mismo: mis manos y mis sentimientos habían encontrado un método para tocar el piano sin ver, sin pensar y de manera intuitiva.
Mis conciertos son pedagógicos en el sentido de que enseñan a la persona a bajar de la mente al corazón, de la razón al sentimiento, en el sentido de que unen música y meditación. Las sincronías musicales que usamos en las obras inciden directamente sobre ese sentimiento y su arraigo.
Normalmente la música se escucha desde el seguir mentalmente un discurso lineal, pues bien, esta música se escucha desde lo corporal y emotivo, pues es dulce al sentimiento, y sin tratarse de música clásica contemporánea está lejos del ordenamiento clásico de la música, con sus tonalidades, funciones tonales, desarrollos, cadencias, etc. Es una música que camina hacia dentro, con una sencillez inusitada e inocencia sorprendente y que fluye como agua viva, con la cual es muy sencillo dejarse llevar.
Raúl Thais Antequera Villanueva (MÚSICACUÁNTICA.COM)
El camino del sonido en el presente...
Es llamativo constatar que cada desembarco en Buenos Aires (y en distintas capitales del mundo) de artistas de diferentes partes cuenta con un plus de aprobación (en la industria de los medios) no siempre justificado y también es llamativo constatar que muchos emprendimientos regionales son catalogados como "eventos locales" menospreciando desde el inicio (desde la primera ventana de criterio) al hecho ...
También es llamativo que muchos músicos (y sus obras) queden enterrados en un anonimato sin sentido, cuando éstos artistas suelen ser personas generosas y abiertas.
Muchas veces la prensa (como eslabón de la industria de la comunicación de meta-mensajes que siempre son mensajes políticos que consensúan determinado establishment social) considera a un artista según su capacidad de convocatoria en un escenario ... y sin embargo si consideramos ese punto de vista como correcto tendríamos de determinar que J.S Bach no fue un artista ... porque en su tiempo este compositor estrenaba sus obras en espacios reducidos y en el contexto de ceremonias religiosas y cortes.
Sin embargo también es cierto que en la época de Bach no existía la "era industrial y la sociedad de consumo que hoy da calidad de vida a muchos millones de seres humanos" y que el barroco fue un momento de desarrollo de principios mecánicos que se expresaron en la propia construcción de instrumentos musicales y en el cual el rey de aquel momento fue el órgano tubular ... entonces no había una prensa "instantánea" que definiera una "psicología de masas" aunque la idea de "pueblo" como entidad raíz es algo que se puede constatar en todas partes a lo largo de la historia.
Hoy día resulta sencillo diferenciar aquel momento de éste en cuanto a lo que es el paradigma económico que hace a cierta idea estética ... pero la fuerza contemplativa de la obra de Bach sigue manifestando un caudal espiritual que pocos artistas contemporáneos se atrevieron a restablecer siquiera como pregunta y aquí podemos constatar la influencia de J.S. Bach en la obra de Astor Piazzolla, o la interpretación (las grabaciones) del Clave bien temperado realizadas por un artista de jazz como lo es Keith Jarret donde una vez más se entiende que Bach es a los músicos algo casi comparable a la cadena de ADN a los organismos vivos ...
Entonces los compositores pueden ser descubiertos 100 o 150 años después de que hicieron su obra ... pero esto fue así hasta lo que fue el comienzo de la era industrial (cuando la sociedad era bastante más estática) sin embargo hoy día es dudoso que el mundo conserve memoria de muchas expresiones valiosas porque la capacidad destructiva de la sociedad contemporánea lamentablemente se desarrolla más rápido que su capacidad de cohesión y constructiva ...
Y al final todo indica que vamos hacia un viaje sin retorno (por lo menos para una gran mayoría de la población) donde hablar de la memoria es hablar de la virtualidad de los nuevos medios (sin recabar en el hecho de que civilización como una entidad implica a un espectador real, del mismo modo que la existencia del sonido mas allá del fenómeno puramente físico implica nesariamente a un oyente), y esto es así pese a la escena final de la película Blade Runner de Ridley Scott donde los androides (o replicantes) tienen la capacidad de soñar ... y recordar eventos que los humanos ni siquiera "imaginamos".
Y aunque temas como albedrío o destino superan la intención de este texto
creo que es posible recrear paisajes donde la racionalidad dada por nuestro mundo industrial se trastoca en un significado mágico ...
y esa puede ser una vía de retorno a un pensamiento "poético" donde aparezcan nuevas pautas de convivencia y "estéticas" y donde lo "multitudinario" ya no necesariamente va a tener el "valor de mercado" que hoy tiene en la realidad de la expresión musical de la vida moderna, pero ese ya va a ser otro mundo ...
En una posiblemente nueva filosofía del "decrecimiento económico" el precio de un producto ya no lo va a imponer la demanda (a partir de la pauta de escasez) sino la oferta (desde un principio de generosidad inherente a considerar que todo necesita su lugar y no es de buen gusto perder de vista lo importante por lo urgente) y el camino del sonido puede ser un espejo de reflexión interesante sobre estos temas ya que las nuevas teorías económicas también necesitarán considerar a la "armonía musical" o incluso a la "belleza melódica" para desarrollar el aspecto interno y de cohesión de sus ideas sin perder de vista el concepto de que cualquier cosa es una parte del "todo".
(Vagamundos de Indonesia)
Muchas veces si no fuera por nuestros amigos (que van haciendo huella con el trabajo con la música) no tendríamos oportunidad de proyectar sueños y esperanzas.
Andres Pasquet es un gran sembrador de sonidos que hace muchos años trabaja en el centro cultural Marcelino Villar de Mar de Ajó desarrollando su espacio de docencia y difusión de la música desde donde acerca este arte a la gente formando grupos de ensamble para vivenciar chacareras, standars de jazz o clásicos de la música popular.
El espacio pedagógico creado por Andres responde a una concepción abierta donde incluye distintas vertientes que adquieren un sentido en la práctica musical y eso forma parte de su propio mundo interno lo mismo que el paisaje pampeano y patagónico que lo inspira para ir deshenebrando colores que transforma en acordes y melodías ...
Andres (a la derecha), George y un amigo en la feria de artesanos de Bariloche
Frente del centro cultural Marcelino Villar
( ¿ Amanece o atardece ? )
De jóvenes a algunos nos gustó recorrer lugares y conocer gente
y así (de a poco) adquiríamos ciertos parámetros para intentar
una crítica a nuestra propia ideosincrasia y a eso lo llamamos
(tal vez con un poco optimismo) "expansión de la consciencia".
Con el tiempo vamos viendo que esa atmósfera cargada de optimismo
se va diluyendo en medio de una suma de problemas impensados
y que en realidad esos problemas están más allá de nuestras ideas
o formas de ser y que con consideraciones personales (o nuestros intentos
subjetivos) no encontramos una solución común ya que (al entrar en cuestión ese factor común humano) observamos que las alternativas individuales (o psicológicas) son simples estrategias de supervivencia y no ya actos culturales de los cuales nos podemos sentir necesariamente orgullosos ...
Así el espectro de aspiraciones humanas (idealismos) queda reducido
a la nada y eso es lo que algunas escuelas de pensamiento en pos de promover el mecanismo inherente a la sociedad de consumo y de mercado
como solución o alternativa intentan restablecer en la conducta
de mucha gente. (Sin concatenar por supuesto todas las consecuencias).
Pero esto es así por la naturaleza narcisista de cierta cultura como una forma de encandilamiento futurista que se transformó en un laberinto sin salida y tal vez la expresión más catastrófica de ese laberinto es la teoría malthusiana cuyo fragmento transcribo a continuación desde la "enciplopedia libre de wikipedia" en la web:
Se refiere a las consecuencias previstas por la teoría demográfica de Thomas Malthus, en esta teoría se preveía un aumento en progresión geométrica o exponencial en la población junto con un aumento en progresión aritmética en la producción agrícola de alimentos que causaría una situación de pauperización y economía de subsistencia que podría desembocar en una extinción de la especie humana y que Malthus pronosticó para el año 1880.
Aunque la previsión falló, el malthusianismo sigue vigente, el término Catástrofe malthusiana se sigue utilizando para describir situaciones críticas que pueden hacer inviable o muy dificultosa la supervivencia de la población humana si persiste su crecimiento.
Los conceptos de ahorro energético y "especialización de la sociedad" parecen ser las únicas cuerdas con las cuales abordar racionalmente asuntos difíciles y conflictivos que se manifiestan ya extensivamente en el mundo pero esas mismas palabras pueden tener bordes demagógicos que se utilizan en el mundo de la política para "blanquear" irresponsabilidades en un nuevo modelo de discurso que al final es necesariamente también fraudulento. Un texto de una canción popular dice:_ nunca es triste la verdad, lo que no tiene es remedio ...
y aunque éstos conceptos sean válidos e interesantes los enfoques no necesariamente están desarrollados los contextos correctos y el tiempo en encontrar sus mecanismos posiblemente ya no van a estar de nuestra parte, por lo menos de parte de la comodidad o como antes dijimos narcisismo o complacencia humanos.
Thomas Malthus falló en su escepticismo y en 1880 la civilización no se terminó. Del mismo modo uno ahora también puede estar equivocado y la humanidad hoy podría dar un giro hacia una fuente limpia y renovable de energía, y una fuente de energía válida podría sanear las finanzas mundiales y se detendrían las guerras y el mundo del arte renacería en espiritualidad y esperanzas y las personas accederíamos a una etapa de evolución más profunda y sabia pero hay un riesgo real de que estas palabras sean sólo una expresión de deseos sin consecuencia alguna en la historia (futura) de las sociedades ...
En la expresión artística este nudo de situación diferencia a las expresiones escépticas de las positivas y dentro de las escépticas en algunos casos podemos encontrar hilos de esperanza hacia otra humanidad o no, y así también las positivas pueden ser expresiones simplemente evasivas o con alguna connotación inquietante u oscura a superar hasta mezclar aguas una con otra.
Hoy día sería deseable que la humanidad se encuentre ante problemas ideológicos o de pensamiento ya que esa clase de problemas se superan pensando (y/o conversando) pero la conducta de que ante los problemas sin solución es mejor olvidarlos nos puede ocurrir que caemos en esa gran marea nihilista que fue el signo del siglo XX y en la que metemos problemas solucionables en la bolsa de los que no lo tienen (por simple complacencia) y así creamos el escenario perfecto para el suicidio colectivo que (por lo menos) además de ser una instancia de muy mal gusto es un verdadero desperdicio de la fuerza de la vida y una negación al cambio.
Uno admira a las personas que ( pese a circunstacias difíciles ) se sumergen en ser ellos mismos fuerzas de transformación social por simple convicción y esa es evidentemente una señal positiva. Si las intenciones personales hacia otra humanidad alcanzan o no eso ya es harina de otro costal porque aunque un día hay que dejar el mundo siempre es mejor hacerlo intentando lo mejor que quedarse con los brazos cruzados.
Evidentemente ahora que empezamos a ver algunas cosas es probable que la luz de la vela con que vemos los problemas se extinga pronto también pero (volviendo al tema del arte) no podemos aspirar a desarrollar un criterio estético si no relacionamos nuestro modo de percibir con la historia de la industria y no sacamos algunas conclusiones. Y aquí hablamos de la historia de la industria de los medios y soportes de la información.
Y cuando logramos sacar los sonidos de sus máscaras (los medios y soportes) recién ahí es cuando empezamos a escuchar de verdad. "Escucha las voces que dejaste atrás"... fue el título de una música que apareció en un disco de vinilo hace ya más de 20 años en el cual John Mc Laughlin se presentaba como solista junto con otros músicos en su homenaje personal a Charlie Parker (Domingo Cura aparecía también tocando el bombo legüero en otra canción en ese disco).
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(Debajo un enlace que es un informe sobre la "ruta del plutonio", tema sobre el cual algunos estábamos muy poco informados):
http://www.correodelsur.ch/noticias/chi_no_ruta_plutonium.html
Aquí dos fotos de John Mc Laughlin :
Ariel Hernandez es un hijo de una ciudad ausente y el tango es el sonido de esa ciudad.
Buenos Aires es una ciudad cosmopolita con rulos de una cultura universal que se asentó en las distintas etapas migratorias que fueron moldeando sus veredas y así nació el tango orillero que hablaba de la precariedad de sus habitantes y las desigualdades, fotos sociales que se transformaron en pequeñas (y grandes) historias que circularon a través de las letras de las canciones.
Ante este panorama Astor Piazzolla (hombre que venía de la orquesta de Anibal Troilo) restablece cierto hilo metafísico con su "tango instrumental" y el camino no fue corto ni sencillo pero don Astor fue un hombre indudablemente persistente.
Ariel (en una frecuencia semejante) desanda el camino de ese antiguo inmigrante en una ruta inversa y así restablece esos espejos necesarios para profundizar en su sonido, sonido también de "tango instrumental"que lleva a donde va y que hace años recorre en distintos escenarios de Europa.
No estoy en condiciones para detallar una biografía de este autor pero mis sensaciones sobre su actitud hacia el trabajo con el sonido son las mejores ya que Ariel es una persona abierta y no por eso carece de método de realización y su intención poética se trasluce de los procesos contrapuntísticos que sumado a determinados patrones rítmicos son sello de su trabajo minucioso.
Cuando uno conoce a ciertas personas le viene el deseo de que conserven buena salud durante los próximos 100 años para realizar todo el trabajo y la obra artística a que están destinados a realizar y el caso de Ariel Hernandez se ajusta a este concepto.
Me ha llegado un enlace de un video donde nuestro bandoneonista está de gira contento con su cuarteto en Holanda.
Aquí el enlace de ese video (en youtube):
El poeta ayamontino Aníbal Alvarez desarrolló una cosmogonía sobre el río que lo conoce desde su infancia.
Tal vez con palabras buscó exponer misterios que siguen
bordeando las orillas y las corrientes de agua de este río tranquilo
que es refugio de algunos pueblos pequeños y de barcos veleros
que lo navegan.
Las palabras suenan como olas que dibujan rastros
y así va apareciendo el mensaje del agua.
Agua que da forma a las piedras y que alisa playas y barrancos
y del mismo modo pone al hombre frente a sus propias preguntas.
Pude contextualizar en cierta dirección posible con sonidos
algunos de sus textos en la presentación del libro "Un río llamado Guadiana"
realizado hace un tiempo en el café-galería de arte Passage en Ayamonte
y uno guarda la esperanza de manifestar algunos ecos del misterio del río
en lo que sería un concepto particular de puesta en escena de una expresión
poético-musical.
Aquí un enlace donde se rescatan algunos instantes de aquel evento
Starlees de King Crimson (Red)
Lo siniestro como espejo de la realidad aparece de diferentes maneras en la obra de King Crimson.
Y ante un escenario sin salida la única salida es la mirada interior y sobre esa mirada hablan algunos textos (a veces crípticos) de este grupo de rock-jazz sinfónico cohesionado por Robert Fripp.
El juego alquímico de su sonido tiene que ver con una amalgama de
connotaciones que desbordan recuerdos que se pierden también con los primeros reflejos de una mañana en una alegoría de un sueño.
Entonces lo siniestro se disuelve en algo diferente que alcanza cuerdas nuevas en fotos contemporáneas de una ciudad imaginaria y así el discurso gana en cierta libertad (tan parecida a lo cotidiano y a la vez tan diferente), o por lo menos a una idea que es una idea solitaria en el recorrido simbólico de las imágenes que se mezclan en una lámina de ficciones entre el sonido de un saxofon trasnochado por un texto.
King Crimson - Starless
Letra:Sundown dazzling day
Gold through my eyes
But my eyes turned within
Only see
Starless and bible black
Ice blue silver sky
Fades into grey
To a grey hope that oh years to be
Starless and bible black
Old friend charity
Cruel twisted smile
And the smile signals emptiness
For me
Starless and bible black 
Aquí un enlace: http://youtu.be/Z9IQnDRYIYU
